VIBRANTE

DANIEL GARCÍA TRÍO, Wonderland (ACT, 2024)

Este vibrante Wonderland es el tercer álbum del pianista Daniel García en el sello alemán ACT, o, mejor dicho, de su trío, completado por el bajista Reinier Elizarde 'El Negrón' (ganador de dos Latin Grammys) y el baterista Michael Olivera, dos músicos cubanos que se afincaron en España y que hoy son imprescindibles en la escena musical española, a la que han aportado su acento. Juntos profundizan en la filosofía mestiza de Daniel García y en este álbum no solo "hablan" con acento flamenco sino que introducen términos musicales caribeños y del este de Europa. El guitarrista israelí Gilad Hekselman participa en uno de los temas ("Wonderland") con un solo muy acertado.

Daniel García (Salamanca, 1983) es un músico que comenzó estudiando piano clásico en el Conservatorio de Castilla y León para después formarse en la Berklee College of Music de Boston, donde tuvo como profesor y mentor al panameño Danilo Pérez, quien claramente le legó esa visión ecléctica del jazz que muestra en su trío. En 2011 recibió el premio a la mejor interpretación de jazz en Berklee y comenzó una carrera que le ha llevado a tocar junto a grandes nombres del panorama jazzístico actual, como Arturo Sandoval, Greg Osby, Perico Sambeat... 

A lo largo del álbum se percibe que Daniel García es un pianista que no reniega de las influencias. Con la técnica perfeccionista de la música clásica, sus composiciones sorprenden con aristas cambiantes que nos aproximan a armonías orientales o caribeñas según el caso, juegando con cadencias, giros, improvisaciones... todo ello con la libertad de la experiencia y con la complicidad de un trío que lleva muchos años funcionando y donde la interacción se percibe orgánica, fluida, natural y llena de energía. 

Con sonidos clásicos y armonías inesperadas, nos sorprende con "Paz", un tema lento y lírico donde, sin embargo, subyace una cierta tensión. Es la intro perfecta para entender toda la amalgama musical de la que hablábamos. Los ritmos caribeños están presentes en "Witness the Smile" o "Gates to the Land of Wonders", por ejemplo, tema donde la velocidad y el ostinato convierten la composición en un desafío exigente y lleno de fuerza que se rompe por fases para dar lugar a momentos líricos, algo que predomina en todo el álbum y que permite a Daniel García moverse en registros emocionales ("Mi Bolita", "You and Me", "A Little Inmensity"...). En "Wonderland" responde a esta poética el guitarrista Gilad Hekselman con un solo que acerca al trío al jazz rock mientras que sección rítmica y piano aportan un toque folk que recuerda más a las fusiones en grupos de folk-rock de los 70.

Jugando con timbres y ritmos, el disco evoluciona por complejos mapas estéticos donde nada es seguro pero todo es cierto, porque la magia de estas fusiones está en que nace de manera natural de los miembros del trío, y termina redondeando una obra personal y distinta, tan compleja como placentera de escuchar. Daniel García ha sabido traer todas sus influencias musicales e instalarlas en el contexto siempre receptivo (pero no fácil) del jazz. Y lo hace con solvencia. 

No disponemos de ningún vídeo del nuevo álbum, pero les dejamos uno de su particpación en Jazzahead! 2022 con temas de su segundo álbum, Vía de la Plata (ACT, 2021). Que lo disfruten.

* Web de Daniel García: www.danielgarciadiego.com

FUSIONES INESPERADAS

Nos encanta descubrir voces y sonidos nuevos. Hoy escuchamos tres álbumes de April Records que tienen algo en común: son fusiones inesperadas de instrumentos que nunca habíamos escuchado juntos o de estéticas que parecían imposibles de emparejar. En ellos las tímbricas de los instrumentos se adaptan al diálogo y en todos surgen sinergias que dan sentido a la música. 

LIS WESSBERG, Twain Walking (April Records, 2024)

Twain Walking  no es un disco de jazz electrónico sino un disco de jazz donde, en ciertos pasajes, la electrónica (Rhodes, Moog, sintetizadores) suma capas para favorecer la expresividad del trombón. Bajo y batería siguen formando una sección rítmica típica del jazz. La trombonista danesa Lis Wessberg resulta un gran descubrimiento con este álbum, donde mezcla con habilidad paisajes sonoros electrónicos con un jazz seductor e hipnótico, un paso adelante, una versión contemporánea del cool jazz que lleva tocando 30 años.

Como el cool, que se mueve entre lo salvaje del bop y lo sereno del pop, el jazz de Wessberg flota entre la tradición hot jazz y la frialdad nórdca. Llevando más lejos la metáfora, sus composiciones están a medio camino entre la experimentación de Miles Davis y la serenidad de la trompeta de Miles Davis.

Con composiciones propias y rodeada de los músicos Steen Rasmussen (Fender Rhodes, Moog, sintetizadores, piano), Lennart Ginman (contrabajo, electrónicas), Jeppe Gram (batería) y la voz de Karmen Rõivassepp, nos ofrece un valioso repertorio que va de los paisajes ambientales, casi cinematográficos, a otros donde el groove nos empuja sin remedio, como es el caso de "Trapestry of Life", donde los sintetizadores crean una energía cercana a las improvisaciones espirituales de Miles Davis al inicio de su época electrónica. Dicho sea sin ánimo de comparar.

* Web oficial: www.liswessberg.com

Publicidad

EMIL DE WAAL, Fire Øjne (April Records, 2024)

El caso del percusionista danés Emil de Waal plantea una experimen-tación dentro de la experimentación. A sus singulares composiciones suma la complejidad de hacer un disco a dúo, pero no un disco a dúo con otro músico sino con uno distinto en cada tema. Concebido en principio como un disco en solitario (ya que afirma que en sus disco anteriores las decisiones fueron colectivas y aquí son personales), este Fire Øjne (literalmente, cuatro ojos) explora las posibilidades conversacionales con otros instrumentos, además de experimentar personalmente con ritmos y con electrónica, programación, flauta, agua y, por supuesto, percusión.  

Algunos de estos dúos a destacar son, por ejemplo, "Regnvejrssang", una vieja sintonía de dibujos animados de los años 70 que De Waal interpreta aquí junto con Fredrik Lundin en la flauta baja, reforzando una poderosa intención melancólica; "Paradigme", donde juega con el sonido del agua como si de un instrumento de percusión se tratara, mientras el piano electrónico crea ambientes inquietantes; "Generøs", en el que Cecilie Strange presenta un tema bastante libre al saxo, lleno de inquietantes giros que De Waal amplifica con la percusión... Aunque quizás la fusión más interesante sea la de "Halvfirs Ferms", donde la percusión obsesiva de De Waal se une a la guitarra de Rasmus Oppenhagen Krogh, que realiza un trabajo casi netamente rítmico, conformando un tema hipnótico. Dos temas con raíces menos experimentales son "Limbo Jazz" de Duke Ellington, donde establece un ritmo muy crudo mientras el saxo barítono de Lundin revive la festiva melodía elliingtoniana, y "Silence", una composición de Charlie Haden que ya interpretaron Chet Baker y Don Cherry, y que aquí, con el sonido que Susan Alcorn extrae de su pedal guitar, cuyos largos fraseos suenan casi a órgano, toma el carácter de un himno sagrado. El único tema en solitario es "Logistik", una enorme improvisación de batería que resulta más narrativa que explorativa. Tema contenido y sinuoso, deja la sensación de haber escuchado un tema completo, no un solo. 

* Más info en aprilrecords.com/artists/emil-de-waal/

Publicidad

DAWDA JOBARTEH & STEFAN PASBORG, 

Live in Turku (April Records, 2024)

La kora es un instrumento de 20 o 21 cuerdas, pariente lejana del laúd y del arpa. Traída de Gambia y países limítrofes, no se nos ocurre un instrumento menos habitual en el jazz. Pero ahí está Live in Turku, un disco de música improvisada con tintes de world jazz cuyo principal responsable es Dawda Jobarteh, un músico gambiano, hijo y nieto de músicos, que vive en Dinamarca. Su cómplice es el percusionista Stefan Pasborg, 

Tras el seductor comienzo a tempo lento, con la percursión manteniendo un ritmo intrigante y la kora anunciando una melodía aparentemente plácida, el disco estalla en una explosión de energía más similar al jazz rock que al folklore africano o al afro jazz. De hecho, lo que toca Jobarteh en este inicio es una versión eléctrica del instrumento tradicional. No podemos eludir que el disco es pura energía, energía llena de melodías exóticas donde ambos músicos se complementan y suenan como si fuera una banda completa, gracias a las propiedades armónicas de la kora y al trabajo polirrítmico de Pasborg. 

El álbum, grabado en directo en el Festival de Jazz de Turku (Finlandia) en abril del año pasado, contiene cinco temas originales de Jobarteh y de Pasborg, una versión de un tema del baterista Ed Blackwell ("Togo") con un comienzo poético e improvisaciones tremendas, y alguna referencia clásica, como una versión de "Better Git It In Your Soul", que Charlie Mingus publicó en su Mingus Ah Um (Columbia, 1959) y que aquí suena más potente y más africana que nunca con las armonías de la kora. ¡Y con el brutal solo de batería de Pasborg!

En resumen, un disco singular, una inesperada fusión de armonías africanas con la energía de un jazz-rock hijo de Miles Davis, pero también de psicodelias herederas de Hendrix o McLaughlin con la Mahavishnu.

* Más info en aprilrecords.com/dawda-jobarteh-stefan-pasborg-live-in-turku/

BABEL

WORLD CITIZEN BAND, Antares (KDK Music, 2023)

Aparte del sentimiento, la fusión de estéticas, tradiciones e intenciones es la base esencial del jazz. Todo lo demás es teoría y papel. Esto queda patente de una manera muy estimulante para el oyente en el disco de World Citizen Band. El nombre de la banda es toda una declaración de intenciones, título que engloba a un quinteto formado por el saxofonista Uri Gurvich (israelí residente en Nueva York), el guitarrista Ramiro Olaciregui (argentino residente en Berlín), el pianista Marcos Merino (Madrid, España), el contrabajista Kenneth Dahl Knudsen (Aalborg, Dinamarca) y el baterista Rodolfo Zuniga (costarricense afincado en Los Angeles), músicos nómadas con orígenes muy diferentes y lenguajes (musicales) en apariencia opuestos. Sin embargo, oyendo su disco Antares, uno percibe que, al contrario que en el relato bíblico, se produce el milagro de que cada músico habla un idioma distinto y todos se entienden a la perfección. 

La World Citizen Band estará en España en octubre presentando su álbum en Valencia (día 5, Jimmy Glass), Madrid (día 6, Club Matador), Málaga (día 7, Clarence Club) y en Barcelona (día 10, Jamboree), para continuar su gira europea por Francia, Dinamarca, Lituania y Alemania, donde comenzó todo (según cuenta su página web), con una colaboración entre el guitarrista Ramiro Olaciregui y el bajista Kenneth Dahl Knudsen, que habían llegado a Berlín buscando nuevos horizontes musicales y que ya formaban parte de la escena jazzística local. La banda completa se formó con el objetivo primario de participar en el Festival de Jazz de Ecuador. 

Foto: Lucas Illanes

El disco está formado por un crisol de composiciones de los miembros del grupo, a las que cada uno de ellos aporta su visión personal en improvisaciones muy libres. Interplay y virtuosismo podrían ser dos buenas palabras para definir este segundo álbum de la banda. La sección rítmica dirige literalmente los temas, con un complejo trabajo de Zuniga a la batería y un continuo tour de force de Kenneth Dahl Knudsen al contrabajo. Como solistas, brillan Gurvich y Merino, destacando los elaborados discursos de Olaciregui. 

Músicos inquietos, exploradores, melodías originales, a veces alejadas del jazz estándar y otras con claras reminiscencias del jazz tradicional (se definen descendientes de McCoy Tyner, Melhdau, Jazz Messengers...) y armonías atrevidas discurren por el álbum escondiendo momentos y sorpresas, desde ritmos de samba ("Samba Pra Kuki"), referencias blues ("CM's Blues"), jazz rock ("Antares"), solos inspirados ("Verás Mijín")... El disco incluye de todo menos autocomplacencia. 

* Más info: worldcitizenbandmu.wixsite.com

Publicidad:

WADADA LEO SMITH ELÉCTRICO

WADADA LEO SMITH AND HIS ORANGE WAVE ELECTRIC,

Fire Illuminations (Kabell Records, 2023)

La portada, obra de Einar Falur Ingólfsson

Después de viajes a lugares inhóspitos (musicalmente hablando) con formaciones absolutamente inusuales, el trompetista Wadada Leo Smith regresa con un combo eléctrico sin perder la filosofía transgresora que lo ha mantenido como líder del jazz experimental durante los últimos 50 años. Fire Illuminations está lleno de guitarras de rock, distorsión, efectos, electrónica y caos controlado, que sirven para que Wadada regrese a la discográfica con la que debutó en 1972 como líder con Creative Music - 1. 

Foto: Jimmy Katz

Hacer del ruido y la distorsion un arte no es algo ajeno a Wadada Leo Smith. Su gusto por lo transgresor va de la cacofonía a la música simplemente atonal, pero siempre consigue ese milagro de crear una obra compacta y deseable y, lo que es más importante, una obra con conecta con el oyente. El álbum son dos temas de aproximadamente un cuarto de hora cada uno y en cada uno de ellos la gloriosa trompeta de Wadada sobrevuela este nuevo universo eléctrico con su poesía, desarrollando la melodía y explorando todas las posibilidades tímbricas de dos líneas de músicos muy similares: Nels Cline y Brandon Ross (guitarra eléctrica), Bill Laswell y Melvin Gibbs (bajo eléctrico), Mauro Refosco (percusión), Pheeroan aKLaff (batería) y Hardedge (electrónica). 

Por destacar un tema, destacaría la seductora cadencia de la trompeta en el segundo tema ("Tony Williams"), donde sus disgresiones melódicas me llevan al Miles Davis más rompedor y menos comercial (el de Jack Johnson, por ejemplo), salvando las distancias, claro. Ambos temas, en conjunto, aportan una nueva forma de escuchar a Wadada Leo Smith, y van...

* Web: www.wadadaleosmith.com

SORPRENDENTE SEGUNDA PARTE

MARKUS REUTER, Truce 2 (Moonjune Records, 2022)

El guitarrista Markus Reuter vuelve a reunirse en Truce 2 con el bajista Fabio Trentini y el baterista Asaf Sirkis. Imaginado como una continuación de Truce (2020), volvemos a encontrarnos en el álbum con los complejos paisajes sonoros diseñados por el guitarrista, que se mueven entre un lirismo electrónico y una sicodelia cercana al John McLaughlin de la Mahavishnu Orchestra (con un sonido del siglo XXI), todo ello contado con una filosofía electrónica llena de efectos, distorsiones y con una potencia muy cercana al rock duro de guitarras.

El álbum fue grabado en dos días (más uno para añadir elementos electrónicos y correciones) en Italia, en Ritmo&Blu Studio (Pozolengo) entre el 3 y el 5 de julio de 2021, en medio de la pandemia, y esto influyó decisivamente en la música.

Nada más comenzar el álbum, se percibe una evolución importante en el sonido del trío. Es pura energía, rabia, con una tensión máxima. Markus Reuter lo explica así:

As we were playing the first few takes in the studio in July 2021, we quickly realized that playing like on the first album just didn’t work. This was suddenly a new band that was like a stranger to us. [...] The self-reflection and the emotional rollercoaster had left an imprint in our souls, and it is reflected in the music for me. There simply was a different story to tell this time… And we had to discover that story as we went along.

Y con una historia diferente que contar, nos encontramos con descargas de energía tremendas ("The Rake"), efectos electrónicos inquietantes ("Melomania"), aparente caos ("River of Things") y paisajes sonoros que invitan al desasosiego, como en "Barren" o "Consolation", donde el solo obsesivo de Reuter es brutal. 

Los temas han sido compuestos a trío, con muchas partes improvisadas, jugando con el elemento espiritual y emocional, de ahí que, a pesar de tanta electrónica, se note que los músicos interpretan e improvisan de una manera visceral. 

El uso de instrumentos sintetizados (guitarra, bajo, efectos) en algunos momentos, contrasta con la naturalidad de la batería, que aporta la parte humana de la historia, una historia donde quizás estén hablando de nosotros y ese elemento humano no haga otra cosa sino luchar. O quizás huir. 

_________________________

* Moonjune Records: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/album/truce-2

¡ABRACADABRA!

SOFT WORKS, Abracadabra In Osaka (Moonjune, 2020)

Ni Elton Dean ni Allan Holdsworth ni Hugh Hopper ni John Marshall estaban en la formación original de Soft Machine en 1966. Idas y venidas de miembros generaron diversas formaciones hasta su desaparición en 1980. En toda esta época, el grupo derivó de la sicodelia al jazz rock. Alejados de Daevid Allen y Kevin Ayers (dos de los miembros fundadores que mantuvieron sus carreras activas hasta la década de 2010), Hugh Hopper y Elton Dean continuaron activos, produciendo rock progresivo y jazz rock en dos etapas (primero entre 1978 y 1980 y luego entre 2002 y 2006, fecha en la que fallece Elton Dean) con el mismo espíritu, en bandas como Soft Works, Soft Mountain o Soft Machine Legacy, algunas de las cuales están en el catálogo de Moonjune Records. 

Abracadabra (2003)

Debemos resaltar que esta es una grabación histórica. En primer lugar, porque el 75% de los miembros del grupo han fallecido (Dean en 2006, Hopper en 2009 y Holdsworth en 2017) y no se les podrá volver a escuchar en directo y, en segundo lugar, porque es el único documento que queda de la gira de presentación del disco Abracadabra (Tone Center, 2003). La grabación corresponde al concierto del 11 de agosto de 2003 en el Namba Hatch de Osaka, remasterizado por el polivalente Mark Wingfield a partir de dos CDRs grabados sin ecualizar. El trabajo es soberbio porque el álbum se escucha con una calidad fantástica que permite apreciar las dinámicas y texturas de los instrumentos, el jazz sutil y brillante de estos cuatro monstruos, en estéreo y en un doble CD.

Este intenso concierto comienza con "Seven Formerly", un tema de casi trece minutos compuesto por Elton Dean donde el saxofonista lleva todo el peso del tema, improvisando e improvisando mientras la sección rítmica mantiene la tensión. Allan Holdsworth lo acompaña con la guitarra sintetizada. El solo de saxo (pausado, inspirado, yendo y volviendo al tema) se detiene dejando paso a la guitarra. Básicamente, Dean ha hecho un solo de 5 minutos. El resto del tema pertenece a Holdsworth. 

Marshall, Holdsworth, Hopper y Dean

Este espíritu de la sicodelia flota en todos los temas, que se extienden de una manera placentera por solos, riffs, improvisaciones... en temas especulativos pero calmados, místicos, como "Alphrazallan" o "Madame Vintage Suite", mientras que otras piezas como "Calyx" (que en el disco de estudio se llamó "K Licks") o el enorme "Elsewhere" destilan una energía inspirada y exenta de estridencias. "Elsewhere" está compuesta por Hopper sobre una base polirrrítmica e intensa. Los solos, consecutivos, de Dean y Holdsworth y luego Dean en este tema son quizás lo mejor del disco, con ese lacónico final in diminuendo del saxo.  El mejor solo de guitarra, sin duda, es el de "Fisrt Trane". Opinión personal. 

Esta cuidada edición de Abracadabra in Osaka no es solo un homenaje a una banda desaparecida sino también una puerta perfecta para entrar en la dimensión musical paralela que supone el periodo que va desde Soft Machine hasta Soft Works. Nada mejor para conocer a unos músicos que un disco en directo, con la honestidad artística que supone un directo. El doble CD incluye también un artículo de Chris Hoard sobre los orígenes del grupo y una entrevista de All About Jazz a Leonardo Pavkovic publicada en 2018 y donde cuenta cómo fue el germen de este concierto que, a su vez, fue el germen de su compañía discográfica. 

____________________________

* Más info: https://softmachine-moonjune.bandcamp.com/

ETNOFUSIÓN

VASKO ATANASOVSKI ADRABESA QUARTET, Phoenix 

(Moonjune Records, 2020)

Nos llega desde Eslovenia Phoenix, el disco de un potente cuarteto liderado por el saxofonista Vasko Atanasovski, que ha trabajado con músicos de jazz y world music de todo el mundo. Con una colección de temas propios, nos propone una estética valiente que lleva al folkore al campo de la improvisación y la experimentación, logrando texturas y atmósferas musicales que trascienden lo que entendemos por jazz rock o jazz fusión. 

Desde que comienza el disco, con el sonido del acordeón, el oyente sabe que está ante un disco de jazz mestizo, influenciado por los folklores balcánicos y mediterráneos, pero también por estructura de música clásica y de improvisación. 

Vasko Atanasovski es un saxofonista alto y soprano. También toca la flauta. En su haber, más de una docena de discos favorecidos por la crítica. Esto ha propiciado que haya tocado en numerosos escenarios de Europa y Asia, donde ha colaborado con otros músicos de jazz y world music. Personalmente, mantiene en activo varios proyectos y formaciones (Melem, Vasko3, Fire & Ice). Escuchando Phoenix, uno percibe enseguida su versatilidad como instrumentista y su gusto por que lo complejo suene fácil y placentero. Como compositor, crea atmósferas musicales llenas de texturas y colores, y muestra una visión amplia de los temas, con espacio para la creatividad de todos los músicos, con lo que el disco gana en calidad y profundidad.

Foto: Matjaz Vrecko

Adrabesa Quartet presenta una formación peculiar que mira, de alguna manera, a las raíces del jazz, cuando la tuba aún tenía el papel que ahora tiene el contrabajo, con violín y una variada percusión. Y todo esto con un cuarteto internacional que incluye, además del esloveno Atasanovski, otros tres músicos europeos. En el acordeón está el italiano Simone Zanchini, co-fundador del Adrabesa Quartet junto con Vasko en 2005 y ganador del premio Orpheus como Álbum del Año en 2016; en la tuba escuchamos al francés Michel Godard, (Kenny Wheeler, Ray Anderson, Michel Portal, Enrico Rava...). El cuarto miembro es Bodek Janke, encargado de la percusión y la tabla india, premiado en Alemania (Jazzpreis Baden-Württemberg y Preis der Deutschen Schallplattenkritik), por su trabajo en Westwind de Olivia Trummer y nombrado Mejor Solista del Año en el concurso Neuer Deutscher Jazzpreis de 2010. Al cuarteto se suma el chelista Ariel Vei Atanasovski, hijo de Vasko. Todos demuestran solvencia en sus instrumentos y su carácter internacional contribuye a que el sonido del proyecto suene como un crisol imposible de clasificar y que solo se puede calificar por el virtuosismo de sus músicos y la emoción que provocan. 

Phoenix es heredero de las muchas y variadas culturas que circundan el Mediterráneo, incluyendo el klezmer y las distintas estéticas del jazz que se han visto felizmente contaminadas por los folklores locales, desde la música árabe (tan cercana al flamenco) hasta las armonías balcánicas. Conmueven, especialmente, temas como "Liberation", que comienza con una clara influencia de la música clásica, pero que fluye hacia una catarsis donde la melodía se deconstruye y evoluciona, lentamente, con un dramatismo cinematográfico, hasta liberarse, llegando a una apoteosis rítmica y folkórica, festiva, en la que Vasko brilla con la flauta. Toda una experiencia que arrastra al oyente durante sus 11 minutos. 

Pero quizás el tema más excitante sea, desde el punto de vista jazzístico, "The Partisan Song", donde Zanchini saca todo el swing a su acordeón en el solo. Otros temas, dominados por la percusión como "Thornica" mezclan interesantes polirritmias que arrastran a todos los instrumentos. También es digno de mención el solo de tuba en "Balet".

Fresco, brillante por momentos, original, el sonido de Phoenix es tan evocador como fácil de escuchar. Nos recuerda que el jazz es una música versátil que acepta casi todos los mestizajes cuando se hacen con honestidad. 

___________________________

* Web oficial: www.vaskoatanasovski.com

MAGICAL MISTERY TOUR ACROSS JAZZ

DR J & THE SABAN JAZZ BAND, Beatles Forever (2020)

Ya hemos hablado en más de una ocasión de la música de The Beatles y la relación que los músicos de jazz tienen con ella. No es complicado. Cuando una melodía funciona, funciona más allá de estilos y etiquetas. Es por eso que los standards siguen funcionando y soportando los cambios por los que ha ido pasando el jazz a lo largo de las décadas. El jazz de Dr J & The Saban Jazz Band es un jazz fácil (no confundir con smooth), fácil de entender pero complejo en su ecleticismo. Sus armonías se adaptan al swing y a las baladas, a la bossa y al soul manteniendo la esencia de Lennon & McCartney y (lo que es más importante) sin perder un estilo personal que caracteriza a todo el álbum. 

Dr J es Pepe Sabán, un guitarrista cordobés afincado en Madrid. Dice su biografía que comenzó a estudiar las armonías de jazz en 1990, volviendo luego a sus raíces para profundizar en el flamenco, estilo sobre el que, motivado por la falta de bibliografía, escribió un libro de armonía (Bases armónicas de la guitarra flamenca, Editorial Trafford, 2008). También es un médico e investigador pionero en el abordaje endotelial, sobre lo que también ha publicado y, a propósito de lo cual, este disco espera recaudar fondos para crear el Saban Endothelial Institute. con el fin de continuar investigando en este campo.

Tiempos medios y buenos arreglos (sobre todo en vientos) sin estridencias acompañan estas versiones de los Beatles cantadas por las seis cuerdas con un estilo apasionado pero dulce, influenciado por Kenny Burrell, Barney Kessel, Charlie Christian..., con swing a veces y melódico otras, alternando técnicas en un estilo versátil pero siempre en la misma onda gratificante y fácil de entender. En algunos temas, cede esta voz cantante a la voz sinuosa voz de su hermana Nanda Sabán, que domina las baladas con la misma delicadeza que el scat. Está enorme en "Something", un tema a media voz con un acompañamiento perfecto de la guitarra (se nota que este tema lo compuso un guitarrista), que parece cantar en segundo plano, y un saxo que aparece, como en un dúo, en los momentos precisos. 

Les acompañan hasta 20 músicos en el disco. Tony Corral ejerce de solista en casi todos los temas al saxo alto o el soprano; el trombonista José Pardal como director de la sección de viento, donde podemos escuchar al saxofonista Lorenzo Azcona (solista en "Hey Jude") y al trompetista Panchito Trompeta; en la sección rítmica, los contrabajistas Héctor Rojo y Gerardo Ramos, el bajista eléctrico Óscar Morgado y el baterista Cristian Murguit; además de colaboraciones como los guitarristas Javier Monforte (que hace un solo en "The Long and Winding Road") y Padro Andrea (solista en "Don't Let Me Down"), el violinista Victor Ardelean, el trompetista Nacho Muñoz, Sam Andrea, que toca el mouth organ, y en los coros, Hora Ludens Choral Group, Geny Galo, Patricia de la Torre y Laura Encabo. En resumen, un despliegue enorme para un disco que abarca géneros y estéticas cambiantes con una única visión, la de un guitarrista experimentado y desconocido, que da forma y personalidad al conjunto. 

Para disfrute de aficionados al jazz tranquilo, fans de The Beatles o para atraer a mentes reacias al jazz.

_______________________

* Info: www.lacasadeldisco.es/d/dr-j-the-saban-jazz-band-cd-beatles-forever/

* Web: jazzandbossaguitar.com

HISTORIAS CORTAS

JAVIER ALCÁNTARA SHORT STORIES BAND, 

Ikigai (Youkali Music, 2019)

El guitarrista y compositor Javier Alcántara se ha ganado un lugar destacado en la escena del jazz crossover made in Spain. Tres años después de su celebrado Resilience, vuelve con una colección de temas que se funden unos con otros como en una suite, una obra compacta y conceptual con una intención clara: emocionar a través de la belleza. Especialista en temas de musicoterapia, la música de Javier Alcántara está llena de melodías vitalistas y estimulantes, de vida, de historias.

“La palabra japonesa Ikigai se compone de dos vocablos: iki (⽣生き), que se refiere a la vida, y kai (甲斐), «la realización de lo que uno espera y desea». Gai procede de la palabra kai “concha”, objetos marinos que en ese entonces eran profundamente valiosos. De allí se derivó ikigai como una palabra que significa valor en la vida. Ikigai es lo que nos permite desear que llegue el futuro, incluso si nos sentimos mal en el presente. Nos permite afrontar el futuro, sea el que sea e incluso partiendo desde un presente duro y demoledor. Las personas con las que tengo la suerte de trabajar día a día con la Musicoterapia, me dan una y mil razones por las que vivir, me enseñan que la suma de las pequeñas alegrías cotidianas resulta en una vida más plena…ell@s y sus historias de vida son mi IKIGAI.” (Javier Alcántara)

A caballo entre un smooth jazz y la fusión con el rock, sus composiciones resultarán demasiado poéticas para los amantes del jazz moderno pero lo cierto es que conectan con el oyente a través de sus largos discursos melódicos y de su original uso de la voz como instrumento sin palabras. 

Con títulos como "Mission", "Compassion", "Passion", "Communion", "Love"... el comprometido, animalista, hiperactivo, Javier Alcántara intenta que toda esta humanidad de sus acciones vitales muestre su lado amable y estimulante en sus composiciones, que suenan como canciones sin palabras, sustituidas por la "voz" de la armónica (Gonçalo Sousa) y por la voz de João David Almeida, que canta sin palabras. Esto aporta un color distintivo a la música de este guitarrista/compositor, consolidando un estilo personal con el que es el tercer disco con su Short Stories Band, formada por Pablo Romero (piano),  André Ferreira (contrabajo), André Mota, (batería) y los citados Gonçalo Sousa (armónica) y João David Almeida (improvisaciones vocales) y Pedro Cortejosa (saxo tenor) como invitado especial.

Equilibrio, momentos de sobriedad y grandiosidad, melodías que apetece tararear... No esperen solos espectaculares, pero hay solos, bien integrados en los temas como si estuvieran escritos. Tampoco es un disco para lucimiento del guitarrista como líder. Como compositor, Alcántara lo pone todo sobre el papel para construir un sonido colectivo, de solos participativos donde permite destacar al piano o al saxo invitado casi más que sus propios solos. Todo en el disco funciona con esta suavidad y esta fluidez inéditas en el jazz, al que se acerca y aleja por momentos sin perder la inspiración ni la intención, que, como hemos dicho, es contar historias sobre la vida.

_____________________________

* https://javieralcantara.com/ikigai

DISONANCIAS

CUARTETO FUERTE (Titanical Records, 2019)

Grabado en Sevilla por músicos radicados en Sevilla, este proyecto nace empujado por el bajista Juan Miguel Martín (Nat 'n Jazz Quartet, Malheur), con sus composiciones y con otros tres músicos de nivel y sólida experiencia en el jazz moderno: el guitarrista Álvaro Vieito (Boreas, Vieito-Delgado Dúo), el clarinetista Gustavo Domínguez (Proyecto Ocnos) y uno de mis bateristas favoritos, Nacho Megina. Jazz moderno, free jazz con influencias del cine y del rock, es una propuesta original que desborda cualquier expectativa... desde su carnívora portada hasta el último tema.

Todo ello arreglado para un original cuarteto liderado por ¡guitarra y clarinete bajo!, dos solistas cuya tímbrica se mezcla con el sonido del bajo eléctrico con resultados inesperados, experimentos que nos remiten, inexorablemente, a aquellos tiempos en que el jazz se libró por fin de los estereotipos y decidió ser cualquier cosa, como definió Miles Davis su tema de 45 minutos en el concierto de la Isla de Wight. Porque a pesar de su modernidad, de su sonido original (se pueden percibir influencias pero todo suena a algo nuevo), hay cierto sabor a aventura en los temas de Cuarteto Fuerte, ese sabor de los pioneros, el que percibíamos con la evolución de Max Roach hacia lo salvaje, o de Art Blakey, Sun Ra, Wayne Shorter, un regusto al jazz de los 70 con el sonido de unos estudios de 2019. 

Domínguez, Martín, Megina y Vieito

Imposible reseñar cada influencia que se puede escuchar en este disco. Desde pasajes de rock ("Sofocos" o la intro de "Hola, ¿qué tal estás?") mezclados con la libertad creativa, armonías de instrumentos reales que recuerdan a la música electrónica ("Spectrum"), y el lenguaje del clarinete bajo, que pensamos que podría sonar de conservatorio pero que, en cambio, aporta un toque estimulante (o introspectivo, como en "El trabajo"), incluso innovador, aportando su timbre en un paseo entre mundos, cercano a las travesuras de John Zorn.

Zorn es una de las influencias manifiestas del bajista y compositor, pero debo admitir que este cuarteto va mucho más allá del ansia rupturista de Zorn. Cuarteto Fuerte parece tener más una voluntad de construir que de destruir, una voluntad basada en lo atonal y las disonancias, es cierto, pero sus temas tienen sentido. ¿Free con sentido? Hay estructura, tema, coda... y cierta épica en algunos solos, lo que demuestra la intención de gustar, no de disgustar. Y ahí es donde creo que se diferencian de Zorn, a quien espero no nombrar más en este blog.

Tanta influencia (vertebrada hacia lo personal) convierte el disco de Cuarteto Fuerte en una especie de disco homenaje, una declaración de filias por parte del Juan Miguel Martín compositor, un disco de cultura musical.

______________________
* Más info: https://www.facebook.com/CuartetoFuerte/

ON THE OUTSIDE

MARCO BOI TRÍO, Outsider (Discos Redondos, 2018)

Proliferan los discos de contrabajistas y eso me gusta. El contrabajo es uno de los instrumentos que aportan más a la rítmica del jazz y, sin embargo, suelen pasar desapercibidos en muchas ocasiones salvo que, como aquí, los temas estén pensados desde el ritmo. Marco Boi es un sólido bajista que nos ha sorprendido con un disco lleno de inventiva y recursos, 5 temas a trío que se mueven en ese territorio outsider que va desde el jazz rock hasta el funk, un territorio fronterizo donde las líneas del mapa son sólo espejismos. Un viaje ecléctico que resume la frase de la portada: un viaje al Infierno y vuelta.

El disco se presenta en LP, algo cada vez más usual (de nuevo) y que el sello Discos Redondos felizmente promueve (el disco anterior de Marco Boi fue un 12" titulado Hymnosis). Outsider, por tanto, es su primer álbum como líder y, si el anterior trabajo era un quinteto, ahora este barcelonés del Taller de Músics se presenta con un trío de guitarra formado por un camaleónico Ignasi Cussó, que presenta la cara más cercana al rock progresivo (léase del mismo modo jazz rock), capaz de sonar rockero y distorsionado ("Friday the (Lucky) 13th"), experimental o incluso swingueante según el tema. Al mismo nivel, en la batería, escuchamos a Ramón Díaz, potente y efectista, con todo el peso de la sección rítmica sobre sus parches. Y todo ello es un plano amplio, con mucho espacio para los músicos.

La cara B del disco (¡qué bien suena volver a decir esto!) comienza con "Retox", un tema que viene a confirmar la filosofía del álbum: como compositor y como arreglista, Marco Boi es un ejemplo mestizo de cómo el jazz sortea las fronteras con naturalidad. Los temas, especulativos y cambiantes, pasan de lo abstracto a lo estándar (y vuelta) con una sencillez pasmosa. Como contrabajista, introduce toques funk dentro del rock ("Outsider", "Del revés"), inspirados solos de contrabajo que parecen hablar ("Retox"), atmósferas in crescendo, momentos intensos, líricos solos de arco ("El millor del mons")...; todo un abanico de recursos y un universo sonoro que estoy seguro de que valdrá la pena seguir explorando en próximos trabajos.

_____________________________
* Web oficial: discos-redondos.es

* Foto: Facebook.

UN CÍRCULO DE ENERGÍA

Arévalo Jazz Fusion Quintet, El círculo del Pájaro (2018)

Nueve años ha tardado el baterista uruguayo afincado en Galicia Carlos Arévalo en presentarnos un nuevo álbum como líder desde aquella enorme formación que era la Urugalega All Stars Band, una suerte de enorme jam session donde el jazz gallego se reunió en torno a la batería de Arévalo. Ahora recoge en este El círculo del Pájaro (ese es su apodo) seis temas intensos donde la percusión pero, sobre todo, la energía es la protagonista. 

Con una formación de viejos conocidos de la escena jazzística gallega (Leo Giannetto a la guitarra, Pablo Castaño al saxo alto, Ale Casquero en los teclados y Diego Pérez al bajo), Arévalo despliega una serie de composiciones que fusionan soul jazz, jazz rock, rock sinfónico, funky, armonías hindúes y algún guiño al folk gallego.

A diferencia de otras músicas y "músicas", la mayoría de los discos de jazz se graban "en directo", es decir, con todos los músicos tocando al mismo tiempo en el mismo espacio. Lo que suele ocurrir con menos frecuencia es que se haga con público presente. La grabación de El Círculo del Pájaro, realizada en los estudios Casa de Tolos con una treintena de personas en el público, es algo poco usual pero la presencia del público parece dotar de una energía distinta a la grabación, donde el soul es intenso y la sinergia del directo empuja a los músicos. Esta dificultad añadida quizás sea lo que da título de la introducción ("Overtura de Tolos-Toma 777"), un tema que comienza conteniendo la energía con una intro muy de rock sinfónico y que estalla con un estribillo muy soul, hardbop fusionado con la energía del jazz rock. 

Con la inteligente idea de dotar al público de auriculares para que reciban todas las pistas de la grabación, curiosamente (se aprecia en el vídeo, que está disponible en la plataforma Tolemias TV) los músicos también están dispuestos en círculo, algo que da nombre al álbum pero que también sirve para una mejor interplay. La comunicación es esencial en el jazz. Como decía Marsalis en uno de sus libros, el jazz es un arte que obliga a escuchar al otro. 

Detrás de su impresionante batería Eagle Joe Bass de color verde, Carlos Arévalo es un baterista todoterreno que ha tocado con grupos de jazz (Noroeste, Leo Giannetto's Jazz Project) y de rock (Cucharada, Karma, Laser) a lo largo de su dilatada carrera. Tiene una energía contagiosa cuando domina el ritmo, arrastra e incluso cuando contiene el tempo con maestría. Es un placer escuchar cómo maneja los platos con las baquetas con la misma delicadeza que si fueran escobillas. Su sentido del funk es ciertamente contagioso, pero también resulta muy interesante en blues poderosos como "Blues to Cool" (un tema que alterna conceptos modernos de jazz y la tradición del blues) o experimentos de fusión con músicas del mundo como "Takitithá", donde realiza una potentísima intro valiéndose de percusión hindú que, acompañada de la voz, resulta un concepto puramente jazzístico. El tema, funky y juguetón, incorpora armonías folklóricas de acento gallego en una fusión apoteósica con un Carlos Arévalo camaleónico y en la cresta de la ola. 

Mención aparte merecen los solos del álbum. El mejor tema del disco es, sin duda, "Caminantes", un tema con un groove tremendo donde los solos se suceden en un crescendo fabuloso, comenzando por el de Leo Giannetto, realmente intenso. Le sigue un solo frenético de Diego Pérez al bajo, una intervención llena de soul de Ale Casquero al órgano y un potente y último solo del polivalente Pablo Castaño.

Un disco intenso, sin post-producción, afirman, para disfrutar en directo, aunque sea vía streaming.

_____________________________

* Foto: Chema Ríos.

EL COMPLEJO RITMO DE LA TIERRA

XAVI REIJA, The Sound Of The Earth (Moonjune, 2018)

Continuando con su senda especulativa y personal, el baterista Xavi Reija indaga en su nuevo álbum, titulado The Sound Of The Earth, acerca de la Tierra como ser vivo e inspirador. Aunque conceptual, a primera escucha puede parecer un disco abstracto (o incluso "ambiental") pero el expresionismo de las percusiones y, sobre todo, de la guitarra, nos enfrentan a un hecho musical orgánico, latente, vivo, como la Tierra.

Con una libertad creativa a caballo entre lo electrónico y la fuerza del jazz rock, las nueve composiciones del álbum retratan un organismo enorme que respira con la fuerza del mar ("Deep Ocean"), el movimiento lento pero poderoso de la vida ("The Sound Of The Earth I", tema que Dan Burke, en las notas del disco, compara con proyectos electrónico ambientales de David Sylvian) o la conclusión de la suite, "The Sound Of The Earth IV", casi 17 minutos de rock progresivo que va desde la especulación dramática al lirismo y a una tensión que desemboca en una explosión rítmica. Son sólo algunos ejemplos.

Dusan Jevtovic, Markus Reuter, Tony Levin y Xavi Reija

Por momentos, nos vienen buenos recuerdos (salvando las diferencias y sin ánimo de comparar) de la época (digamos, principios de los 70, de la primera encarnación de la orquesta de "Mahavishnu" McLaughlin, Cobbham y compañía) y, en los temas más potentes, reminiscencias de ciertos experimentos de Weather Report, sobre todo por el uso que hacía Joe Zawinul de efectos de guitarra en sus teclados. Son referencias colaterales, quizás subconscientes, pero el significado conceptual del álbum, la fuerza de su fusión en algunos momentos y lo poético de sus temas más líricos me recuerdan esa época de descubrimiento del jazz rock. En el proyecto de Reija las guitarras suenan más viscerales, especialmente por la conjunción de dos guitarristas muy personales en el mismo estudio: por un lado, el alemán Markus Reuter, con su peculiar estilo de fretboard-tapping (hace años registró la marca Touch Guitar) y, por otro, el serbio Dusan Jevtovic, a quien ya habíamos escuchado con Reija en el proyecto XaDu en su álbum Random Abstract (Moonjune, 2016), disfrutando de su interplay rítmico, potente y expresivo. El cuarteto lo cierra el elemento que encaja a la perfección con la filosofía rítmica de Reija: Tony Levin, de quien ya hablamos un día acerca de otro proyecto más cool y más ortodoxo (The Levin Brothers), y que aquí toca todos los tipos de bajo, desde el contrabajo acústico hasta su ya habitual stick.

El tema que cierra el disco ("Take A Walk") sería un buen ejemplo del empleo rítmico del grupo, una buena excusa para definir el liderazgo del percusionista, pero es demasiado claro y evidente. Nos interesa más apreciar el conjunto por su gran complejidad armónica (siempre me fascina pensar en esto cuando el compositor es un percusionista) y rítmica. Reija es un motor fabuloso, complejo, capaz de abstracciones y de grooves igualmente efectivos. Baste oír el potente arranque del disco, con la percusión más dura apoyada en los platos en una dialéctica perfecta con las guitarras, o la manera en que mantiene la tensión en "Lovely Place" o la forma en que arranca "The Sound Of Earth II", con las escobillas y el contrabajo empujando al grupo...

_________________
* Web oficial: www.xavireija.es

* Moonjune Records: www.moonjune.com

FREE BEATLES

PHIL HAYNES & FREE COUNTRY, My Favourite Things 60/69 

(Corner Store Jazz, 2018)

Grabado los días 12 y 13 de diciembre de 2014, ve ahora la luz este trabajo del baterista Phil Haynes y su formación Free Country, con la que completa una trilogía que comenzó con un álbum de canciones anteriores a 1900, continuó con un disco de temas de los años '20 y concluye con este homenaje a los músicos  de los '60 que cambiaron la Historia del Rock. 60/69 es absoluta libertad a la hora de grabar y un jazz rock que enlaza con las raíces bluegrass de la Americana music.

Habituales en los escenarios pero inusuales como formación: violonchello, guitarra eléctrica, contrabajo y batería, Free Country es un cuarteto original que está formado, además de Haynes en la batería, por Hank Roberts (violonchelo y voces), Jim Yanda (guitarra) y Drew Gress (contrabajo). Roberts aporta su voz de barítono y el tono lacónico de su manera de interpretar los temas en los que canta.

Mitos del pop y del rock (The Beatles, Jimi Hendrix), del soul (Aretha Franklin, Marvin Gaye) o del jazz (tan dispares como el Louis Armstrong de "What A Wonderful World" y el Coltrane de A Love Supreme) son los autores originales de este repertorio que abarca un CD doble, una reinterpretación de la Historia dominada por la maestría y la versatilidad rítmica de Phil Haynes, capaz de crear múltiples colchones rítmicos en cada tema, un baterista tan versátil como Elvin Jones, experimentador incansable como DeJohnette, y siempre protagonista indiscutible del tema.

Bucknell Archive, 2010

La interacción entre los músicos y esa libertad a la hora de grabar derivan en creatividades como "California Dreaming", que se convierte en una pieza lenta, minimalista, muy free, con aires de América Profunda; "R.e.s.p.e.c.t." es un swingueante tema de soul un groove tenso y un solo de guitarra muy interesante a cargo de Yanda y otro brutal a cargo del cello; la voz de barítono de Roberts pone el tono distintivo a un "Hey Jude" lacónico, muy especulativo, donde el ruido es parte de la libertad (en las cuerdas, en la percusión...). 

A "Hey Jude" le sigue un "Sex Machine" más que cuestionable pero el disco doble tiene más mapas rítmicos que explorar y, cuando llega a Coltrane, el experimento cobra sentido. Incluso el poema recitado viste la piel del free, una oración a cappella que la batería enlaza directamente con un "Resolution" intenso, rítmicamente swing pero dramático, más intenso en el solo de cello que en el de guitarra, menos rudo y más clásico. "Resolution" termina con un solo de bajo que nos envía a "My Favourite Things"

Otro día hablaremos de otro de los proyectos de Haynes, No Fast Food, un trío de free jazz con el que también acaba de lanzar disco.

_________

* Web oficial: www.philhaynes.com

* Web discográfica: www.cornerstorejazz.com