El contrabajista Baldo Martínez, único entre los únicos de este país, continúa la senda que él mismo creó antes incluso de llegar a Projecto Miño o Folkore Imaginario (con Carlos Actis) para fusionar el sentir melódico del folk con la libertad sin límites del jazz contemporáneo. No habíamos escuchado nada más concluyente en este terreno hasta que apareció Baldo. Y esta Música imaginaria es la continuación lógica y sublime de este camino, un disco que se presentó el pasado 5 de julio en el Festival de Jazz de Vitoria con Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Juan Saiz (flauta, saxo tenor y soprano), Joao Barradas (acordeón), Andrés Coll (vibráfono y marimba) y Lucía Martínez (batería, objetos sonoros y voz).
A lo largo del repertorio de Música imaginaria asoman sonidos de Galicia como un leitmotiv juguetón que aparece y desaparece mientras el sexteto despliega ante nuestros oídos diferentes estéticas sin abandonar la vanguardia, un camino que encuentra por momentos la Gran Belleza en esos sonidos y estructuras libres, y para el oyente atento, esta Música imaginaria contiene momentos de una inspiración sublime. Baste poner, por ejemplo, "A través del muro", con ese groove del contrabajo llevando el tema mientras Saiz al tenor y Sánchez a la trompeta juegan al unísono como si fueran un grupo de hardbop (lo sugiere la estructura del tema también) pero destilando exquisiteces en la atonalidad. El solo de Saiz es brutal y justifica por sí solo su presencia (aunque es un habitual cuando Baldo toca a trío). Julián Sánchez no se queda atrás. No todo es especulación. El disco está lleno de puro espectáculo (jazzístico).
Foto: Elvira Megías
De todos los momentos de este repertorio imaginario, me quedaría con el solo de Baldo en "Gaia", lírico y casi cantable, evocador, tocado con esa sutileza en los dedos tan difícil en un instrumento como este. El tema también tiene un gran trabajo de Lucía Martínez (como en todo el álbum) buscando sonoridades cambiantes en la percusión (no hablamos exclusivamente de su solo). Es una delicia escucharla en cualquier entorno que la escuches. Juan Saiz, por su parte, tiene un solo en la flauta tremendo, intenso, veloz, virtuoso. Momentos así, de puro ritmo y ruido ("Todos fuera"), donde cada músico lleva al límite la tímbrica de su instrumento; momentos dulces y oníricos con las mazas de Andrés Coll y el acordeón de Joao Barradas; momentos líricos de Baldo con el arco en la mano... convierten este disco tan contemporáneo y rompedor en algo conmovedor.
La sensación final de la escucha del disco es la de que el ferrolano Baldo Martínez ha vuelto a conquistar con éxito terrenos inexplorados. El disco en su conjunto es un brainstorming brutal para cualquier aficionado al jazz, pero confiamos en cruzarnos con Baldo y sus músicos en algún festival para poder catar todo esto en directo.
El contrabajista Pedro Molina es un músico murciano afincado en Oporto, donde se licenció en la ESMAE. Con una percepción personal del jazz como caleidoscopio, mezcla los ritmos negros con el rock, el pop y el free en su disco À procura, grabado el 28 de agosto de 2023 en el Centro de Alto Rendimiento Artístico de Matosinhos (Portugal) como fruto de un proyecto escénico que lleva paseando desde 2022 por los festivales de Loulé, Murcia, Criajazz, Out Jazz, Seixal Jazz o Guimarães Jazz. El cuarteto, premiado en 2023 como ‘Mejor banda’ en el 3º Concurso Internacional de Jazz de la Universidad de Aveiro, está formado por músicos emergentes de la escena portuguesa: Miguel Meirinhos (piano), Filipe Dias (guitarra) y Gonçalo Ribeiro (batería).
Siete composiciones originales y muy personales donde Pedro Molina explora los caminos del jazz a partir de su propia percepción musical, guiándose por las direcciones que toman los temas con el interplay del cuarteto; composiciones que ha creado, como buen artista, de su observación del arte y del mundo, de los lugares y de las emociones,
Crea un lenguaje propio, mestizo, donde fusiona sus influencias con sus objetivos, y su música con la personalidad de sus músicos, que se perciben libres en las continuas improvisaciones colectivas, encontramos temas que van de la fusión sin etiquetas a la especulación más libre. En el primer tema ("Reflexiones tardías") ya nos anuncia que, aunque sobrepasando las fronteras, su intención es emocionar. Su delicioso solo al contrabajo, introspectivo, casi poético, que desemboca en un momento intenso con todo el cuarteto, es perfecto. Él lleva la introducción del siguiente tema ("F(...)F"), plagado de solos especulativos (piano, guitarra...).
Esta es la tónica del disco: la de un músico que ha encontrado su propia voz y, que, como compositor, consigue hacer brillar y poner en valor a un instrumento tan raramente protagonista como es el contrabajo. Además, sabe dar espacio a su cuarteto para improvisar y expresarse, tanto en los temas más rítmicos ("A salto de mata") como en los momentos más libres y disonantes ("Calma") o en los más líricos ("Não Há Nada a Fazer?").
Un disco recomendable y un músico que esperamos ver pronto en directo por España.
Marcos Pin no es solo uno de nuestros guitarristas favoritos sino también un compositor inquieto y nada complaciente que mira siempre más allá, disco a disco. Su versatilidad le permite publicar álbumes de puro hardbop (Broken Artist, de 2016), llenos de fusiones (The Door o You Waited For It, ambos de 2022) o líricos e intimistas como Óstraka(2019), inspirado en un poemario de Luis Valle... pasando por experimentos en discos a dúo, cuartetos con cuatro guitarras o formatos grandes (como los diez músicos de Factor E-Reset), donde sus partituras muestran un mensaje diferente. Esta exuberancia creativa le obliga a veces a firmar con seudónimo (suele ser Marcos Stilton en algunos discos). Pues bien, toda esta versatilidad se amalgama en su nuevo álbum a trío, A Week Ahead, en el que encontramos desde momentos líricos hasta experimentaciones de todo tipo (atonalidad, free, juegos de ritmos inusuales...).
Estas composiciones acompañan la historia de alguien que emprende la difícil tarea de sacar un trabajo creativo semanalmente, dice en las notas del álbum.
Estructurado conceptualmente siguiendo los días de la semana, el álbum comienza con una intro lacónica y e intimista de Marcos, que se apoya en una percusión sutil (Sergio González). Todo sugiere un discurso único pero el saxo (Pablo Castaño) irrumpe con su propio mensaje y el tema, minimalista, nos traslada a una atmósfera donde el diálogo entre los miembros del trío avanza con tensión contenida. La intervención final de la guitarra, improvisando en las notas más bajas es muy original, y nos devuelve al principio, dando sentido (circular) al tema.
Con un comienzo tan rompedor (incluso para el siempre inesperado Marcos Pin), el oyente se queda con hambre de saber de qué va el álbum, y se va encontrando con temas líricos, gozosas improvisaciones de sonoridades acústicas ("This New World"), juegos rítmicos donde guitarra y saxo se divierten al unísono (""We Wed Weed" o "Sat 02 32", donde Castaño aprovecha para salirse de los cánones derivando hacia el free más crudo, baladas de gran belleza como "Sunday's Here" con un Castaño delicado en las líneas melódicas o "A Whole Life", que es todo un solo de guitarra técnicamente perfecto, también baladas no exentas de aventura sonora ("She Left On Tuesday"), virtuosismo en solitario ("Jump On It", cargado de blues), libertad, filosofía cambiante, atmósferas desconcertantes con melodías sugeridas pero nunca concluidas... El final minimalista redondea al álbum volviendo al comienzo ("Redial").
Con un diálogo constante entre los tres instrumentos y solos complejos (especialmente en el saxo, que roba protagonismo a la guitarra en este disco), Marcos Pin rompe una vez más su propio molde y desarrolla en A Week Ahed una narrativa experimental que no le habíamos escuchado antes y donde consigue, pese a lo sorprendente, abarcar un espectro de sonoridades que transmiten emociones, en algunos momentos las emociones de un bebop cercano al free jazz pero emociones, que es de lo que el jazz, al fin y al cabo, se trata.
Los estudios Underpool, dirigidos por la mente inquieta de Sergi Felipe, se han convertido en un referente del jazz más moderno y valiente de la escena catalana y, por extensión, peninsular. Hoy vamos a escuchar dos discos recién llegados que tienen en común una cierta (y positiva) esquizofrenia, visiones duales que son ese jazz que mira al futuro sin perder de vista la tradición. Son Duality de Oscar Doménech y Biased Vision de Sergi Felipe.
SERGI FELIPE, Biased Vision (Underpoool, 2023)
Esta visión sesgada de Sergi Felipe se ampara en un trío sólido y unas composiciones (todas de Sergi) que arriesgan. El trío está formado por el saxofonista, por Masa Kamaguchi al contrabajo y por David Xirgu a la batería. Las composiciones desafían esquemas y se ordenan en torno a melodías destructuradas que el saxo narra a su propia manera, rota y poética a veces, apasionada y dura en otras. La base rítmica es quizás lo más contradictorio, con un Xirgu no siempre comprensible a primera escucha, rompiendo el ritmo, contradiciendo al oyente, a veces desesperante pero original.
Un ejemplo perfecto sería el tema que da título al álbum. Las líneas del saxo se extienden como el mensaje de un predicador, con dos oyentes muy atentos, el contrabajo fiel y la batería cambiante, inquieta. Hay temas más fluidos y orgánicos, como "Desesperacón Nórdica", con una intro delicada (muy nórdica, a cargo de Txema Riera, que colabora en este tema), su ritmo por momentos pop y la melodía cantabile del tenor. Ah, y ese solo de contrabajo de Kamaguchi... O temas meditativos, donde la especulación va por otro camino, como "Nunca como antes", donde colabora el trompetista Pol Padrós, que hace armonías con el saxofonista aportando nuevas sonoridades al grupo.
Foto: Moe Shanseddine
Estrenando trío después de la aventura con Whisper Songs, Sergi Felipe pretende mostrar su voz más natural, con diez composiciones que muestran un estilo propio, donde los fraseos del tenor cuentan más de lo que está escrito y donde la interacción entre los músicos es patente. Rompedor, original y en cierta manera subversivo, Biased Vision confirma a un músico avanzado para su tiempo. Creo que si Ornette Colmeman (salvando las distancias) levantara la cabeza, la sacudiría despacio, asintiendo, en un gesto aprobador.
La visión de Oscar Doménech como baterista barra compositor es mucho más energética. Nacido en Barcelona y formado en el Taller de Músics, ha tocado junto a músicos como Jordi Matas, Jorge Rossy, Ismael Dueñas, Jordi Careta, Marcel·lí Bayer... Su primer proyecto como líder es Duality, un álbum grabado en directo en el Teatre de l’Aurora, el 17 de junio de 2022 dentro del Estival de Jazz d’Igualada, dentro de su Carta Blanca.
Doménech debuta con un quinteto cambiante, donde le acompañan Pol Padrós a la trompeta; Sergi Sirvent, que toca el piano pero también la trompeta en una serie de temas (como en "Waltz for Ron", donde dobla a Padrós consiguiendo entre ambos un contrapunto rompedor); Jordi Mestres al contrabajo; y Jorge Abadías, que colabora tocando la guitarra en tres temas y el sitar en "Shivaranjani".
"Shivaranjani", un tema meditativo y bello que comienza con Abadías esbozando una melodía en las siete cuerdas y el piano contestándole breve, conciso, inspirador. La trompeta grita aportando un contraste a la bella melodía y recordándonos que estamos ante un disco de jazz. Esta es solo una de las singularidades del álbum, que comienza muy bop y se manifiesta después lleno de sonoridades inesperadas. Más allá del sitar y de que pasamos de un quinteto de piano y trompeta a quinteto con guitarra, a dúo guitarra/batería ("Principi"), trío, cuarteto... las composiciones exploran las tímbricas de los instrumentos en melodías sugestivas ("Senyor Duat"), ejercicios de inspiración ("Nueve notas"), momentos incalificables ("Antisolos"), estructuras más o menos clásicas ("Token")... En todas Domenech explora los límites del ritmo y de la batería de jazz sin importar estilos ni géneros, desvelándonos a un instrumentista versátil, sólido y capaz de liderar un quinteto desde el pulso rítmico.
Reencontrarse con la creatividad de Albert Cirera es algo que siempre se agradece. En este nuevo trío en el que participa (The Acrylic Rib) forma equipo con el contrabajista Olie Brice y el percusionista Nicolas Field, una formación clásica que intenta derrumbar los pocos estereotipos que quedan en pie del free jazz. Power trío donde los haya, su energía golpea al oyente desde el primer momento. Es su primer disco juntos pero ya han tocado en Ginebra, Barcelona, Portugal... para conseguir llegar al estudio de grabación en noviembre de 2021 (en el estudio AMR de Ginebra) y conseguir que su trabajo vea la luz, por fin, esta primavera en el sello Fundacja Słuchaj!
Rociado el escenario con gasolina, solo es preciso que uno de los tres encienda el sonido para que todo salte por los aires. Ese momento fugaz, que apenas dura lo que tarda en emitirse una nota en el saxo, en poner a vibrar una cuerda del contrabajo, en golpear un parche de la batería, se extiende durante una hora de reloj. No se equivoquen, todo lo que parece discurrir durante ese tiempo está en realidad contenido en un solo instante. Es un big bang de energía musical que se expande pero que, en origen, es solo eso: una explosión, un resplandor fugaz, un átomo que contiene todas las posibilidades.
Así comienzan las notas del álbum (el texto es de Carlos Pérez Cruz, de Club de Jazz), dejando clara la filosofía del trío. Y entonces suena, contundente, el primer tema, como una revolución violenta (todas las revoluciones son violentas y casi todas tienen líderes cómodamente sentados en despachos, pero estos tres son guerrilleros) en la que todo explota. Su título es casi punk ("A Zipper Hidden in the Arm") y uno siente que puede pasar cualquier cosa.
El segundo y último tema (sí, solo hay dos temas pero de media hora cada uno) tiene un título más divertido y sarcástico ("By The Time You Finish Reading This It Will Be Over"). Ambos cortes están estructurados como suites (suites improvisadas pero con el mismo efecto dramático) en las que los tres músicos emprenden una aventura que se convierte en carrera (virtuosismo, contundencia, vértigo) o en tregua (lírica atonal, paz en la disonancia, especulación, búsqueda), invitando al aficionado a un viaje tan poco usual como gratificante. Eso sí, absténganse puristas.
Si bien siempre ensalzamos el trío como la forma perfecta de interplay en jazz, hay un formato mucho más excitante y, a la vez, más complicado incluso que grabar en solitario. Nos referimos al dúo. En un dúo el diálogo es constante y obligado, no hay manera de eludir la respuesta al otro, la obligación de respaldar sus solos, la responsabilidad... La semana pasada hablábamos del fabuloso dúo entre Fred Hersch y Esperanza Spalding, pero un dúo piano/voz es algo habitual y hoy vamos más allá con tres dúos insólitos y tan diferentes que sorprenderán a todo aficionado al buen jazz.
JON PIRIS & IÑAR SASTRE, Pasieran (Errabal Jazz, 2022)
En este disco hay momentos de una belleza absoluta, elevada al nivel de equilibrismo lírico por la razón de que son un contrabajista y un pianista los encargados de confeccionar las imágenes sonoras; dos instrumentos de ritmo, uno de ellos armónico y el otro no. Los equilibristas son Jon Piris al contrabajo e Iñar Sastre al piano, dos músicos de la escena vasca a los que hemos escuchado en distintas formaciones y que aquí crean su propio mundo, aparentemente simple pero complejo en la ejecución y en el resultado.
No es un disco fácil ni homogéneo. Es un paseo (como sugiere el título) por influencias y también por zonas sin explorar donde ambos músicos buscan expresarse con libertad pero respetando al compañero, un diálogo constante que aporta momentos muy brillantes (el tema más brillante, quizás por su paz y su elocuencia es "Arimarena", con algunos momentos sutiles de llamada y respuesta que piden una nueva escucha, y otra...) y otros donde asumen riesgos sin perder la musicalidad.
Como en todo paseo, surgen paisajes inesperados. En "Paris-Donostia" suenan momentos de inspiración barroca (Sastre también ha publicado música clásica), complejos y excitantes en su contraste, mientras que en "M-Ren Eskua" oímos una pieza mucho más libre, minimalista, con algún guiño al rock progresivo, pero que no deja de ser un experimento, sonidos espculativos y sugerentes. Hablando de contrastes, es muy interesante el uso de melodías rotas, impresionistas, casi atonales por parte del piano en "Pasieran II" mientras que el contrabajo marca un ritmo más purista.
En resumen, Pasieran es un disco complejo a cargo de dos músicos que pasean sin prisas, con una sensibilidad enorme, por los senderos del jazz moderno y asumen el riesgo de la improvisación contemporánea en busca de bellezas aún no exploradas. Para escuchar una y otra vez.
Otro caleidoscopio también lleno de influencias pero en un camino más cercano al riesgo (sin abandonar el sentido de la melodía) es el que toma el dúo formado por el pianista alemán Christian Pabst y el saxofonista y clarinetista checo Luboš Soukup, dos músicos que se conocieron en 2011 en un conservatorio de Copenhague, que han desarrollado carreras muy diferentes, que coincidieron en el ensemble de Lionel Louke, y que en abril de 2022, tras una década tocando juntos y separados, se metieron en el estudio HAMU de Praga para desarrollar este ejercicio musical íntimo donde unen sus dos modos diferentes de sentir la música improvisando uno en torno al otro.
Durante todo el álbum, la sinergia entre ambos músicos es audible y el extraño formato piano/saxofón destila musicalidad en cada tema. Desde la obertura del disco, un tema esencialmente rítmico titulado "Barcelona", el dúo va improvisando y desarrollando un repertorio que oscila entre referencias jazzísticas, de la música clásica o del folk europeo, melodías preciosistas como "Snow", también temas agresivamente rompedores ("The Red Sea"), de expresividad minimalista ("The House Above the Trees")...
No es fácil construir un universo sonoro como el que construyen Soukup y Pabst, sin sección rítmica y siempre buscando el límite al que pueden acceder dos instrumentos tan distintos en su diálogo sin perder la sintonía ni la lógica musical. No es fácil pero en Levistas parecen haberlo conseguido.
Quizás el dúo más insólito de esta selección sea el formado por el trompetista Natsuki Tamura y el percusionista Ittetsu Takemura (ambos miembros del Tokyo Trio de Satoko Fuji, de quien Tamura es marido). Su propuesta de free jazz basada en las composiciones de Tamura es Lightning, un álbum con solo dos temas. El primero, titulado "Ikazuchi" (relámpago, en japonés) es una suite de 29 minutos donde el trompetista transita por espacios sonoros llenos de soledad, desamparo y rebeldía a merced de los ritmos creados por la batería. El trompetista, dueño de una expresividad rara en el free, evoca sensaciones en casi todos los pasajes. El segundo de los temas, más breve, se titula "Kaminari" (trueno). Es un tema más ágil, rítmico en el sentido festivo y popular, donde la trompeta toma el protagonismo absoluto, ejecutando fraseos más vertiginosos y tan agresivos como la percusión.
Foto de Bryan Murray
Un disco insólito, como decía más arriba, que vale la pena escuchar por su originalidad, por la frescura con que acometen este viaje exploratorio y singular, y por conocer de primera mano a estos dos músicos japoneses y su interplay lleno de energía y entusiasmo. Es la primera vez que ambos tocaban como dúo y el propio Tamura afirma que dio al percusionista las composiciones en el club de jazz el mismo día de la grabación; aún así, el disco está lleno de ideas y momentos espectaculares, lo que hace de estos temas un viaje inesperado y divertido, tanto para los músicos, como afirma Tamura, como para el oyente.
Cuando algunos músicos como Herbie Hancock comenzaron a experimentar con la electrónica en los años 70, algunos todavía estaban intentando asimilar el free jazz. En la época actual, donde todas las estéticas coexisten en difícil armonía o en peligrosas simbiosis, escuchamos el tercer álbum de Kapelle17, un grupo de la escena emergente alemana que conjuga bien electrónica, ambient y free jazz. Desde su debut en 2018 con Music For Young Business People, han seguido la senda arriesgada de fusionar todo lo que llegaba a sus oídos. Influenciados por las vanguardias de los 60, por la música de la New Wave e incluso por el hip-hop, sus composiciones son el fruto de improvisaciones colectivas.
Kapelle17 son Benedikt Jäckle (saxofón, flauta y clarinete bajo), a quien ya escuchamos en otro grupo de fusión, también muy original, como es Neobiont; Johannes Mann (guitarra eléctrica y acústica); Paul Janoschka (piano acústico y eléctrico) y una sección rítmica formada por Jakob Obleser al bajo y Jonas Kaltenbach a la batería, ambos componentes también del citado Neobiont.
Con distintos momentos solistas a cargo de la guitarra ("Siblings"), del piano ("Metamorphosis") o del saxo en la mayoría de los temas, la estética va cambiando según el solista. Así, encontramos temas más especulativos como "Ma Beleza I", donde ritmos rotos y aparentemente inconexos sostienen el discurso errático del saxo, que frasea con libertad y una expresividad llena de un rara belleza; temas donde el piano parece detener el tema con su solo ("Metamorphosis"); o temas donde los sintetizadores procesan sonidos tan retros que recuerdan a aquellos primeros que usaba, por ejemplo, Herbie Hancock ("SKB"). Texturas, ambientes y expresividad parecen ser la base de su música.
Un disco recomendable por su sonido diferente y porque no suena absolutamente a nada conocido, si bien su espíritu nos trae el recuerdo de una época donde la vanguardia significaba algo (y no solo ruido). Porque las ganas de hacer cosas nuevas siempre han estado en el jazz. Como dice el título del álbum, las nubes siempre están donde están (Die Wolken sind da, wo sie immer sind).
Les dejo con este vídeo de "Abacaxi" que reúne en 6 minutos la estética ochentera con la audacia de las vanguardias de los 60 y el trabajo creativo conjunto de estos cinco músicos alemanes cuya juventud les concede la valentía para caminar en tierra de nadie.
Ya hemos hablado aquí en otras ocasiones de Juan Sáiz a propósito de otras formaciones en las que ha participado, siempre muy bien acompañado (Dr. Bobô, Baldo Martínez/Juan Saiz/Lucía Martínez, Juan Saiz Trío) y siempre a propósito del riesgo de aventurarse, con un instrumento tan frágil como la flauta, en terrenos peligrosos que van del free a las fusiones cercanas al rock o a las melodías tradicionales. En esta ocasión, con motivo del lanzamiento de la segunda parte de Pindio (Leo Records, 2016), repasamos el ideario de Juan Saiz, que vuelve acompañado por Marco Mezquida al piano, Manel Fortià al contrabajo y Genís Bagés a la batería.
Para quien no haya tenido la suerte de escucharlo aún, diremos que Juan Saiz, que toca aquí flauta y saxofón, es un músico formado en el conservatorio de Santander y que se especializó en jazz en la ESMUC y en el Klask Koninklig Conservatorium de Gante (Bélgica). Hasta hoy, ha grabado siete discos como líder o co-líder, amén de una amplia lista de grabaciones como acompañante en discos de jazz, flamenco, folk, música clásica e improvisación libre.
En Pindio II y siguiendo con su estilo personal, Saiz pone sobre la mesa una serie de composiciones originales que abren ante nuestros oídos muy diferentes paisajes sonoros, desde momentos de frenesí ("Index Librorum Prohibitorum") hasta desconcertantes atmósferas oníricas ("Dogma I", "Dogma II").. En todos hay espacio para la improvisación colectiva y la expresión de cada uno de los solistas, capaces de pasar de una lírica cercana a la música clásica ("Aurora") a temas agresivos que rozan lo atonal, como "El grito", un tema con solos rabiosos de Saiz y una rítmica agónica, urgente, cercana al rock, que adquiere un aire onírico con los fraseos de piano de Mezquida.
Audacia, violencia, desorden e inconformismo son las líneas que sigue Juan Saiz para sorprender a los curiosos y golpear a los aficionados bien pensantes. Es un camino cuesta arriba (como expresa el título en un vocablo muy cántabro) en el que, sin embargo, estos cuatro músicos parecen sentirse cómodos.
Una breve reseña para repasar los últimos discos que estamos escuchando en lo que se refiere a free made in Spain. Cuatro grupos muy distintos, de diferentes puntos de la península, desde Galicia hasta Barcelona pasando por Sevilla, discos muy distintos y con filosofías que van del free a lo simplemente atonal, la improvisación libre y otras estéticas imposibles de etiquetar.
ORQUESTRA GALEGA DE LIBERACION, Na Loita (2021)
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación, el proyecto creado por Xacobe Martínez Antelo, se basa en la composición improvisada. Temas no escritos que se van creando en directo sin directrices ni pactos por adelantado. Su nuevo álbum, Na Loita (que se podría traducir como "en la lucha") fue grabado e improvisado en el Festival Jazz de Ría 2021. El resultado, obviamente, es muy distinto al de su primer disco, a pesar de contar con los mismos músicos en escena. En este nuevo disco resultan muy interesantes especialmente los experimentos ritmicos capitaneados por los percusionistas (Max Gómez y LAR Legido) o cuando el ritmo lo llevan instrumentos de viento, cuando utilizan los aplausos del público como parte del tema o el uso de las voces como si fueran instrumentos.
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación no parece ser la improvisación libre sino la exploración. Pero no una exploración sobre nuevos territorio sino una exploración introspectiva, dentro de los márgenes de la orquesta, donde cada músico busca los límites de su instrumento al tiempo que reacciona en tiempo real al lenguaje que están usando sus compañeros. Todo un desafío.
Como en el primer álbum, los músicos son: Xacobe Martínez Antelo (contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).
Este trío está radicado entre Madrid, donde toca y enseña el saxofonista alto Ricardo Tejero (Eddie Prévost, Dominic Lash, London Improvisers Orchestra) y Sevilla, donde el contrabajista Marco Serrato y el batería Borja Díaz colaboran en proyectos como Hidden Forces Trio o Proyecto Ocnos. Sputnik Trio leva funcionando desde 2013, Aparte de sus actividades individuales, Sputnik Trio es "un lugar temporalmente autónomo donde se encuentran de tanto en tanto". Son palabras extraídas de la carpeta del álbum y firmadas nada más y nada menos que por Phil Freeman, autor de Ugly Beauty: Jazz in the 21st Century, libro donde analiza el sentido y el camino del jazz actual.
Time Hunt es el cuarto álbum del grupo, un paso adelante donde consolidan su filosofía de jugar sin límites (aquí los ritmos son siempre exploratorios y los sonidos no se detienen en los esperado) y, sin embargo, resulta su disco más accesible de todos los que han grabado hasta la fecha. Sin hacer concesiones, es fácil de escuchar (incluso para los haters del free jazz, podría asegurar). Quizás porque los temas tienen un groove adictivo o porque, dentro de su filosofía free, se centran en hacer música y renuncian al ruido.
Dentro de la libertad deseada, los fraseos de Tejero y los ritmos de Serrato y Díaz arrastran (o sugieren) a menudo esquemas que laten en lo más profundo de la memoria colectiva, esquemas (a veces) difíciles de identificar pero que conectan de alguna manera esotérica y feliz con lo que espera el aficionado al jazz y, sin embargo, sorprende.
RICARDO TEJERO, COLIN WEBSTER, MARCO SERRATO, BORJA DÍAZ, Matadero (Sentencia Records, 2021)
Seguimos hablando de Ricardo Tejero, Marco Serrato y Borja Díaz. Matadero es el segundo álbum en el que los miembros de Sputnik Trio colaboran con el saxofonista británico Colin Webster, tras Spain is the Place (Raw Tonk Records, 2016), formando un cuarteto donde pueden jugar con otras reglas, lo que hace este proyecto muy interesante. En primer lugar, porque es un cuarteto con dos saxofones altos; en segundo, porque aquí existen menos reglas aún: la abstracción y el caos son el punto de partida.
El disco contiene solo dos temas, dos largas improvisaciones tituladas "Matadero" y "Azkoitia", de 20 y 16 minutos cada una. Los títulos vienen de que el álbum fue grabado en directo, potenciando así la crudeza del sonido, en el matadero de Azkoitia (Guipúzcoa) el 2 de junio de 2016.
Publicado en diciembre pasado por Sentencia Records, nos deja una interesante colección de sonidos y exploraciones que van de la introspección a la descarga de energía. Con referencias a la música industrial, pasajes que suenan casi cinematográficos por su dramatismo y expresividad (nadie se atrevería a dejar que sonara algo así en una película) y con una evidente libertad pactada para generar desorden y reconstruir el interplay. Con todo su caos y violencia sonora, Matadero nos deja más de una cuestión en el aire. ¿Hay realmente límites en el sonido de un instrumento? ¿Se han explorado ya todos los límites de la expresión en la música?
Es la primera vez que escuchamos a la pianista Clara Lai y su disco nos ha sorprendido y nos ha convencido. Creciente, en cuarteto con el trompetista Iván González, Albert Cirera al saxo y la percusión de Joan Moll, es un ejercicio de búsqueda de nuevos lenguajes que no deja indiferente al oyente. Fue grabado en directo el 19 de junio de 2021 durante el Estival de Jazz de Igualada, dentro de su apartado Carta Blanca, que, como indica su nombre, ofrece total libertad creativa a los músicos. Todo un lujo.
A lo largo de todo el álbum (en temas nombrados como las fases lunares), los músicos van explorando tímbricas imposibles en sus instrumentos, casi olvidando su condición de instrumento, como en la introducción del disco, donde rozan el concepto de música concreta, o descontextualizando los sonidos naturales de cada uno de ellos para conseguir efectos innovadores que podrían llamarse "un nuevo lenguaje". Lo cierto es que el resultado es tan original como prácticamente irrepetible, una mezcla de composición e improvisación totalmente ausente de inhibiciones que dice buscar la expresión de sentimientos y que, dentro del universo abstracto que se crea en nuestros oídos, deja entrever paisajes insospechados.
Muy interesante de escuchar. Con momentos hipnóticos.
WADADA LEO SMITH, A Love Sonnet For Billie Holiday GREAT LAKES QUARTET, The Chicago Symphonies
(TUM Records, 2021)
Durante seis décadas, Wadada Leo Smith ha sido un innovador en la trompeta y en el concepto del free jazz, donde todo parecía explorado a finales de los 60. A punto de cumplir los 80 años, una edad a la que pocos trompetistas llegan por las exigencias propias del instrumento, que requiere una fuerza pulmonar mayor que otros instrumentos de viento, Wadada publicó en noviembre dos nuevos álbumes en el sello TUM Records A Love Sonnet for Billie Holiday (a trío con Vijay Iyer y Jack DeJohnette) y The Chicago Symphonies (una monumental obra en 4CDs con su Great Lakes Quartet). Esto, sumado a los dos discos múltiples que publicó en mayo, y que ya reseñamos, hace un total de 6 álbumes con 22 CDs en total. Pero, como si esto no fuera suficiente para convertir 2021 en una gran celebración de su octogésimo cumpleaños, ha grabado un concierto muy personal como regalo para sus fans.
En el concierto, disponible en su página web y que pueden ver más abajo, encontramos a un Wadada pletórico y en una madurez suprema. Lo acompañan el baterista Pheeroan akLaff, Erika Dohi al piano y Lamar Smith a la guitarra. El vídeo comienza con imágenes de 1971, donde vemos a un joven Wadada mientras suena "Creative Music - 1", tema que aparecía en su álbum de debut, que llevaba el mismo título. En mitad del concierto también podemos ver/escuchar una especie de intermezzo a modo de homenaje en el que la pianista y compositora Sylvie Courvoisier ofrece una pieza que traslada la filosofía creativa de Wadada a las 88 teclas (y a otros elementos el piano). El concierto, grabado en el estudio Firehouse 12 de New Haven el 4 de diciembre de 2021, muestra a un Wadada Leo Smith en su propia cumbre, la de una cima que él mismo ha creado con su estilo y filosofía personales, comprometido solo con su propia música, siempre, sin límites de estilo, estética o modas. Para disfrutar.
Cuando escuchamos por primera vez a Cuarteto Fuerte (en 2019 con su álbum homónimo) tuvimos la sensación de que estábamos ante el eslabón perdido entre el jazz clásico y el free. Ese eslabón, que muchos fijarían en Ornette Coleman, contenía elementos procedentes de la tradición y una filosofía destructora de cánones. Cuando el bajista Juan Miguel Martín formó este combo en 2017 buscaba, sin duda, una investigación creativa en torno a ese momento del jazz. En este nuevo álbum, van más allá con un sonido más complejo y, a la vez, más accesible.
El cuarteto ha cambiado desde el primer disco, donde escuchábamos una formación insólita (cuarteto con guitarra y clarinete bajo), en este segundo álbum, además del bajista y compositor de los temas (Juan Miguel Martín) el cuarteto está formado por dos saxos (Javier Ortí al tenor y Bernardo Parrilla al alto) y Fernando Caro a la batería, todos andaluces y músicos de contrastada experiencia (Andalucía Big Band, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla...). El resultado es un sonido más contundente, reafirmando esa teoría del eslabón perdido. Momentos donde sobre una base rítmica aparentemente clásica suenan los dos saxos en "perfecta" disonancia confirman esta sensación, reforzada por todas las influencias de antes y después de la eclosión del free que se pueden percibir en el disco.
Grabado en directo en estudio, capta esta esencia a veces con un sonido brillante y otras con crudeza, mirando adelante y atrás, en esquemas que en momentos recuerdan a Ornette y en otros, más rompedores, a John Zorn. Para conseguir este sonido cercano al de un concierto sin amplificar, los temas se grabaron con micrófonos de ambiente en la sede de Assejazz (Asociación Sevillana de Jazz). Fue mezclado por Manuel González (Artisónica) y masterizado por Trevor Coleman.
Desde "Excrecencia de la evidencia" hasta "Il Giardino delle Delizie" (Ennio Morricone) que cierra el disco, cabe mucha creatividad y ninguna desentona. Ellos mismos definen los temas como free jazz, latin jazz disonante o psicodelia soul. Lo cierto es que uno encuentra en la escucha un sonido coherente a lo largo de los temas, sea cual sea la inspiración, lo que convierte a Cuarteto Fuerte en un combo de free evolucionado que apetece escuchar y al que deseamos continuidad.
What the Hate es el tercer trabajo de un trío de free jazz formado por el saxofonista alto Ricardo Tejero,el contrabajista Marco Serrato y el batería Borja Díaz. Llevan tocando juntos desde 2013, algo poco habitual en el panorama inestable del jazz. Su filosofía es la ruptura. Dinamitar las pocas reglas que quedan en pie en el universo del free es ir muy lejos, pero este trío lleva al límite sus instrumentos en busca de sonidos inexplorados. La portada ha sido diseñada por Colin Webster, saxofonista inglés con quien el trío colaboró en Spain Is The Place, (Raw Tonk, 2016). Detrás de este intrigante diseño artístico, se esconde un disco inquietante que merece una escucha.
Con "What the Hate", el tema que abre el disco, uno siente una conexión entre la disonancia y la memoria. Hay notas sueltas, rotas, otras obviadas, pero la mente nos lleva en los primeros compases a las second lines de Nueva Orleans. ¿Disparate? Es free... Pero hay una conexión, una melodía antigua, quizás en algún disco olvidado de mi discoteca que conecta con esas notas sueltas que Tejero, con su alto, pincela en el aire al modo de los impresionistas para después llevarnos al caos (aparente), a la arritmia, al desafío. Algo parecido ocurre también con "A Call For Eric".
Tres músicos buscando voces nuevas en instrumentos clásicos, texturas extrañas y profundas que despiertan sensaciones, asaltando, deconstruyendo esquemas. Así, en general, suena el disco de Sputnik Trio, entre referencias veladas y ganas de empujar hacia delante, de colocar su jazz en un terreno donde nadie haya improvisado antes. Los ritmos son una de las bazas más interesantes del álbum. Marco Serrato y Borja Díaz parecen entenderse perfectamente en un lenguaje inventado por ellos mismos. No había sentido algo parecido desde el Niketchrin de Marcel·lí Bayer. Poco más se puede decir con palabras para explicar el universo improvisado de Sputnik Trío.
Desde el tema inicial, llamado como el álbum, hasta el enorme "Time Hunters" con sus 15 minutos de disonancias especulativas, que cierra el disco, disfrutamos de un grupo sin complejos, un trío de músicos que no solo exploran sino que comprenden y sacan partido a cada hallazgo sonoro. No sé si es una nueva frontera pero puede que sí un paso más en el jazz.
La primera vez que se usó el término postmodernismo fue en arquitectura. Hoy todo evoluciona arrollando a la propia evolución y necesitamos términos como post para todo. Hablando de jazz, ¿cómo definir la modernidad o, aún más complicado, la post-modernidad? La esencia del jazz es la modernidad, la continua evolución. Sí, es cierto, hubo rupturas importantes con el pasado (el bebop, el free, la electrificación del jazz...) pero ya todo parece tan mezclado (la promiscuidad, en palabras de Chema García Martínez) en tanto que conviven en el panorama jazzístico estéticas dispares y movimientos que avanzan tanto hacia atrás como hacia delante. ¿Cómo identificamos, entonces, lo moderno? Y la peor pregunta: ¿hacia dónde avanza el jazz hoy día?
I.
En el denso The Essential Jazz Records Volume 2: Modernism to Postmodernism, de Max Harrison, Charles Fox, Eric Thacker y Stuart Nicholson, se definen algunas líneas del postmodernismo en el jazz a partir de conceptos de Nietzsche (el caos de la vida moderna y su intratabilidad ante el pensamiento moderno), incidiendo en este capítulo en el collage como modo de superponer distintos mundos (y cultura, añadimos) en diversos ámbitos artísticos mientas que...
...en el jazz el músico de jazz postmoderno expropió y transformó prácticas, fragmentos y "significantes" de diferentes, a veces ajenas, músicas y culturas, y las realojó dentro de su propio expresionismo. En particular, el postmodernismo no intenta legitimarse en referencia al pasado, una de las características del revival del bebop en los 80 y los 90.
En otro párrafo, podemos leer:
En contraste, la propuesta postmodernista era que el modelo esencialmente teleológico de evolución coherente había pasado a ser una variedad de contribuyentes individuales que se negaban a congregarse alrededor de la seguridad de los cánones establecidos y que, en cambio, creaban e interpretaban sus propias, a menudo altamente individualistas, interpretaciones del jazz, inspirándose en una variedad de fuentes que a menudo estaban más allá de la música. Fue con este feroz acercamiento de tan variadas referencias, declaraciones de la Era de la Información tomadas de culturas extrañas y descontextualizadas por yuxtaposición, como crearon "Lo Nuevo".
II.
En concepto viene corroborado en algunos de sus matices en un artículo titulado "El jazz en 2010. Informe de situación" incluido en el libro In-fusiones de jazz (2010, Arte/facto, Sevilla) del siempre analítico Chema García Martínez:
El jazz de la posmodernidad obra a partir de materiales de segunda mano combinados entre sí para producir un espejismo de novedad. La era de los "ismos", también en el jazz, es cosa del pasado. El músico de jazz de 2010 ha renunciado a pensar en futuro.
Y luego añade:
El jazz del siglo XXI es una música sin ideologías ni líderes. Una manifestación artística atomizada perfectamente inocua y absolutamente alejada del espíritu promiscuo que definió las décadas precedentes.
Conclusión fuera de tono. El free jazz o jazz atonal o jazz post-post-moderno (a muchos se les atraganta aquello que no tenga etiqueta) es muchas veces como ver a los jugadores del Real Madrid y del Barça jugando al fútbol playa. No hay velocidad ni grandes regates ni pases precisos ni una visión coherente de grupo ni armonías ni... pero, en el fondo, sabes que es jazz.
La pintura de más arriba es White Light (1954) y pertenece a Jackson Pollock, pintor libre y siempre más allá del modernismo que, sin embargo, pintaba oyendo jazz clásico, solía declarar, razón por la cual el MoMA publicó en 1999 una recopilación con su nombre y los temas que solía escuchar:
Poner a este disco la etiqueta de free jazz es quedarse corto. La Orquestra Galega de Liberación es un combo de gran formato creado por el siempre inquieto Xacobe Martínez Antelo no sabemos si para este concierto grabado en Santiago de Compostela o con algún afán de continuidad. Lo que sí es cierto es que la grabación es irrepetible, 10 temazos grabados en directo, basados en la improvisación y, como dice la contraportada del disco, compuesto a tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigidas, asegurando que no había nada pactado de antemano ni aprendido ni compuesto; en resumen, la esencia de la improvisación en el jazz, con músicos que solo cuentan con su inventiva, su experiencia y sus oídos para conectar con el resto.
Frente a un disco así, uno se pregunta: ¿Queda espacio para las vanguardias en el panorama actual? ¿Qué vanguardias caben tras las vanguardias? Lo cierto es que el concepto de rupturismo estético necesita un statu quo que romper. En otras artes como la pintura o la escultura prácticamente se ha roto con todo pero en el jazz, la revolución constante es la base fundamental que lo mantiene vivo. En este sentido, basta comenzar a escuchar conciertos/discos como éste para percibir por qué el jazz es excitante.
Dentro de todo este esquema de no-temas, el disco contiene 10 cortes llenos de momentos. Paisajes sonoros inusitados, inquietantes, excitantes, desconcertantes, todo un despligue de recursos que van de lo atonal a lo simplemente rítmico, que exploran las tímbricas de una orquesta tan dispar, con combo de jazz más cuerda más voces... Un desafío que pone de manifiesto la conexión entre los distintos artistas. Nada de lo que hayan escuchado antes se parece a esto y, sin embargo, tiene una conexión latente con mucho del jazz que se ha hecho en los últimos 50 años, de los setenta para acá. Con ese mismo espíritu, Xacobe Martínez Antelo ha bautizado el ensemble como Orquestra Galega de Liberación, inspirándose quizás en otro bajista (Charlie Haden) que debutó como líder con su Liberation Music Orchestra en 1969 (publicado por Impulse! en 1970).
Grabado el 12 de septiembre de 2020 en el Teatro Principal de Santiago de Compostela, dentro del Festival Plataforma, el ensemble incluye 16 músicos que vienen campos tan distintos como la música clásica, el jazz, la vanguardia y la performance, todos ellos afincados en Galicia: Xacobe Martínez Antelo(contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier "Gdjazz" Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Faia Díaz (voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo). Casi nada.
