LIVE AT SAN JAVIER 25th ANIVERSARY

XIMO TÉBAR & THE CHAMPS, The Jazz Guitar Trio, vol. 5
XIMO TÉBAR BRAZILIAN JAZZ PROJECT, Começar de novo 

(Omix Records, 2024) 

El valenciano Ximo Tébar es, sin duda, uno de los pioneros de la guitarra de jazz en España. Su nombre y su música sonaron en Jazz entre amigos y deberían sonar con otros legendarios de la escena ibérica como los de Kiko Aguado o Sean Levitt, por su virtuosismo y su longevidad Este año pasado amplió su veintena de discos como líder con dos álbumes grabados en directo en el Festival de San Javier, uno a trío con el organista Pat Bianchi y el baterista Byron "Wookie" Landham, lleno de blues, y otro con un formato más amplio que ha llamado Brazilian Jazz Project, con músicos como Josvi Muñoz (saxos y flautas), Will Martz (piano y teclados), Juan San Martín (bajo) y Fernando García (percusión), contando con el cantante y guitarrista Gradston Galliza como estrella invitada, y con las colaboraciones de los citados Pat Bianchi y Byron Landham. 

The Jazz Guitar Trío vol. 5 continúa con las exploraciones de Ximo en este formato de trío de órgano y guitarra, que ya probó con Joey de Francesco, entre otros. El virtuosismo de los tres músicos y los patrones rítmicos de este tipo de trío hacen que agradezcamos que esté grabado en directo, lleno de energía, con temazos con "Idris" (un clásico en el repertorio, aquí con un guiño a "Salt Peanuts") o momentos sublimes como ese toque de blues convertido en sutileza de "Willow Weep For Me".

Começar de novo, en cambio, es otro nivel, más polirrítmico y donde los virtuosismos se diluyen en la abundancia de músicos para dejarnos apreciar lo que es la fiesta del crossover jazz/Brasil, con cantantes, baladas, funk, ese groove indolente de la bossa sincopada... y un homenaje final a Paco de Lucía y a Chick Corea. Momentos álgidos donde conversan guitarra y voz ("Fascinio") bastarían para recomendar este álbum. 

* Más info: ximotebarjazz.wordpress.com

LA FILOSOFÍA DEL JAMÓN

PIET VERBIST FLAMENCO JAZZ SUMMIT, 

El Mar Empieza Aquí (Origin, 2024)

Buscando siempre nuevos sonidos y nuevas voces en el jazz actual, nos hemos encontrado con Piet Verbist, un contrabajista belga que hace jazz flamenco. Dicho así suena paradójico o incluso fuera de lugar, pero la explicación es más simple: Verbist ha pasado varios años en Andalucía investigando las raíces y las formas del flamenco con una beca del Real Conservatorio de Amberes. El resultado es este proyecto llamado Flamenco Jazz Summit, una ensemble con músicos españoles y belgas donde fusiona ritmos jazzísticos, con escalas y formas tradicionales flamencas (soleá, bulería, tanguillo, seguiriya...), fruto de un profundo trabajo de investigación.

En la intro a contrabjo solo, se percibe que Verbist tiene el don de la sutileza en las cuerdas, además de escucharse que ha captado la esencia rítmica del flamenco, heredada de ocho siglos de ocupación árabe, al igual que las armonías y los cuartos de tono tan característicos, como se puede apreciar en muchos de los temas (Carmelo Muriel lo ejecuta a la perfección con la flauta flamenca, por ejemplo). 

Foto: Guy van der Poel

Desde el blues flamenco inicial hasta la coda nos encontramos con explosivos momentos de ritmos flamencos que se alternan con sutiles solos de contrabajo ("Nuevo Alterado", donde Verbist se hace cargo de la melodía a las cuatro cuerdas, lo cual no es fácil). El saxo es otro de los protagonistas del disco (además de la flauta flamenca). El belga Tom Van Dyck pone el toque melódico del jazz (con un espléndido solo muy dexteriano en "El Mar Empieza Aquí") o adoptando los giros característicos del lenguaje flamenco ("La filosofía del jamón", tema que contiene, además, un momentazo de contrabajo con un groove hipnótico). De los patrones rítmicos flamencos se encarga una sección formada por Milan Verbist al piano, Carlos Cortés a la percusión y Juan Sainz en la batería, además del propio Piet Verbist al contrabajo. 

En todo el álbum se puede apreciar el efecto seductor que la música flamenca ha provocado en Verbist, pero también la cultura, como se aprecia en la poesía de sus títulos y también en el humor que caracteriza la idiosincracia andaluza (y que nosotros hemos tomado prestado para el título de este artículo). Un disco muy recomendable, en definitiva, y que expande la raíz flamenca, hermanada hace décadas con jazz. 

El disco está disponible en la web de Origin Records. Además, tenemos la suerte de que este proyecto fue grabado en concierto.

* Web oficial: www.pietverbist.be

ECLÉCTICO

GORAN LEVI,  Guide Tones (Microscopi, 2024)

El guitarrista Goran Levi presenta su disco de debut como un homenaje a amigos, mentores y referentes, y apelar a las influencias siempre produce un resultado ecléctico. Levi nació en Bulgaria pero creció en Mallorca, donde ha estado desde pequeño en contacto con el ambiente musical, formándose en la guitarra eléctrica, tocando con músicos locales y haciéndose un nombre en el jazz participando en el concierto inaugural del Festival de Jazz de Portocolom, A Jazz De Mar, junto a Aina Tramullas. Con 26 años es también compositor y educador: tiene varios proyectos educativos, como Major82, donde planta su enfoque en la apreciación musical y en el crecimiento no solo musical sino personal del alumnado.

Ecléctico e indefinible. Su música no es fusión ni es folk propiamente dicho, no es jazz puro ni es jazz moderno, y, sin embargo, el guitarrista consigue en sus composiciones conectar con el aficionado al jazz con su técnica y sus recursos. A lo largo del álbum combina temas acústicos con otros eléctricos y más potentes. 

El disco comienza con "que se yo", ecléctico, cambiante, rítmico y lleno de recursos, donde lleva la melodía con soltura y buscando el virtuosismo sin perder la expresividad. El cuarteto, formado por Joan Garcias Tur al contrabajo, Josep Servera, batería, y Carlos Medina, al saxo tenor (solo en algunos temas), comprende su filosofía musical y esto hace que el sonido sea compacto y orgánico, algo complejo cuando aborda temas como "waltz for mateu / fisherman's tale", donde hace confluir sonidos de la tierra con rítmicas jazzísticas. Nos ha gustado el inesperado "remembrance", con un Levi jugando casi con el ruido en las cuerdas y una banda que explora una manera distinta de entonar una balada. La coda ("song for marius") redondea las fusiones con un sonido más jazzístico pero que también esconde juegos rítmicos y armónicos originales.

Con solo seis temas, el disco se hace corto y apetece una segunda escucha. Pero vale la pena. Ataques polirrítmicos como "thelonius yo", con un Goran Levi sensacional,  una sección rítmica precisa y estimulante y un Carlos Medina que entra lleno de energía, necesitan de más de una escucha para valorar cuánto de influencia y cuánto de original tiene. 

* Más info: www.goranlevi.com

VIBRANTE

DANIEL GARCÍA TRÍO, Wonderland (ACT, 2024)

Este vibrante Wonderland es el tercer álbum del pianista Daniel García en el sello alemán ACT, o, mejor dicho, de su trío, completado por el bajista Reinier Elizarde 'El Negrón' (ganador de dos Latin Grammys) y el baterista Michael Olivera, dos músicos cubanos que se afincaron en España y que hoy son imprescindibles en la escena musical española, a la que han aportado su acento. Juntos profundizan en la filosofía mestiza de Daniel García y en este álbum no solo "hablan" con acento flamenco sino que introducen términos musicales caribeños y del este de Europa. El guitarrista israelí Gilad Hekselman participa en uno de los temas ("Wonderland") con un solo muy acertado.

Daniel García (Salamanca, 1983) es un músico que comenzó estudiando piano clásico en el Conservatorio de Castilla y León para después formarse en la Berklee College of Music de Boston, donde tuvo como profesor y mentor al panameño Danilo Pérez, quien claramente le legó esa visión ecléctica del jazz que muestra en su trío. En 2011 recibió el premio a la mejor interpretación de jazz en Berklee y comenzó una carrera que le ha llevado a tocar junto a grandes nombres del panorama jazzístico actual, como Arturo Sandoval, Greg Osby, Perico Sambeat... 

A lo largo del álbum se percibe que Daniel García es un pianista que no reniega de las influencias. Con la técnica perfeccionista de la música clásica, sus composiciones sorprenden con aristas cambiantes que nos aproximan a armonías orientales o caribeñas según el caso, juegando con cadencias, giros, improvisaciones... todo ello con la libertad de la experiencia y con la complicidad de un trío que lleva muchos años funcionando y donde la interacción se percibe orgánica, fluida, natural y llena de energía. 

Con sonidos clásicos y armonías inesperadas, nos sorprende con "Paz", un tema lento y lírico donde, sin embargo, subyace una cierta tensión. Es la intro perfecta para entender toda la amalgama musical de la que hablábamos. Los ritmos caribeños están presentes en "Witness the Smile" o "Gates to the Land of Wonders", por ejemplo, tema donde la velocidad y el ostinato convierten la composición en un desafío exigente y lleno de fuerza que se rompe por fases para dar lugar a momentos líricos, algo que predomina en todo el álbum y que permite a Daniel García moverse en registros emocionales ("Mi Bolita", "You and Me", "A Little Inmensity"...). En "Wonderland" responde a esta poética el guitarrista Gilad Hekselman con un solo que acerca al trío al jazz rock mientras que sección rítmica y piano aportan un toque folk que recuerda más a las fusiones en grupos de folk-rock de los 70.

Jugando con timbres y ritmos, el disco evoluciona por complejos mapas estéticos donde nada es seguro pero todo es cierto, porque la magia de estas fusiones está en que nace de manera natural de los miembros del trío, y termina redondeando una obra personal y distinta, tan compleja como placentera de escuchar. Daniel García ha sabido traer todas sus influencias musicales e instalarlas en el contexto siempre receptivo (pero no fácil) del jazz. Y lo hace con solvencia. 

No disponemos de ningún vídeo del nuevo álbum, pero les dejamos uno de su particpación en Jazzahead! 2022 con temas de su segundo álbum, Vía de la Plata (ACT, 2021). Que lo disfruten.

* Web de Daniel García: www.danielgarciadiego.com

LA BELLEZA MÁS LIBRE

BALDO MARTÍNEZ, Música imaginaria (Karonte, 2024)

El contrabajista Baldo Martínez, único entre los únicos de este país, continúa la senda que él mismo creó antes incluso de llegar a Projecto Miño o Folkore Imaginario (con Carlos Actis) para fusionar el sentir melódico del folk con la libertad sin límites del jazz contemporáneo. No habíamos escuchado nada más concluyente en este terreno hasta que apareció Baldo. Y esta Música imaginaria es la continuación lógica y sublime de este camino, un disco que se presentó el pasado 5 de julio en el Festival de Jazz de Vitoria con Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Juan Saiz (flauta, saxo tenor y soprano), Joao Barradas (acordeón), Andrés Coll (vibráfono y marimba) y Lucía Martínez (batería, objetos sonoros y voz).

A lo largo del repertorio de Música imaginaria asoman sonidos de Galicia como un leitmotiv juguetón que aparece y desaparece mientras el sexteto despliega ante nuestros oídos diferentes estéticas sin abandonar la vanguardia, un camino que encuentra por momentos la Gran Belleza en esos sonidos y estructuras libres, y para el oyente atento, esta Música imaginaria contiene momentos de una inspiración sublime. Baste poner, por ejemplo, "A través del muro", con ese groove del contrabajo llevando el tema mientras Saiz al tenor y Sánchez a la trompeta juegan al unísono como si fueran un grupo de hardbop (lo sugiere la estructura del tema también) pero destilando exquisiteces en la atonalidad. El solo de Saiz es brutal y justifica por sí solo su presencia (aunque es un habitual cuando Baldo toca a trío). Julián Sánchez no se queda atrás. No todo es especulación. El disco está lleno de puro espectáculo (jazzístico).

Foto: Elvira Megías

De todos los momentos de este repertorio imaginario, me quedaría con el solo de Baldo en "Gaia", lírico y casi cantable, evocador, tocado con esa sutileza en los dedos tan difícil en un instrumento como este. El tema también tiene un gran trabajo de Lucía Martínez (como en todo el álbum) buscando sonoridades cambiantes en la percusión (no hablamos exclusivamente de su solo). Es una delicia escucharla en cualquier entorno que la escuches. Juan Saiz, por su parte, tiene un solo en la flauta tremendo, intenso, veloz, virtuoso. Momentos así, de puro ritmo y ruido ("Todos fuera"), donde cada músico lleva al límite la tímbrica de su instrumento; momentos dulces y oníricos con las mazas de Andrés Coll y el acordeón de Joao Barradas; momentos líricos de Baldo con el arco en la mano... convierten este disco tan contemporáneo y rompedor en algo conmovedor.

La sensación final de la escucha del disco es la de que el ferrolano Baldo Martínez ha vuelto a conquistar con éxito terrenos inexplorados. El disco en su conjunto es un brainstorming brutal para cualquier aficionado al jazz, pero confiamos en cruzarnos con Baldo y sus músicos en algún festival para poder catar todo esto en directo. 

* Más info: baldomartinez.com

FUSIONES INESPERADAS

Nos encanta descubrir voces y sonidos nuevos. Hoy escuchamos tres álbumes de April Records que tienen algo en común: son fusiones inesperadas de instrumentos que nunca habíamos escuchado juntos o de estéticas que parecían imposibles de emparejar. En ellos las tímbricas de los instrumentos se adaptan al diálogo y en todos surgen sinergias que dan sentido a la música. 

LIS WESSBERG, Twain Walking (April Records, 2024)

Twain Walking  no es un disco de jazz electrónico sino un disco de jazz donde, en ciertos pasajes, la electrónica (Rhodes, Moog, sintetizadores) suma capas para favorecer la expresividad del trombón. Bajo y batería siguen formando una sección rítmica típica del jazz. La trombonista danesa Lis Wessberg resulta un gran descubrimiento con este álbum, donde mezcla con habilidad paisajes sonoros electrónicos con un jazz seductor e hipnótico, un paso adelante, una versión contemporánea del cool jazz que lleva tocando 30 años.

Como el cool, que se mueve entre lo salvaje del bop y lo sereno del pop, el jazz de Wessberg flota entre la tradición hot jazz y la frialdad nórdca. Llevando más lejos la metáfora, sus composiciones están a medio camino entre la experimentación de Miles Davis y la serenidad de la trompeta de Miles Davis.

Con composiciones propias y rodeada de los músicos Steen Rasmussen (Fender Rhodes, Moog, sintetizadores, piano), Lennart Ginman (contrabajo, electrónicas), Jeppe Gram (batería) y la voz de Karmen Rõivassepp, nos ofrece un valioso repertorio que va de los paisajes ambientales, casi cinematográficos, a otros donde el groove nos empuja sin remedio, como es el caso de "Trapestry of Life", donde los sintetizadores crean una energía cercana a las improvisaciones espirituales de Miles Davis al inicio de su época electrónica. Dicho sea sin ánimo de comparar.

* Web oficial: www.liswessberg.com

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EMIL DE WAAL, Fire Øjne (April Records, 2024)

El caso del percusionista danés Emil de Waal plantea una experimen-tación dentro de la experimentación. A sus singulares composiciones suma la complejidad de hacer un disco a dúo, pero no un disco a dúo con otro músico sino con uno distinto en cada tema. Concebido en principio como un disco en solitario (ya que afirma que en sus disco anteriores las decisiones fueron colectivas y aquí son personales), este Fire Øjne (literalmente, cuatro ojos) explora las posibilidades conversacionales con otros instrumentos, además de experimentar personalmente con ritmos y con electrónica, programación, flauta, agua y, por supuesto, percusión.  

Algunos de estos dúos a destacar son, por ejemplo, "Regnvejrssang", una vieja sintonía de dibujos animados de los años 70 que De Waal interpreta aquí junto con Fredrik Lundin en la flauta baja, reforzando una poderosa intención melancólica; "Paradigme", donde juega con el sonido del agua como si de un instrumento de percusión se tratara, mientras el piano electrónico crea ambientes inquietantes; "Generøs", en el que Cecilie Strange presenta un tema bastante libre al saxo, lleno de inquietantes giros que De Waal amplifica con la percusión... Aunque quizás la fusión más interesante sea la de "Halvfirs Ferms", donde la percusión obsesiva de De Waal se une a la guitarra de Rasmus Oppenhagen Krogh, que realiza un trabajo casi netamente rítmico, conformando un tema hipnótico. Dos temas con raíces menos experimentales son "Limbo Jazz" de Duke Ellington, donde establece un ritmo muy crudo mientras el saxo barítono de Lundin revive la festiva melodía elliingtoniana, y "Silence", una composición de Charlie Haden que ya interpretaron Chet Baker y Don Cherry, y que aquí, con el sonido que Susan Alcorn extrae de su pedal guitar, cuyos largos fraseos suenan casi a órgano, toma el carácter de un himno sagrado. El único tema en solitario es "Logistik", una enorme improvisación de batería que resulta más narrativa que explorativa. Tema contenido y sinuoso, deja la sensación de haber escuchado un tema completo, no un solo. 

* Más info en aprilrecords.com/artists/emil-de-waal/

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DAWDA JOBARTEH & STEFAN PASBORG, 

Live in Turku (April Records, 2024)

La kora es un instrumento de 20 o 21 cuerdas, pariente lejana del laúd y del arpa. Traída de Gambia y países limítrofes, no se nos ocurre un instrumento menos habitual en el jazz. Pero ahí está Live in Turku, un disco de música improvisada con tintes de world jazz cuyo principal responsable es Dawda Jobarteh, un músico gambiano, hijo y nieto de músicos, que vive en Dinamarca. Su cómplice es el percusionista Stefan Pasborg, 

Tras el seductor comienzo a tempo lento, con la percursión manteniendo un ritmo intrigante y la kora anunciando una melodía aparentemente plácida, el disco estalla en una explosión de energía más similar al jazz rock que al folklore africano o al afro jazz. De hecho, lo que toca Jobarteh en este inicio es una versión eléctrica del instrumento tradicional. No podemos eludir que el disco es pura energía, energía llena de melodías exóticas donde ambos músicos se complementan y suenan como si fuera una banda completa, gracias a las propiedades armónicas de la kora y al trabajo polirrítmico de Pasborg. 

El álbum, grabado en directo en el Festival de Jazz de Turku (Finlandia) en abril del año pasado, contiene cinco temas originales de Jobarteh y de Pasborg, una versión de un tema del baterista Ed Blackwell ("Togo") con un comienzo poético e improvisaciones tremendas, y alguna referencia clásica, como una versión de "Better Git It In Your Soul", que Charlie Mingus publicó en su Mingus Ah Um (Columbia, 1959) y que aquí suena más potente y más africana que nunca con las armonías de la kora. ¡Y con el brutal solo de batería de Pasborg!

En resumen, un disco singular, una inesperada fusión de armonías africanas con la energía de un jazz-rock hijo de Miles Davis, pero también de psicodelias herederas de Hendrix o McLaughlin con la Mahavishnu.

* Más info en aprilrecords.com/dawda-jobarteh-stefan-pasborg-live-in-turku/

JAZZ MITOLÓGICO

XABI OLKOZ 4et, Eguzkilore (Errabal Jazz, 2024)

No nos cansamos de afirmar que el jazz, que nació de la mezcla de folkores africanos y españoles, ambos importados a la América caribeña y luego a la del norte  (la evolución es mucho más compleja, pero valga el resumen) se fusiona sin complejos con cualquier música tradicional de cualquier parte del mundo (flamenco, klezmer, tango... la lista es interminable). El baterista y compositor Xabi Olkoz lo sabe y juega con esta premisa en su primer trabajo como líder, Eguzkilore, donde "escenifica" historias de la mitología navarra a ritmo de un jazz con elementos de música tradicional, zorcicos y una estructura narrativa.

Xabi Olkoz es un músico navarro nacido en Tafalla que lleva tiempo sobre los escenarios, trabajando a la sombra de músicos de jazz (David Pastor) y pop. En este álbum le acompañan el pianista Bernardo San Martin, el saxofonista Jon Zufiaurre (Iseo & Dodosound, Tafajazz) y el contrabajista Jorge Sánchez (Alana Sweetwater, Jason Kipe). Con estos músicos, Olkoz se inspira en la flor eguzkilore, una planta perenne que se considera protectora del hogar, ya que, según la leyenda, los espíritus malignos no pueden entrar hasta contar el número de sus incontables hojas...

Foto: TurismoVasco.com

Desde el arranque del primer tema del álbum, con ese piano dramático y misterioso, notamos que estamos ante un disco que cuenta una historia. A lo largo de los 7 temas vamos conociendo a 7 seres mitológicos que, como en todas las leyendas, conformar el mundo. "Gaueko", personificación de los númenes y espíritus malignos nocturnos, es presentado con un tema oscuro, con un discurso especulativo del saxo y los instrumentos rítmicos. "Mari", la diosa protectora, nos llega a través del saxo con una melodía tradicional que se transforma en jazz en el solo de piano. Después aparece "Ilargi", personificación de la luna, que aporta cierta luz en un tema a tempo medio marcado por una batería inquieta, optimista, y momentos líricos como el solo de contrabajo. 

También encontramos temas llenos de energía como "Ekhi", un tema sobre la hija de Mari que creó la luz y el día, lo que se traduce en un tema vertiginoso con la sección rítmica al 100% acompañando a un saxo absolutamente adictivo que deja paso a un solo de piano y, finalmente, a un vibrante solo de batería; jazz en estado puro que es una excepción en este disco lleno de fusiones. "Amalur", la Madre Tierra, cuenta su historia con una melodía de aires latinos, con una percusión juguetona y seductora, un saxo que hace el tema cantable y un solo de piano energético (aunque nos ha seducido más el de "Eguzkilore", con sus cambios de ritmo y su juego durante el solo de batería). Como toda mitología, el disco termina con un final feliz: el mundo tal como lo conocemos, con la vida separada entre día y noche, final narrado por el saxo de Zufiaurre con un discurso de inspiración folk que dialoga con el contrabajo, que tiene un solo lírico, profundo, casi de guitarra, contestado por el piano... para terminar en una explosión rítmica donde la batería lleva al cuarteto a un final festivo.

Resumiendo, Xabi Olkoz ha grabado en su primer trabajo como líder un disco singular, lleno de matices y significados, donde podemos escuchar a un cuarteto de jazz bien armado, composiciones con buenos momentos y musicalmente brillantes. No se puede pedir mejor carta de presentación.

 Más info: https://hotsak.eus/es/artistas/xabi-olkoz-4et/

JAZZ DE IDA Y VUELTA

BRUNA SONORA, Ritual (2022)

Músico, compositor e investigador de caminos poco trillados, Javier Bruna es uno de esos espíritus musicales que nos seducen porque son imposibles de encasillar. Su música está tan llena de referencias y sus trabajos tocan (directa o tangencial-mente) tantas estéticas que el oyente se siente a veces desbordado. No lo escuchábamos desde su Tarareando de 2018, donde ponía cara a cara temas tradicionales españoles con ritmos de jazz, klezmer, bereberes... en un fabuloso cóctel (agitado, no mezclado) que llevó posteriormente a otro terreno en este disco titulado Ritual, grabado en 2021, donde predominan las referencias cubanas... con muchas sorpresas.

Unos acordes a ritmo de reggae dan paso al primer tema del disco. Primera sorpresa: una melodía tradicional navarra tocada con ritmo caribeño, cantada en vascuence y portugués, y con improvisaciones jazzísticas. A partir de aquí, cualquier cosa puede pasar. Y pasa. Javier Bruna vuelve a componer sobre melodías tradicionales llevándolas a un terreno universal donde la improvisación y el swing hacen que todo suene coherente, y lo hace con tal sutileza que el disco suena homogéneo a lo largo de todo el repertorio, a pesar de las fusiones y de lo inesperado.

El tema que más nos ha fascinado es "Ritual", tema que nace de la admiración de Bruna por Manuel de Falla y su Amor brujo, inspiración que llega del mismo modo que a los compositores americanos de jazz, que han buscado siempre referencias en sus musicales y sus bandas sonoras (a falta de unos compositores clásicos autóctonos). Sus arreglos nos llevan a Cuba, a la bossa y al swing; su melodía, al folk español y a principios del siglo XX, con algún pasaje que nos lleva mentalmente a Gershwin...

Pero la mayoría de los temas serían dignos de un análisis detallado. Más anclado en el jazz está "Jamal", aunque no exento de referencias a la música brasileña, entre otras. "El tablao de Cuba" afronta ritmos cubanos con una sección de vientos fantástica y un brillante protagonismo de la flauta. "Las chinitas de Jaén" funde dos temas populares ("Café de Chinitas" y "Las morillas de Jaén") a ritmo de bulería y swing. Y con un potente solo de saxo. "Cero" también tiene un interesante solo de saxo, que aquí tontea con giros flamencos con solvencia y con notas emocionantes. El tema que cierra el disco es "Serendipia Connection", un tema polirrítmico dominado por el sonido big band, un contrabajo poderoso ... y más solos de saxo.

En resumen, Bruna Sonora nos lleva en Ritual a un lado y a otro del Atlántico con la sutileza de un buen solo, mezclando culturas siguiendo la filosofía primigenia del jazz pero con la originalidad de fusionar lo ibérico con lo cubano y que suene (casi) neoyorquino.

Los músicos: Javier Bruna (saxo tenor y flauta), Bea Montero (piano y voz), Victor Bruna (flauta travesera), Carlos Blázquez (clarinete), Juan Ramón Callejas (saxo alto), Jordi Ballarín (saxo barítono), Diego Aragón y Antonio García (trompetas), Luis Zenner y Nico García (trombones), Gerardo Ramos (contrabajo), Matías López (percusión) y Chuchi Crespo (batería). 

 

* Web: www.javierbruna.com

TRADICIÓN PERSONAL

ALBERTO VILAS, Once cancións e unha danza (AMG, 2023)

Cada nuevo disco del pianista Alberto Vilas es un regalo para los oídos más exigentes. En este nuevo proyecto, titulado Once cancións e unha danza, busca en la tradición de su tierra, Galicia, para sublimar recuerdos y raíces en una serie de melodías de una belleza enorme, temas donde se funden folkore y jazz con una naturalidad abrumadora. Vilas es gallego y es jazzista, y ambas facetas conviven con una elegancia suprema. Como dice en la nota de prensa, parte de canciones que ya existen para buscar una nueva forma de creación. 

Nos cuenta Alberto Vilas: "No es una obra de recopilación de música popular, como había hecho Bartók y otros en su momento, sino un trabajo de buscar dentro de mí. [...] Llevo muchos años escuchándolas y cantándolas. Lo que hice ahora fue soltarlas, pero salieron mezcladas con todas mis experiencias e influencias acumuladas a lo largo de mi vida, con nuevas formas y nuevos colores."

Alberto Vilas es un hombre de jazz, por lo que elementos de la gramática del jazz salen a la superficie aquí y allá aportando esa novedad que convierte a estas composiciones basadas en viejas (y bellamente nostálgicas) melodías en algo nuevo e inspirador, tanto que a veces es difícil descifrar la canción de la que partió... 

Destacaría el precioso final de "Catro vellos mariñeiros"; la sensibilidad con que interpreta "La Portela", con sus cambios de ritmo; la "Danza das espadas" con sus notas altas y ese delicioso contraste de la mano izquierda; la delicadeza de ese tempo lento en "Ven bailar Carmiña" o la forma en que el piano canta en "Collín toxos e flores"... porque, en el fondo, todas son canciones (y una danza).

La naturalidad con que suenan los temas es soberbia. Se percibe que Vilas siente los temas. Los desarrolla con una belleza fresca, como recién salida de la inspiración, lo cual no es sino trabajo de compositor: se inspira en temas populares pero no los versiona sino que los recrea de una manera sofisticada y imaginativa. Y ahí se nota la pericia del compositor e improvisador que demostró Vilas en sus anteriores discos. 

No es jazz pero hay jazz en Once cancións e unha danza. No es un disco de jazz pero es un disco de Alberto Vilas, y eso es mucho. Si pensábamos que no podía superar su premiado Naialma, aquí está la constatación de que ha podido. Quizás este sea su álbum más personal.

* Más info: albertovilasquintet.wixsite.com

CALEIDOSCOPIO

FELIPE SALLES INTERCONNECTIONS ENSEMBLE,

Home Is Here (Tapestry, 2023)

Tras su The New Inmigrant Experience, publicado en 2020, Felipe Salles sigue incidiendo como compositor en la inmigración como leitmotiv de su obra y como base de su música, tan mestiza como el jazz en sí. Su Interconnections Ensemble, inaugurado con The Lullaby Project (2018) reúne a 19 músicos de diferentes orígenes y un punto de vista tan heterogéneo que se adapta perfectamente a la sincrética filosofía musical de Salles. 

Nacido en São Paulo, Felipe Salles es, desde 2010, profesor asistente de Jazz and African-American Music Studies en la University of Massachusetts Amherst. Desde que comenzó a tocar en 1995, se ha subido a los escenarios con gente de la talla de Randy Brecker, David Liebman, Melissa Aldana, Lionel Loueke, Jerry Bergonzi... y ha girado por Europa, India, Australia y toda América como líder y como sideman. Home is Here es el tercer álbum de su Interconnections Ensemble. 

Foto: Jeff Schneider

Los ocho temas que presenta en su nuevo disco comienzan con el singular sonido del clarinete de Paquito D'Rivera, mezcla de jazz y música clásica, con una reinvención ("Re-Invention") de un tema de Bach, que se mueve por momentos a ritmo de tango, de chorinho brasileño o de sones cubanos. Entre esa reinvención y el final, una tensa melodía donde el elocuente saxo tenor de Melissa Aldana nos arrastra como un hábil narrador de historias, hay media docena de temas en los que confluyen folkores, polirritmias y tantos sabores como cabría esperar. Un caleidoscopio, en definitiva, como los que suele dibujar en sus partituras Felipe Salles, adornado con los colores de invitados como cantantes como Magos Herrera, la argentina Sofia Rei, el saxofonista francés (de Guadaloupe) Jacques Schwarz-Bart, la fliscornista australiana Nadje Noordhuis, el saxofonista y percusionista cubano Yosvany Terry y el guitarrista brasileño Chico Pinheiro, amigo de Salles desde la infancia. 

Además de los solistas e invitados, estos son los músicos que Salles dirige en su Interconnections Ensemble: 

Viento madera:
Jonathan Ball, saxos alto y soprano, flauta y piccolo
John Mastroianni, saxos alto y soprano, flauta y clarinete
Mike Caudill, saxos tenor y soprano, flauta y clarinete
Carl Clements, saxos tenor y soprano, flauta y flauta alta
Tyler Burchfield, saxo barítono y clarinete bajo

Trompetas y fliscornos:
Don Clough
Jeff Holmes
Seth Bailey
Bill Fanning
Jerry Sabatini

Trombones:
Clayton DeWalt
Randy Pingrey
Bob Pilkington
Angel Subero

Sección rítmica:
Kevin Grudecki, guitarra
Luke Giavanovits, vibráfono
Nando Michelin, piano
Keala Kaumeheiwa, bajo
Bertram Lehmann, batería y percusión

* Más info: www.sallesjazz.com

FUSIONES MEDITERRÁNEAS

APEL·LES CAROD, Abismes i flors (Microscopi, 2023)

En la tradición que fusiona jazz y músicas folklóricas europeas se encuadra la música que hace Apel·les Carod. La poesía que destila su violín se acerca por momentos a la canción popular y por momentos al jazz, siempre con un aire nostálgico y lírico cuya belleza puede alejar a algún aficionado al jazz más negro, aunque responde a patrones contemporáneos que hemos escuchado en otros músicos de la misma generación. 

El disco comienza con un instrumental muy inspirado en el que nos adelanta el guion del disco: temas sosegados donde la melodía es la protagonista, extensos discursos llenos de improvisación (sin perder ese lirismo del que hablábamos), impresionismo, armonías exóticas y un espacio sonoro bien diseñado que se apoya en una sección rítmica cálida y efectiva (Max Villavecchia al piano, Manel Fortià al contrabajo y Josep Cordobés a la batería). La naturaleza es la fuente de inspiración de estos temas, con el mediterráneo y las montañas de fondo. Se aprecia un gusto por lo natural y lo bucólico, algo también muy propio del barroco, cuyas huellas musicales se perciben aquí y allá y, más nítidamente, en el solo de piano (Villavecchia) en "Se m'emporta el riu".

Foto: Pau Requesens

Apel·les Carod (Cambrils, 1989) fue el primer graduado en violín de jazz en España (ESMUC, 2010-2015). Se formó posteriormente en The New School for Jazz and Contemporary Music (Nueva York). Ha sido galardonado en dos ocasiones con el segundo premio en la International Zbigniew Seifert Jazz Violin Competition (2014 y 2016, Polonia). Forma parte del cuarteto Emsembling (del guitarrista Adriá Plana), de la Barcelona Art Orchestra y de la Orquesta de Músicas de Raíz de Cataluña. Ha tocado con Lluís Vidal, David Xirgu, Dani Pérez... Es profesor de violín de jazz y combo en la ESMUC y del Taller de Músics.

Puede que no sea un disco para los lectores más puristas de este blog, pero Abismes i flors contiene todos los elementos para disfrutar, inspirarse y para descubrir una voz nueva, la del violín de Apel·les Carod.

* Más info: www.microscopi.cat/product-page/abismes-i-flors

EL JAZZ DE JÚPITER

GORKA GARAY, Third Moon of Jupiter (Microscopi, 2023)

Podríamos definirlo como "un tenor sereno". El músico, compositor y educador Gorka Garay (Barcelona, 1978) tiene ese raro don de hacer un jazz sin prisas y sin estruendos y emocionar al mismo tiempo. Su tercer álbum se titula Third Moon of Jupiter, y culmina un camino tan complejo como sus composiciones, un camino que comenzó de niño en la Escuela Municipal de Música de Molins de Rei, que continuó en el Conservatorio del Liceo, con música clásica, y se perfeccionó con un título de grado superior en ESMUC; un camino que le ha llevado a grabar con músicos de todos tipo (El cazador de luz, Outer space, Sidonie, Gerona Jazz Project, Cuarteto de saxos...) y a tocar en directo con muchos otros (Big Band de Terrassa, GJP con Guillermo Klein, Bob Mintzer, Maria Schneider, Tim Garland, Bob Sands...) para acabar en el libro The Spanish Real Book con dos de sus composiciones. 

Currículum aparte, la música de Garay en Third Moon of Jupiter recrea atmósferas sofisticadas que envuelven al oyente como historias, con un saxo tenor que habla un idioma claro y convincente, que suena a muchas influencias pero a ninguna en concreto. Ambientes enigmáticos, grooves hipnóticos y tensión contenida y bien resuelta definen unos temas que llevan el jazz a un terreno cinematográfico, creando ambientes y desarrollando historias (más nítidamente en el último tema, con la siniestra narración de ("Sota la nit carmesí (Beneath the Crimson Night)"), de mensaje apocalítico. Para crear este ambiente cinematográfico se apoya Garay en una formación inusual, con un cuarteto de jazz (saxo, piano, bajo y batería) amplificado con un cuarteto de cuerda que no desentona dentro de la estética jazzística del disco.

El álbum comienza con una línea de bajo ("Imaginary Enemies") que desemboca en un tema muy funk, con un solo de piano que nos arrastra al de saxo de una manera irresistible. Las cuerdas apoyan el chorus con contundencia, haciendo el papel de los vientos. En "Happiness Flows Through Ears" comienzan a aparecer armonías africanas, que luego escucharemos en "If I Was A Bird" y "Aehaa Aehoo", y que aportan un brillo exótico a un tema de estructura pop. Ascendemos verticalmente hasta "Thrid Moon of Jupiter" con improvisaciones modales para crear un ambiente espacial. Garay demuestra aquí una firmeza muy personal en su solo, aportando al mismo tiempo algún giro africano. En "Soul Opens A Path" el uso del cuarteto de cuerda como elemento de jazz es tan sutil como brillante. Garay vuelve a demostrar su estilo fraseando. El discurso inicial del saxo en "Travelling to the Unknown" tiene, a pesar del título, que suena a ciencia-ficción, un melancólico toque Michel Legrand que crece hasta la apoteosis final, donde el saxofonista lo da todo para consolidar el clímax que su narración merece.

La sensación final es la de que el de Gorka Garay es un disco lleno de armonías sofisticadas, ambientes originales y buenos arreglos. No es la primera vez que escuchamos a un cuarteto de cuerda clásico junto a un combo de jazz, pero sí la primera vez que nos suena tan integrado. En resumen, un jazz que asciende muy alto, con Júpiter en el punto de mira.

* Fotos: Júlia Cortés

* Web de Gorka Garay: https://gorkagaray.com

EVOCACIONES NORTEÑAS (Y MÁS)

HUTSUN + JEL TRÍO, Artze (Errabal Jazz, 2022)

Cuando creíamos haber escuchado todas las fusiones posibles del jazz, nos llega este magnífico trabajo titulado Artze y firmado por cinco músicos, dos formaciones muy diferentes unidas para un proyecto único; por un lado, un trío de jazz formado por músicos de trayectorias muy diversas que han coincidido en el jazz: el acordeonista Javier López Jaso, el contrabajista Marcelo Escrich (ambos protagonizaban aquel trabajo tan singular llamado Aporia) y el baterista Juanma Urriza (Fran Serrano Quintet, Ennio Pinillos); por el otro lado, algo más sorprendente que un trío de acordeón: un dúo de músicos de txalaparta, ese instrumento de percusión típico de Navarra y el País Vasco que posee el sonido evocador de la madera de los paisajes del norte y del tan desconocido folklore vasconavarro. El grupo, formado en 2011 por Mikel Urrutia y Anai Gambra, se llama Hutsun Txalaparta. 

La heterogénea mezcla de estos cinco músicos consigue una fusión inédita en el jazz y en el panorama musical general, y suma un punto más a favor de Errabal Jazz, que estos años ha publicado trabajos de fusión tan interesantes y sorprendentes como Aldapeko Basque Latin Jazz, que mezclaba folklore vasco con músicas latinas, o Gaur, que enlazaba directamente canciones en euskera con ritmos jazzísticos.

Con una tímbrica cercana a la marimba, muy melódica y con la peculiaridad de que lo tocan dos intérpretes a la vez, la txalaparta es un instrumento cuya naturaleza vive de la improvisación y de la escucha activa de ambos músicos. Así, nos encontramos con temas muy desarrollados, donde los polirritmos arrastran los temas a improvisaciones efervescentes en las que todo se fusiona de una forma fluida y con una naturalidad sorprendente.

Rizando el rizo y puestos a buscar la fusión de las fusiones, el jazz y la txalaparta se encuentran con el tango. Con un acordeonista en la banda, el tango parece algo inevitable.Hay ráfagas de nostalgia porteña que aparecen y desaparecen como guiños, aunque se hace más que evidente en "Libertango", homenaje que alcanza en este disco una intensidad brutal con la colaboración de vibráfono y txalaparta. Además de esta versión de Piazzola, se incluye otra de Roy Hargrove ("Strasbourg St. Denis"), pero el resto de los temas son originales, compuestos por López Jaso, Escrich o Hutsun. 

Artze supone una nueva mirada al jazz y a sus posibilidades, y un goce para el aficionado que guste de los experimentos que dan como resultado músicas sensibles, bien construidas y, al mismo tiempo, placenteras de escuchar.

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http://www.hotsak.com/shop/artze

UN HOMENAJE A MILTON NASCIMENTO

CLARICE ASSAD, Window to the World (Vectordisc, 2022)

Desde que Stan Getz introdujo en el universo del jazz los sones de Brasil, convenciendo a los puristas de cuántos puntos en común tenían la música de Nueva Orleáns y la brasileña, la bossa nova se convirtió en una rama más del jazz. En el disco que estamos escuchando esta noche, las melodías escritas por Milton Nascimento ponen de manifiesto esta relación gracias a los arreglos de la pianista brasileña Clarice Assad y su cuarteto (Franceso Calì, acordeón; Jesper Bodilsen, bajo; Johan Dynnesen, batería). El álbum se llama Window to the World: A Tribute to Milton Nascimento y ha sido grabado entre Copenhague y Rio de Janeiro.

Clarice Assad es una compositora, arreglista, cantante y (más que pianista) multiinstrumentista nacida en Campo Grande (Rio de Janeiro) en 1978 de una familia de músicos (Sergio Assad, Odair Assad, Badi Assad). Formada entre otros lugares en París y Chicago, tiene a sus espaldas una extensa carrera que abarca música de cámara, orquestal, pop. jazz y world music, habiendo sido nominada al Grammy dos veces. En este álbum, canta y toca el piano rindiendo tributo a Milton Nascimento, lo que le proporciona un repertorio de 9 temas en los que puede desarrollar su versatilidad como pianista y arreglista al tiempo que nos permite disfrutar de su voz profunda y caleidoscópica (en algunos temas a dúo con su hermano Rodrigo y con Muato), que incluye recursos que (casi) podríamos llamar scat ("Milagre dos Peixes") y entonaciones dulces (casi pop), como en "Nada será como antes".

El disco comienza con un medley, como si cualquier elección dentro del repertorio de Nascimento fuera insuficiente para mostrar todo lo que Assad quiere mostrar en este álbum. También incluye clásicos como "Clube Da Esquina nº 2", compuesta por Nascimento con su amigo Lô Borges y Marcio Borges, dentro del colectivo que se llamó Clube Da Esquina, que incluía a músicos como  Beto Guedes, Toninho Horta y Flávio Venturini, entre otros, un grupo de músicos y compositores brasileños influenciados por The Beatles y otros grupos de la época, que mezclaban rock and roll, rock progresivo y jazz. 

Nuestro momento preferido del álbum es esta "Cancao do Sal".

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* Web oficial: clariceassad.com

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LA MALDICIÓN DEL RITMO

TELMO FERNÁNDEZ & THE LATIN SOUL BEAT, 

El Maldecido (Color Red, 2022)

Suelo escuchar pocos discos de música latina por un tema pasional que me hace mirar hacia Nueva Orleans (aun siendo del sur) y porque pocos discos de ritmo latino me han enganchado como el que hoy estoy escuchando. El guitarrista gallego Telmo Fernández ha compuesto en El Maldecido una serie de temas cargados de sentimiento y ritmo (¿qué otra cosa es la música latina?) que mezcla en este inesperado repertorio con temas tradicionales. Digo inesperado porque solo conocía a Telmo de discos de jazz y soul grabados con otros músicos. Aquí, cambiando The Soul Jazz Beat por The Latin Soul Beat y manteniendo la misma filosofía de poner en el álbum todo lo que se puede aportar, nos ofrece un discazo de música latina con tantas lecturas como oyentes pueda tener.

Maldecido por el ritmo, Telmo Fernández es un explorador incansable, como se puede escuchar si lo seguís en redes o en las grabaciones que hace con otros artistas. Lo que no sabíamos era que componía y ha elegido un terreno tan alejado del jazz (y tan cercano) como estos aires caribeños que mueven El Maldecido. Porque Telmo ha compuesto y ha escrito letras con un sabor auténtico, llenas de sentimiento y mensaje, y además de la guitara toca el tres macho y hasta hace coros. Todo un cubano (y no hablamos del puro).

Lo mejor del disco son los arreglos. Ahí Telmo se ha dejado la piel. El disco está lleno de referencias, arreglos cambiantes, de los que no aburren y sorprenden a cada nueva estrofa. Suena a bolero, a rumba, a guajira, pero también a a jazz, a funk y a hiphop ("Mis Hermanos Latinoamericanos")... con una sutileza y una solvencia que parece que hubiera nacido al otro lado del Atlántico en lugar de Galicia. La influencia africana suena nítidamente en "Asojano (Arará)", que refleja la persistencia de la tradición africana en los ararás cubanos, o el tema "La Palma", un homenaje a la que es quizás la conexión más clara entre nuestro país y Cuba, de ida y vuelta: África - Cuba - Canarias... 

El guitarrista y educador Rodney Jones alaba la complejidad compositiva y armónica de Telmo Fernández con estas palabras:

His compositions has the modern harmonic sense of a Herbie Hancock with the soulfulness of Stanley Turrentine. A rare combination indeed.

El disco necesita muchas escuchas para captar en profundidad su valor. Del chachachá a los temas más festivos, Telmo Fernández confirma que, dentro de las músicas improvisadas, las músicas latinas tienen mucho que decir (¡qué solos los de "Nereida, La Facultosa" y el bolero "Tierras de Bibijagua"!). Y aplaudimos su creatividad. 

Además de Telmo Fernández, aparecen en el disco los cantantes Yuvisney Aguilar (que también toca timbal y batá), Orisbely Laugart, Piter Carri “El Carri”, Kirenia Martínez y Yadira Ferrer; el trompetista Jorge Vistel; Alejandro Escalera, flauta; Escandaloso Xpósito al saxo alto; Arnaud Desprez al saxo tenor; el trombonista G.B “Mandela” Bell; Ton Risco en el vibráfono; Angelito Herrera a los bongos; Juan Viera a la conga; el pianista Harold Rey; el bajista Yarel Hernandez y Christian Delgado en la batería. 

Un disco muy recomendable al que solo podemos añadir que merece la pena escuchar el tumbao con el que viene Telmo Fernández esta temporada.