A finales de los 70, un Charles Mingus que ya sufría los efectos de la ELA viajó a Argentina con uno de sus quintetos menos conocidos, formado por el pianista Robert Neloms,el trompetista Jack Walrath, el saxofonista tenor Ricky Ford yel baterista Dannie Richmond. Esta grabación, publicada por Resonance Records en un triple LP, recoge los conciertos que realizó en el Teatro Coliseo y en el Teatro de la Sociedad Hebraica Argentina los días 2 y 3 de junio de 1977. La edición, 3-LP recogidos de las cintas originales grabadas por el ingeniero de sonido Carlos Melero, masterizados por Matthew Lutthans en el Mastering Lab y prensados en Le Vinylist, documenta una época poco conocida del músico, seis meses antes de que esos síntomas fueran diagnosticados y justo antes de trabajar con Joni Mitchell en Mingus, álbum en el que la enfermedad ya no le permitió tocar.
Foto de Uberto Sagramoso (de izq. a derecha: Ricky Ford, Jack Walrath, Bob Neloms y Charles Mingus). Buenos Aires, Teatro Coliseo, 2 de junio de 1977.
Como viene siendo habitual en estas grabaciones que Resonance recupera (ya lo apreciamos al reseñar The Lost Album from Ronnie Scott's de 2022), la edición contiene una cantidad ingente de documentación y notas (en este caso, del biógrafo de Mingus Brian Priestley (A Critical Biographgy de 1983) y del escritor Claudio Parisi, y entrevistas realizadas ad hoc a los miembros de la banda Jack Walrath y Ricky Ford, entre otros.
En lo musical, nos encontramos a un Mingus que muestra la energía que la enfermedad empezaba a negarle, con su habitual liderazgo al contrabajo y sus exhortaciones a los músicos, repasando temas clásicos como "Goodbye Pork Pie Hat" y "Fables of Faubus" o exploraciones en ritmos tropicales, tan poco habituales en Mingus ("Cumbia and Jazz Fusion") o clásicas como "Duke Ellington's Sound of Love", de su ídolo Ellington, que fue siempre una de sus referencias y que siempre interpreta pasada por el tamiz salvaje y rabioso de su propio temperamento, algo de lo que se contagia un quinteto consistente, energético y con un interplay fabuloso.
Escuchamos el solo de contrabajo del primer tema ("Courage"), tan cantabile, mientras el piano se convierte en parte de la sección rítmica dejando al bajo el protagonismo, y repetimos una vez más que nos gustan los bajistas que hacen "cantar" a su instrumento. Melódico y muy, muy sólido como instrumentista, Avishai Cohen es también un compositor ecléctico, capaz de mezclar influencias folk y jazz en composiciones complejas y, sin embargo, accesibles. Su nuevo disco, que hace ya el número 21 de sus grabaciones como líder, es Brighlight, once temas en su línea habitual: bellos, descriptivos y, por encima de todo, emocionales.
En su nuevo disco viene rodeado de una impresionante nómina de jóvenes músicos. Alrededor de sus compañeros de trío habitual (el pianista Guy Moskovich y la baterista Roni Kaspi), ha reunido a músicos emergentes como Eden Giat (piano), Yuval Drabkin (saxofón), Ben Tovim (guitarra), Lars Nilsson (trompeta), Hilel Salem (fliscorno), Jakob Sollerman (trombón), Ilan Salem (flautas), Jenny Nilsson (voz) y el baterista Noam David, quien, junto con Kaspi, son capaces de domar los ritmos inquietos que las composiciones de Cohen exigen. Destacable "The Ever And Ever Evolving Etude" y también "Roni's Swing", tema que Cohen ha compuesto inspirándose en la capacidad y energía de esta baterista que, con tan solo 23 años, fue nombrada Best Jazz Drummer of The Year en 2023.
Virtuoso y ecléctico, Avishai Cohen lleva muchos años convenciendo a audiencias de todo el mundo. Su estética tiene un marcado acento de fusión que es el producto de absorber muchas influencias, un trabajo intelectual y compositivo que, sin embargo, suena siempre fresco, y no podemos evitar recordar su paso por Origin, la formación de Chick Corea (también en su New Trio) cuando le oímos improvisar.
Con ritmos que desafían cualquier cosa que hayamos escuchado antes en jazz, mezcla de rock, pop, folk de Oriente Próximo... la escucha de Brighlight se convierte en un tour de force para el oyente, que va a encontrar una repertorio en el que Cohen es fiel a sí mismo, intimista a pesar del ritmo, con solos de Cohen y de los pianistas que se alejan de lo habitual, en fin, nada que un oyente de Avishai Cohen no haya captado ya en sus anteriores discos, pero con el placer de disfrutar de nuevas y excitantes composiciones originales, un repertorio que remata con una curiosidad ("Liebstraum nr3", un tema de Franz Liszt arreglado por Moskovich) y dos temas clásicos ("Summertime" y "Polka Dots And Moonbeams").
Buscando siempre nuevos sonidos y nuevas voces en el jazz actual, nos hemos encontrado con Piet Verbist, un contrabajista belga que hace jazz flamenco. Dicho así suena paradójico o incluso fuera de lugar, pero la explicación es más simple: Verbist ha pasado varios años en Andalucía investigando las raíces y las formas del flamenco con una beca del Real Conservatorio de Amberes. El resultado es este proyecto llamado Flamenco Jazz Summit, una ensemble con músicos españoles y belgas donde fusiona ritmos jazzísticos, con escalas y formas tradicionales flamencas (soleá, bulería, tanguillo, seguiriya...), fruto de un profundo trabajo de investigación.
En la intro a contrabjo solo, se percibe que Verbist tiene el don de la sutileza en las cuerdas, además de escucharse que ha captado la esencia rítmica del flamenco, heredada de ocho siglos de ocupación árabe, al igual que las armonías y los cuartos de tono tan característicos, como se puede apreciar en muchos de los temas (Carmelo Muriel lo ejecuta a la perfección con la flauta flamenca, por ejemplo).
Desde el blues flamenco inicial hasta la coda nos encontramos con explosivos momentos de ritmos flamencos que se alternan con sutiles solos de contrabajo ("Nuevo Alterado", donde Verbist se hace cargo de la melodía a las cuatro cuerdas, lo cual no es fácil). El saxo es otro de los protagonistas del disco (además de la flauta flamenca). El belga Tom Van Dyck pone el toque melódico del jazz (con un espléndido solo muy dexteriano en "El Mar Empieza Aquí") o adoptando los giros característicos del lenguaje flamenco ("La filosofía del jamón", tema que contiene, además, un momentazo de contrabajo con un groove hipnótico). De los patrones rítmicos flamencos se encarga una sección formada por Milan Verbist al piano, Carlos Cortés a la percusión y Juan Sainz en la batería, además del propio Piet Verbist al contrabajo.
En todo el álbum se puede apreciar el efecto seductor que la música flamenca ha provocado en Verbist, pero también la cultura, como se aprecia en la poesía de sus títulos y también en el humor que caracteriza la idiosincracia andaluza (y que nosotros hemos tomado prestado para el título de este artículo). Un disco muy recomendable, en definitiva, y que expande la raíz flamenca, hermanada hace décadas con jazz.
El disco está disponible en la web de Origin Records. Además, tenemos la suerte de que este proyecto fue grabado en concierto.
El contrabajista Baldo Martínez, único entre los únicos de este país, continúa la senda que él mismo creó antes incluso de llegar a Projecto Miño o Folkore Imaginario (con Carlos Actis) para fusionar el sentir melódico del folk con la libertad sin límites del jazz contemporáneo. No habíamos escuchado nada más concluyente en este terreno hasta que apareció Baldo. Y esta Música imaginaria es la continuación lógica y sublime de este camino, un disco que se presentó el pasado 5 de julio en el Festival de Jazz de Vitoria con Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Juan Saiz (flauta, saxo tenor y soprano), Joao Barradas (acordeón), Andrés Coll (vibráfono y marimba) y Lucía Martínez (batería, objetos sonoros y voz).
A lo largo del repertorio de Música imaginaria asoman sonidos de Galicia como un leitmotiv juguetón que aparece y desaparece mientras el sexteto despliega ante nuestros oídos diferentes estéticas sin abandonar la vanguardia, un camino que encuentra por momentos la Gran Belleza en esos sonidos y estructuras libres, y para el oyente atento, esta Música imaginaria contiene momentos de una inspiración sublime. Baste poner, por ejemplo, "A través del muro", con ese groove del contrabajo llevando el tema mientras Saiz al tenor y Sánchez a la trompeta juegan al unísono como si fueran un grupo de hardbop (lo sugiere la estructura del tema también) pero destilando exquisiteces en la atonalidad. El solo de Saiz es brutal y justifica por sí solo su presencia (aunque es un habitual cuando Baldo toca a trío). Julián Sánchez no se queda atrás. No todo es especulación. El disco está lleno de puro espectáculo (jazzístico).
Foto: Elvira Megías
De todos los momentos de este repertorio imaginario, me quedaría con el solo de Baldo en "Gaia", lírico y casi cantable, evocador, tocado con esa sutileza en los dedos tan difícil en un instrumento como este. El tema también tiene un gran trabajo de Lucía Martínez (como en todo el álbum) buscando sonoridades cambiantes en la percusión (no hablamos exclusivamente de su solo). Es una delicia escucharla en cualquier entorno que la escuches. Juan Saiz, por su parte, tiene un solo en la flauta tremendo, intenso, veloz, virtuoso. Momentos así, de puro ritmo y ruido ("Todos fuera"), donde cada músico lleva al límite la tímbrica de su instrumento; momentos dulces y oníricos con las mazas de Andrés Coll y el acordeón de Joao Barradas; momentos líricos de Baldo con el arco en la mano... convierten este disco tan contemporáneo y rompedor en algo conmovedor.
La sensación final de la escucha del disco es la de que el ferrolano Baldo Martínez ha vuelto a conquistar con éxito terrenos inexplorados. El disco en su conjunto es un brainstorming brutal para cualquier aficionado al jazz, pero confiamos en cruzarnos con Baldo y sus músicos en algún festival para poder catar todo esto en directo.
El contrabajista Pedro Molina es un músico murciano afincado en Oporto, donde se licenció en la ESMAE. Con una percepción personal del jazz como caleidoscopio, mezcla los ritmos negros con el rock, el pop y el free en su disco À procura, grabado el 28 de agosto de 2023 en el Centro de Alto Rendimiento Artístico de Matosinhos (Portugal) como fruto de un proyecto escénico que lleva paseando desde 2022 por los festivales de Loulé, Murcia, Criajazz, Out Jazz, Seixal Jazz o Guimarães Jazz. El cuarteto, premiado en 2023 como ‘Mejor banda’ en el 3º Concurso Internacional de Jazz de la Universidad de Aveiro, está formado por músicos emergentes de la escena portuguesa: Miguel Meirinhos (piano), Filipe Dias (guitarra) y Gonçalo Ribeiro (batería).
Siete composiciones originales y muy personales donde Pedro Molina explora los caminos del jazz a partir de su propia percepción musical, guiándose por las direcciones que toman los temas con el interplay del cuarteto; composiciones que ha creado, como buen artista, de su observación del arte y del mundo, de los lugares y de las emociones,
Crea un lenguaje propio, mestizo, donde fusiona sus influencias con sus objetivos, y su música con la personalidad de sus músicos, que se perciben libres en las continuas improvisaciones colectivas, encontramos temas que van de la fusión sin etiquetas a la especulación más libre. En el primer tema ("Reflexiones tardías") ya nos anuncia que, aunque sobrepasando las fronteras, su intención es emocionar. Su delicioso solo al contrabajo, introspectivo, casi poético, que desemboca en un momento intenso con todo el cuarteto, es perfecto. Él lleva la introducción del siguiente tema ("F(...)F"), plagado de solos especulativos (piano, guitarra...).
Esta es la tónica del disco: la de un músico que ha encontrado su propia voz y, que, como compositor, consigue hacer brillar y poner en valor a un instrumento tan raramente protagonista como es el contrabajo. Además, sabe dar espacio a su cuarteto para improvisar y expresarse, tanto en los temas más rítmicos ("A salto de mata") como en los momentos más libres y disonantes ("Calma") o en los más líricos ("Não Há Nada a Fazer?").
Un disco recomendable y un músico que esperamos ver pronto en directo por España.
Con un ritmo inagotable de lanzamientos, el sello danés April Records está llenando el panorama europeo de producciones de muy alta calidad, tanto en el concepto del disco físico como en el catálogo de músicos, que llegan a este blog de manera habitual y, a veces, en número superior al tiempo que necesita cada disco para una escucha seria, detenida y respetuosa. Pasamos revista a tres de sus últimas (y más interesantes) producciones con la esperanza de que alguna gira traiga a estos artistas a escenarios cercanos para poder disfrutarlos en directo.
ANDREAS TOFTEMARK QUARTET feat. Gerard Presencer,
La Gare (April Records, 2023)
Con un estética que recuerda a las bandas del final del hardbop (eso sí, con un sonido más brillante, depurado y quizás menos negro), el saxofonista tenor Andreas Toftemark lanza su segundo álbum titulado La Gare, donde despliega un jazz elegante, inspirado y lleno de sutilezas. Con ritmos contenidos y ricas harmonías, sus temas adaptan esa estética americana de los '60 al lenguaje del jazz nórdico.
El cuarteto de Toftemark continúa con el sonido de su primer álbum (A New York Flight) con la misma formación: Calle Brickman en el piano y Andreas Svendsen en la batería, mientras que se estrena Matthias Petri en el bajo. Como invitado, el trompetista Gerard Presencer (Danish Radio Big Band, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Chick Corea, Herbie Hancock) aparece en dos de los temas del álbum con un sonido cálido y melódico.
Toftemark es uno de esos tenores con un lenguaje claro y fluido, uno de esos tenores capaces de hacer sonar este enorme instrumento con la fluidez de una flauta. Sus composiciones denotan influencias muy diversas, desde la música clásica hasta armonías en los vientos que nos recuerdan a Nueva York. Cada tema (todos originales de Toftemark) contiene el recuerdo de un lugar. Desde "La Gare" (el club parisino que se llama igual que la estación) hasta "Chimney Lullaby", que cierra el disco, cada tema cuenta la historia de una experiencia que debe ser narrada, la de un músico (como todos, en eterna formación) que absorbe las vivencias como parte de su carrera musical. Y Andreas Toftemark lo hace con un sentido melódico y armónico que trae el hardbop a un estilo mejorado, brillante y contemporáneo.
¿Qué define lo que es jazz? Es una pregunta que nos hacemos los aficionados con frecuencia, una cuestión que sirve para discutir y para amar más el jazz y que, cuando nos pregunta algún profano, nos ofende de manera superlativa. Escuchando el disco del contrabajista danés Jesper Thorn, podríamos decir que el jazz moderno (por definir el jazz en un contexto más limitado) es una mezcla de improvisación y búsqueda, una manera de abrir caminos (el jazz ha abierto tantos caminos en los últimos cien años...) donde solo existe un parámetro que cumplir: debe haber emoción.
Foto: Tom McKenzie
Dragør es una suite en dos partes, pero no es todo el álbum. El álbum es un recorrido conceptual por los sentimientos que rodean a las relaciones ("About Fathers And Sons", "Boy", "About Fathers") cuya emoción reposa en delicados arreglos y en el contraste entre las atmósferas desoladas creadas por los sintetizadores (Marc Méan y el mismo Jesper Thorn) y las intervenciones solistas del piano (Méan), del saxo (Cecilie Strange), la corneta (Tobias Wiklund) y, en un lenguaje mucho más profundo, el contrabajo de Thorn, que parece cantar. El resultado es un marco musical melódico donde los solistas ponen la síncopa y la improvisación, convirtiendo en jazz una enorme suite casi cinematográfica. Sin duda, uno de los discos más singulares y emocionales que hemos escuchado recientemente.
HUMAN BEING HUMAN, Disappearance (April Records, 2023)
Disappearance es también un disco sobre las emociones. Human Being Human, el trío danés formado por el pianista Esben Tjalve (Cecilia Stalin, Red Kite), el bajista Torben Bjørnskov (James Moody, Matthew Herbert, Billy Cobham) y el baterista Frederik Bülow (Misceo Collective), nos propone un repertorio inspirado en la pérdida pero mirando hacia la belleza de la fragilidad, en lugar de llorar la desaparición. Reinventando la estética del trío de jazz (entre otras cosas, tanto Tjalve como Bjørnskov tocan sintetizadores en algún momento), buscan esa belleza en riffs pegadizos, grooves obsesivos ("Continuation Day"), pasajes líricos e introspectivos ("Together Again") y una versatilidad rítmica y de color.
Foto: Mathias Lassen
Con estos argumentos, el mensaje vitalista queda patente porque hay un goce (musical, por supuesto) que brilla por encima de tanta complejidad ("When You Find It, You Will Know" podría ser un buen ejemplo de ello). Con momentos muy en la tradición del jazz, como el solo de piano en "Disappearance" y pasajes muy líricos ("Aware"), el disco está lleno de patrones rítmicos obsesivos (novedosos, también desconcertantes). Tjalve, Bjørnskov y Bülow proponen un nuevo concepto de trío de piano al contener elementos electrónicos (sutiles, hay que leer la etiqueta para saberlo), novedoso también por su empleo de ritmos inesperados, pero se mantiene, sin embargo, esa sobriedad del trío como contraste entre protagonismo y conjunto. La personalidad de Human Being Human está en el equilibrio entre su concepto contemplativo y el dinamismo con que lo expresan. Recomendable.
Mike JONES, Penn JILLETTE & Jeff HAMILTON, Are You Sure You Three Guys Know What You’re Doing? (Capri, 2023)
La historia comienza en su teatro en Las Vegas, donde Penn Jillette representa cada noche su show de ilusionismo y humor junto a Teller (Penn & Teller llevan 45 años actuando juntos) con el pianista Mike Jones como director musical. Jeff Hamilton se le acerca y le propone grabar un disco juntos. "Penn se asustó", recuerda Jones. “Estaba más nervioso que nunca. Era un caso perdido y repetía: 'Esto es absurdo. Estoy fuera de mi liga'. Pero lo tranquilicé y fue una sesión divertida que resultó genial”. Esto ocurrió hace varios años. Entre medias, Penn se atrevió a grabar con Jones a dúo un disco: The Show Before The Show (Capri Records, 2018), del que hablamos en su día, pero aquí la temperatura sube con la presencia de Jeff Hamilton, quizás el batería más efervescente y placentero de escuchar del panorama actual, todo experiencia y elegancia. Juntos, hacen ese jazz clásico y lleno de momentos que nos gusta, jazz serio que divierte. Y no hablamos de humor, sino de placer.
Foto: Ezekiel Zabrowski
El disco comienza con el chispeante "'S Wonderful" de Gershwin y sí, Penn hace caminar a su contrabajo. Como dice Bill Prady en las notas del disco acerca del "mago que toca el contrabajo", es un bonito walking, de esos "en los que te quitas el sombrero para saludar a las damas y sonreír". Juegos de palabras aparte, el humor está en los recursos inagotables de estos músicos, en la sorpresa continua. El trío se compenetra a la perfección (Penn no es un músico principiante y se acerca al estilo de Ray Brown) y el disco burbujea desde el principio, especialmente cuando tocan blues como "Doxy" de Sonny Rollins (qué solo de batería) o temas más amables a los que sacar brillo, como "On Green Dolphin Street" o "The Girl From Ipanema", donde el contrabajo lleva la melodía desde el inicio.
El repertorio, de principio a fin (como uno espera de un disco donde esté Jeff Hamilton) es el que a cualquier aficionado al jazz clásico le gustaría. Un trío tradicional, un sonido brillante y muchos recursos no exentos de humor. Por cierto, la portada es de David Silverman, animador en The Simpsons.
Mingus era un músico tan sensible como salvaje. Nadie puede negarlo. Su jazz estaba lleno de rabia tanto como de intenciones. A día de hoy ha sido versionado hasta la saciedad, pero pocas veces reinterpretado. El disco que hoy estamos escuchando, liderado por el bajista Iosu Izaguirre, le rinde homenaje de una manera particular: en este álbum no hay temas de Mingus sino composiciones originales inspiradas en su filosofía jazzística y amparadas en un sexteto potente, donde brillan los espléndidos solos de Koldo Uriarteal piano (espléndido solo también el de Asier Iturbe al trombón en "Mingus Moods", el tema que abre el disco) y una sección de viento (Rubén Salvador a la trompeta, Pablo Ramos al saxo alto y el citado Asier Iturbe al trombón) que homenajea a aquella época en que los escenarios de jazz no eran íntimos ni intelectuales sino poderosos focos de energía. Pero lo más interesante de este planteamiento es que, sin perder la esencia marca Mingus, los arreglos y la ejecución suenan modernos, brillantes. El sexteto se completa con Aitor Bravo a la batería, mientras que Izaguirre se reserva el papel de Mingus: contrabajo, composición y motor de la banda.
Iosu Izaguirre
En el conmovedor texto que incluye el libreto del disco, David Gotxikoa recuerda que en la música de Mingus convivían "en tensión conceptos y emociones en apariencia antagónicos: rabia y ternura, vanguardia y primitivismo, orden y caos, humor y conflicto". Iosu Izaguirre comenzó a tocar el bajo de adolescente en bandas de rock y ska, donde quizás nació parte de su energía, para luego especializarse en jazz. Tiene una dilatada carrera como músico pero es su primer álbum como líder, y lo hace con composiciones propias, inspiradas en la estética de Charles Mingus, pero propias. La única versión del álbum responde a esa rabia heredada del rock: una versión de "Tiempos nuevos, tiempos salvajes" del grupo Ilegales, una versión que aquí alterna un lirismo nostálgico con momentos de fuerza.
Foto: Joseba Baleztena
Al estilo de Mingus, Izaguirre ha escrito falsas baladas llenas de disonancias y arritmias como "A los que se fueron" (donde se mueve hacia el blues sin despeinarse) o "Landalan" (donde el grupo explora sensaciones extrañas para explotar en puro hardbop). Hay muy buenos temas en el álbum, pero me gustaría destacar "Ez pentsatu gehiegi", donde Izaguirre se da el lujazo de comenzar el tema con un sentido y melancólico solo de contrabajo que no es sino un esbozo de lo que viene: entra a saco en una montaña rusa bordeando el post-bop que Mingus inauguró como expresión personal y que cambió el rumbo del jazz.
Para terminar, suena un tema de aire tropical llamado "Piscola" que redondea un disco original de un compositor original y que respeta la tradición, un músico que, sin versionar, devuelve a Mingus una modernidad que merece.
Después de escuchar la explosiva propuesta de The Acrylic Rib, el cuerpo pedía calma. Pero no se puede pasar del free a escuchar baladas de Billie Holiday. Por suerte, buscando entre las novedades de esta primavera, han aparecido tres discos que buscan romper sin subir la voz, tres maneras de expresar serenidad, calma, quizás paz. Hoy escucharemos a Kasper Tranberg, Cecilie Strange y el trío de Richard Andersson NOR.
RICHARD ANDERSSON NOR feat. HILMAN JENSSON,
Undo (Hobby Horse, 2023)
El tercer álbum del trío
Richard Andersson NOR comienza precisamente con un tema titulado "Serenity". Liderado por el contrabajista danés Richard Andersson, este trío islandés, como él lo denomina, está formado por el saxofonista Óskar Guðjónssony el baterista Mattias Hemstock. En este álbumcolabora también el guitarrista Hilmar Jensson, que aporta una dosis de lirismo al estilo de Bill Frisell.
Richard Andersson está considerado un músico imprescindible en la escena danesa del jazz contemporáneo. Ha obtenido premios y menciones de The NYC Record, AllAboutJazz y The International Bassconvention. Ha tocado con figuras enormes como Jerry Bergonzi, Jorge Rossy, Jeff "Tain" Watts y Kasper Tranberg (de quien hablamos más abajo). En este tercer disco de su trío NOR, nos ofrece un repertorio uniforme pero de compositores distintos (dos temas suyos, dos de Guðjónsson, dos de Jensson y uno de Anne Efternøler), lo que no impide que haya una heterogeneidad plausible en el desarrollo del álbum, siempre hablando lo que él llama "lenguaje nórdico".
Aparte de "Serenity", habría que destacar el intenso "Helmingur Búinn", donde el saxo toma protagonismo aportando una atmósfera opresiva que crea una tensión inesperada en el oyente hasta el misterioso desenlace. Más lírico, Guðjónsson lleva la melodía en "Langsom", un tema lacónico, lejano, donde el contrabajo es el encargado de poner el contrapunto dramático (junto con la guitarra) a un paisaje onírico, emocional, que nos hace olvidar que estamos ante una complejidad tonal que el grupo usa de manera muy inteligente.
Un disco perfecto para conocer a este trío nórdico. Recomendable.
¿Qué hay más calmado que una nana? El álbum de Cecilie Strange es uno de los pocos que han conseguido conmoverme recientemente, no solo por su estilo sino también por su intención: sus temas llenos de paz, bellísimos, entroncados en los poéticos fraseos de su tenor, intentan expresar la paz y la serena grandeza de ser madre. No es algo habitual en el jazz, donde la rebeldía es una bandera común, pero quizás en esta época de egocentrismos, redes sociales, relaciones virtuales, abortos a la carta y guerras cotidianas, ser madre (o simplemente amar) se pueda considerar una forma de rebeldía.
Este es el tercer álbum de Cecilie Strange en April Records después de Blue (2020) y Blikan (2021). Su cuarteto se completa con Peter Rosendal al piano, Thommy Andersson al bajo y Jakob Høyer en la batería. A la ternura de los temas se une la melancolía (sentimiento muy próximo a la felicidad, que nos recuerda a los que ya no están, otro leitmotiv del álbum). El disco comienza con una melodía con un ritmo tan pausado como complicado de seguir para un saxofonista. Es un nostálgico tema dedicado a su abuela. Le sigue una nana ("Byssan Lull") que suele cantar a sus hijos y que, a su vez, es heredada de la anterior generación...
La compenetración entre los cuatro músicos favorece esta interpretación calmada de lo que es el jazz contemporáneo: lírismo, emoción contenida, inspiración, sutileza, intelectualidad... Todo el álbum parece estar tocado en voz baja, como haría una madre para no despertar a su hijo. Las melodías son como pensamientos íntimos. Los lentos fraseos del saxo reflexionan y el resto de los músicos está a su servicio, incluso cuando calla y encontramos el valor en esos silencios (como en "Midnight Sun Upon Saltværsøya", donde hay un delicado y sutil diálogo entre bajo y piano).
Siempre he pensado que todas las formas de creatividad están conectadas y se nutren unas de otras, y el planteamiento de este Beyond de Cecilie Strange conecta esas dos formas de creatividad tan supremas como son la música y la vida.
La paz que nos trae el trompetista danés Kasper Tranberg es una paz inusual. Raramente se encuentra un disco de jazz calmado, pausado, reflexivo, de un trompetista. Sí, claro, están aquellos discos de Miles y su sordina... Pero desde Miles y Chet ha habido poca originalidad y mucha caña. La trompeta es un animal difícil de domesticar, y exige fuegos artificiales. Lo que nos trae Kasper Tranberg, músico que lleva subido a la escena de la improvisación desde los 90, es un disco moderno donde la reflexión y el gusto por el sonido templado (pero emocional) de su trompeta es una seña de identidad.
Foto : Mike Højgaard/neue.pink
En Tranberg hay un deseo constante de marcar distancias. Su sección rítmica, con la que ha tocado desde los '90 (Nils Davidsen al bajo y Frands Rifbjerg a la batería) se encarga en todo momento de crear paisajes sonoros inusuales, atmósferas oníricas o simplemente inclasificables. Ritmos lentos siempre (salvo quizás en "Circle Dance", tampoco mucho) que se detienen y cambian, siempre cambian, provocando desconcierto en el oyente y un campo perfecto para los fraseos especulativos de Tranberg.
No es free jazz. ¿Improvisación? Algunos amantes de la improvisación libre dirán que estamos ante un disco aburrido, pero los recursos que Tranberg y su trío van desplegando a lo largo del disco convierten la escucha en algo muy distinto. Para empezar, no es un trío habitual: trompeta, bajo y batería se convierten en algún momento en trompeta, chelo y batería ("Ukendt/Bitter Funeral Beer").
Un álbum de texturas, exploración e introspección en el que se mira a sí mismo a través de sus encuentros musicales de las últimas tres décadas: todos los temas son versiones, en las que hace suyos a Masabumi Kibuchi, Ornette Coleman, Rodgers & Hart, Paul Motian, C.V. Jergensen... para encontrarse a sí mismo. El resultado es un disco calmado, pacífico en su forma, impredecible.
Si bien siempre ensalzamos el trío como la forma perfecta de interplay en jazz, hay un formato mucho más excitante y, a la vez, más complicado incluso que grabar en solitario. Nos referimos al dúo. En un dúo el diálogo es constante y obligado, no hay manera de eludir la respuesta al otro, la obligación de respaldar sus solos, la responsabilidad... La semana pasada hablábamos del fabuloso dúo entre Fred Hersch y Esperanza Spalding, pero un dúo piano/voz es algo habitual y hoy vamos más allá con tres dúos insólitos y tan diferentes que sorprenderán a todo aficionado al buen jazz.
JON PIRIS & IÑAR SASTRE, Pasieran (Errabal Jazz, 2022)
En este disco hay momentos de una belleza absoluta, elevada al nivel de equilibrismo lírico por la razón de que son un contrabajista y un pianista los encargados de confeccionar las imágenes sonoras; dos instrumentos de ritmo, uno de ellos armónico y el otro no. Los equilibristas son Jon Piris al contrabajo e Iñar Sastre al piano, dos músicos de la escena vasca a los que hemos escuchado en distintas formaciones y que aquí crean su propio mundo, aparentemente simple pero complejo en la ejecución y en el resultado.
No es un disco fácil ni homogéneo. Es un paseo (como sugiere el título) por influencias y también por zonas sin explorar donde ambos músicos buscan expresarse con libertad pero respetando al compañero, un diálogo constante que aporta momentos muy brillantes (el tema más brillante, quizás por su paz y su elocuencia es "Arimarena", con algunos momentos sutiles de llamada y respuesta que piden una nueva escucha, y otra...) y otros donde asumen riesgos sin perder la musicalidad.
Como en todo paseo, surgen paisajes inesperados. En "Paris-Donostia" suenan momentos de inspiración barroca (Sastre también ha publicado música clásica), complejos y excitantes en su contraste, mientras que en "M-Ren Eskua" oímos una pieza mucho más libre, minimalista, con algún guiño al rock progresivo, pero que no deja de ser un experimento, sonidos espculativos y sugerentes. Hablando de contrastes, es muy interesante el uso de melodías rotas, impresionistas, casi atonales por parte del piano en "Pasieran II" mientras que el contrabajo marca un ritmo más purista.
En resumen, Pasieran es un disco complejo a cargo de dos músicos que pasean sin prisas, con una sensibilidad enorme, por los senderos del jazz moderno y asumen el riesgo de la improvisación contemporánea en busca de bellezas aún no exploradas. Para escuchar una y otra vez.
Otro caleidoscopio también lleno de influencias pero en un camino más cercano al riesgo (sin abandonar el sentido de la melodía) es el que toma el dúo formado por el pianista alemán Christian Pabst y el saxofonista y clarinetista checo Luboš Soukup, dos músicos que se conocieron en 2011 en un conservatorio de Copenhague, que han desarrollado carreras muy diferentes, que coincidieron en el ensemble de Lionel Louke, y que en abril de 2022, tras una década tocando juntos y separados, se metieron en el estudio HAMU de Praga para desarrollar este ejercicio musical íntimo donde unen sus dos modos diferentes de sentir la música improvisando uno en torno al otro.
Durante todo el álbum, la sinergia entre ambos músicos es audible y el extraño formato piano/saxofón destila musicalidad en cada tema. Desde la obertura del disco, un tema esencialmente rítmico titulado "Barcelona", el dúo va improvisando y desarrollando un repertorio que oscila entre referencias jazzísticas, de la música clásica o del folk europeo, melodías preciosistas como "Snow", también temas agresivamente rompedores ("The Red Sea"), de expresividad minimalista ("The House Above the Trees")...
No es fácil construir un universo sonoro como el que construyen Soukup y Pabst, sin sección rítmica y siempre buscando el límite al que pueden acceder dos instrumentos tan distintos en su diálogo sin perder la sintonía ni la lógica musical. No es fácil pero en Levistas parecen haberlo conseguido.
Quizás el dúo más insólito de esta selección sea el formado por el trompetista Natsuki Tamura y el percusionista Ittetsu Takemura (ambos miembros del Tokyo Trio de Satoko Fuji, de quien Tamura es marido). Su propuesta de free jazz basada en las composiciones de Tamura es Lightning, un álbum con solo dos temas. El primero, titulado "Ikazuchi" (relámpago, en japonés) es una suite de 29 minutos donde el trompetista transita por espacios sonoros llenos de soledad, desamparo y rebeldía a merced de los ritmos creados por la batería. El trompetista, dueño de una expresividad rara en el free, evoca sensaciones en casi todos los pasajes. El segundo de los temas, más breve, se titula "Kaminari" (trueno). Es un tema más ágil, rítmico en el sentido festivo y popular, donde la trompeta toma el protagonismo absoluto, ejecutando fraseos más vertiginosos y tan agresivos como la percusión.
Foto de Bryan Murray
Un disco insólito, como decía más arriba, que vale la pena escuchar por su originalidad, por la frescura con que acometen este viaje exploratorio y singular, y por conocer de primera mano a estos dos músicos japoneses y su interplay lleno de energía y entusiasmo. Es la primera vez que ambos tocaban como dúo y el propio Tamura afirma que dio al percusionista las composiciones en el club de jazz el mismo día de la grabación; aún así, el disco está lleno de ideas y momentos espectaculares, lo que hace de estos temas un viaje inesperado y divertido, tanto para los músicos, como afirma Tamura, como para el oyente.
Con una filosofía casi barroca de la complejidad, el bajista Kike Arza presenta en el segundo disco de su Electric 4et un repertorio basado en una investigación personal de las teorías musicales del argentino Guillermo Klein, profesor de la facultad de jazz de Musikene, especialmente en los conceptos de "filtros" y "claves". Dicho así, suena más difícil de explicar que de escuchar.
A lo largo de los 8 temas del disco, Arza escribe e interpreta pasando por diferentes estéticas pero sin dejar de experimentar. Cercano a lo ambiental en algunos momentos, poético y nostálgico en otros, sin construir un jazz agresivo y a pesar del título del álbum (Invictos a la fuerza), nos encontramos antes una concepción del ritmo desbordante y provocadora, cambiante, heterogénea, como una sucesión de experimentos que, sin embargo, resultan comprensibles al oyente.
Hablábamos al principio de barroco a propósito de la complejidad. También en la apreciación de la manera en que ritmos y discursos melódicos se enfrentan y superponen de una manera abrumadora... pero, por si no estaba claro, el disco comienza con un "Preludio y fuga", cuyo título recuerda a Bach y donde la escritura nos lleva inevitablemente a Bach, sobre todo la línea rítmica, obstinada e incisiva, sobre la que funciona todo el tema. Las fugas piano/bajo eléctrico son lo más interesante de esta composición. Especialmente atractivos son los temas donde sobresale el bajo como solista, como el enigmático "Filtro 1" o "Filtro 2", donde también parece dialogar con el piano.
Fuente: Facebook
Contrabajista (aquí bajo eléctrico), Kike Arza (Pamplona, 1981) ha colaborado con músicos como Iñaki Salvador, Mikel Andueza, Carmen Canela.. Formado en Musikene (con un Premio Fin de Carrera), fue galardonado con el Premio Impulso BBK 2012. Además de Arza, hacen posible todo este derroche de creatividad Satxa Soriazu al piano, Adrián Fernándeza la guitarra y Daniel Lizarraga a la batería, un cuarteto eléctrico que nos ofrece en Beharko Mendekaitz/Invictos a la fuerza un disco donde se hace música por la música y que, aunque exige al oyente una escucha abierta, resulta accesible, complejo pero fresco.
En cada proyecto en el que hemos escuchado al contrabajista catalán Manel Fortià, hemos podido comprobar su solidez y su capacidad creativa. En su nuevo disco, Despertar, grabado junto a viejos conocidos (Marco Mezquida al piano y Raphäel Pannieren la percusión) presenta un disco meditativo, melancólico, donde recrea sus experiencias en Nueva York, donde vivió entre 2016 y 2020. El disco contiene composiciones originales que brillan por la interacción de los músicos y por la manera tan precisa y bella con que cada uno de ellos ejecuta su papel.
Manel Fortià es un músico con una dilatada experiencia. A pesar de su juventud, cuenta con más de 50 grabaciones como líder o co-líder e innumerables colaboraciones con músicos de primera línea (Dave Liebman, Chris Cheek, Arturo O'Farrill, Chano Dominguez, Scott Hamilton, Dena Derose...), entre las que destacan su disco de 2021 Libérica, experiencia de jazz y flamenco ideada también en Nueva York pero con un enfoque radicalmente diferente: la nostalgia, nostalgia de la música traidicional catalana que echaba de menos durante su estancia en Nueva York y que fusiona con el flamenco.
"This album is very important to me because it reflects one of the most transcendent moments in my artistic life. I feel that living in NYC changed me tremendously and I grew a lot there", confiesa Fortià en el libreto del disco.
Despertares ese crecimiento al que se refiere el contrabajista y, de alguna manera, es también una continuación lógica de otro de sus discos, Bulería Brooklyniana (2018), grabado con un trío similar (con Raphäel Pannier pero con Albert Marquès al piano), una continuación evolucionada, porque aquí encontramos otro tipo de inspiración, más modulada, con un lirismo patente en la perfección del sonido.
También es el primer disco de Manel Fortià en el que ha firmado todas las composiciones, melodías llenas de sentimientos que pasan de lo íntimo a la euforia y vuelta (""Circular"); momentos muy especulativos ("Saudades", "El día después") en los que se pueden escuchar influencias (confesas) de Charlie Haden y Keith Jarrett escritas para un Marco Mezquida con una personalidad tan fuerte que lleva siempre a un punto brillante y original cada pasaje, como desafiándose a tocar algo que no se hubiera tocado nunca; melodías compuestas con detalle y donde la música americana (ese escenario neoyorquino que suena a blues, a espiritual y a canción) se fusiona con sonidos y ritmos mediterráneos con sutileza, borrando fronteras.
Recomendable, inclasificable y muy personal trabajo de Manel Fortià y su trío.
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