(NO SOLO) VOCES FEMENINAS

Siempre he pensado que hacer un concierto de "mujeres del jazz" o un ciclo "femenino" o ¿por qué no? un artículo sobre ellas era discriminar, discriminar en el sentido de poner aparte, separar, pero lo cierto es que esta selección de discos que vamos a escuchar hoy han llegado hasta aquí porque son lo más interesante que hemos escuchado en las últimas semanas y porque, dándole vueltas a cómo hablar de estos álbumes sin quedarnos cortos, nos hemos dado cuenta de que juntos suenan mucho mejor. Hoy estamos escuchando los discos recién publicados de la pianista Élia Lucas y de las cantantes Mónica Matabuena y Paula Barranco (a dúo con el pianista Jan Domènech).

ÉLIA LUCAS QUARTET, Introspecció (Microscopi, 2023)

El álbum de debut de la pianista Élia Lucas comienza con un tema introspectivo, con volátiles acordes de piano y una melodía nostálgica, intimista. A los oídos llega de manera aséptica, alejada de la negritud del jazz, pero el disco va evolucionando a lo largo de sus 7 temas (todos ellos compuestos por Élia), moviéndose por excitantes sonoridades de country blues ("Cercles"), influencias pop de las últimas décadas, aires mediterráneos de resonancias árabes, mucha meditación (conmovedora "Línies"), inteligentes revisiones de cánones clásicos ("Bach Reinterpretations")...

Se percibe, tanto en la compositora como en la pianista, un instinto natural por encontrar una voz propia. Y lo hace destilando estas influencias y jugando con la sensibilidad de los miembros de su cuarteto, de los que destacaría sin dudar el solo de contrabajo (Tomàs Pujol) en "Cercles", sobre todo la forma en que dialoga con el piano. En el saxo alto (y soprano) escuchamos a Edu Pons, siempre poético en sus intervenciones, casi como si contara historias (y atronador en "Dreamin"), y a la batería, Kike Pérez, intenso o sutil según el tema, con un interplay fabuloso en todos los momentos. 

Élia Lucas se graduó en la especialidad de Interpretación Jazz y Música Moderna en el Taller de Músics ESEM. Aparte de dedicarse a la docencia, ha recorrido con su cuarteto festivales y salas de Valencia y Barcelona, donde reside. La intensidad del álbum, tanto en los temas energéticos como en los introspectivos, conmueve, y eso es algo que se puede decir de pocos discos. 

* Más info: www.microscopi.cat/elialucasquartet

MÓNICA MATABUENA, Matabuenapura (Errabal Jazz, 2023)

Desde el primer momento, utilizando el scat como forma de expresión, la cantante getxotarra Mónica Matabuena deja claro que su instrumento es la voz y que utiliza su voz como un instrumento. Esto no quiere decir que renuncie a las letras de sus canciones, ya que ha elegido un heterodoxo pero emotivo repertorio que incluye, entre otros temas, canciones propias, revisiones de Miles Davis e incluso de alguna copla con ritmo latino.

Armonía y ritmo. Aunque suene obvio, estos dos elementos son las principales armas de Mónica Matabuena. Con ellas interpreta y compone, y dota a sus letras (emotivas "Nora" y "Nana") de una sensibilidad que no alcanzaría esta expresividad si no estuviera basada en recursos jazzísticos. Algunas reflejan infuencias de bossa nova. La versión de "Blue In Green" (Bill Evans), donde la guitarra manda en el tema, tiene la letra con la que la cantó Cassandra Wilson pero una personalidad completamente distinta, más etérea sin perder sensibilidad, más latina. 

 

La voz apasionada pero madura, serena, de Mónica Matabuena infunde a todos los temas un carácter maduro y una pátina de perfección. Aunque se trate de un disco de debut, la cantante arrastra una dilatada carrera en formacones de jazz (Las Negras del 45, Cinema) y bossa nova (Joao, con Marco Martínez), además de ejercer como profesora de técnica vocal. El álbum de debut llega en plena madurez y está lleno de técnica, recursos, modulaciones, sorpresas, resonancias de Joao Gilberto, de Ella Fitzgerald... Le acompañan el guitarrista Marco Martínez, el bajista Ander García, Miguel Benito a la batería, Jorge Castañeda (The Machetazo) en el Fender Rhodes y el solicitado Chris Kase en el fliscorno. Solo puedo añadir que debe ser una delicia escucharla en directo.

* Más info: monicamatabuena.com

PAULA BARRANCO & JAN DOMÈNECH, 

When Love Is Around (Microscopi, 2023)

Hay un descaro juvenil y feliz en la manera en que Paula Barranco ataca las notas de "I Just Found Out About Love" con un swing más propio de la Era Dorada del jazz que de las cantantes modernas o "actuales". Es un placer, no se puede definir de otra manera, especialmente con el desafío que supone verse arropada única y exclusivamente por el piano, donde Jan Domènech mantiene un tour de force con la vocalista. Y es no hay temas plácidos, todo es swing, erudición, recursos, más recursos... y un repertorio donde todos los temas hablan de amor.

Con el color clásico de esa voz y el swing incansable de ese piano, el repertorio avanza por una colección de standards poco habituales y que merece la pena descubrir: "Fools Rush In" nos traslada a los años 40 donde triunfaba Johnny Mercer (Elvis le dio después otro carácter); "Tenderly" sigue explorando esa década y nos ofrece una versión distinta a las de Ella o Billie, una interpretación lacónica y bellísima; "What Are You Doing The Rest Of Your Life" es un clásico inevitable, especialmente a dúo; "Angel Eyes" es un standard recuperado y demasiado versionado desde que Sting lo hizo en los 90, por lo que sorprende su frescura aquí, especialmente por esa manera tan emotiva de Domènech de atacar el tema... Podríamos seguir desmenuzando el disco, pero esto ya da una idea de su filosofía. Solo me gustaría resaltar el magnífico acercamiento a la música brasileña de "Caminhos Cruzados" (Jobim) con el que concluye el álbum.

Paula Barranco y Jan Domènech son dos artistas salidos del Conservatorio del Liceu de Barcelona. Paula trabaja en distintas formaciones, mientras que Jan actualmente cursa un máster en La Haya además de formar parte de proyectos como la Sant Andreu Jazz Band. Entre uno y otro han participado en más de 20 grabaciones. Juntos, son un dúo que esperamos que tenga continuidad porque tener, tienen madera de jazz, y nos presentan un álbum recomendable y necesario para recuperar un espíritu en el jazz que hoy se deshace en experimentos (en su mayoría) fútiles.

* Más info: www.microscopi.cat/paula-barranco-jan-domenech

JAZZ CON VOZ ÉTNICA

Hoy escuchamos dos discos con raíces, el EP Selegna de la cantante gallega Angeles Dorrio y el primer álbum de la formación vasca Gaur. En ambos se mezcla de manera sutil el jazz con raíces folk y la tradición local con otras influencias de música negra, ritmos sincopados y otras globalizaciones.

ANGELES DORRIO, Selegna (2021)

Con rabia rockera y arreglos jazzísticos, la vocalista gallega Ángeles Dorrio ataca "Terra de Muller", un tema reivindicativo y potente que abre Selegna, un EP de cuatro canciones que acaba de publicar. Habitual de los escenarios gallegos, no se ha prodigado mucho en grabaciones: su primer disco es de 2013 (Ten Soul) pero en este mini álbum sigue demostrando que Galicia es tierra de mujeres (mención especial a Carmen Rey, a quien aquí escuchamos en los teclados) y también es una tierra donde el jazz sigue creciendo imparable en los últimos tiempos.

Además de ese "Terra de Muller", donde destaca Pablo Añón en vibrantes solos de flauta, Angeles derrocha recursos en un breve pero heterogéneo repertorio que incluye un tema dedicado a Rosa Parks ("Parks"), que es una balada de complejas armonias vocales. Más soul y más interesante vocalmente, si cabe, es "Don't Need", que juega con los cambios de ritmos y los coros de una manera muy estimulante. 

El EP incluye dos temas en gallego, uno en inglés y otro en castellano, "La Perla", canción que ha sido bolero, habanera y cuya letra, de origen controvertido, es una joya. Aunque breve, sirve para devolvernos la voz de Angeles Dorrio (ojalá LP pronto) y recordarnos que Galicia es tierra de mujeres, no solo de amables bruixas y malvadas meigas, como se cree.

 

* Los cuatro temas del EP dejan con ganas de más, pero se pueden escuchar en Spotify: open.spotify.com/album/4lB92Rhv3OUFGjJyzzYjfm

NOA LUR, ANDER GARCÍA, DAVID SANCHO, DAVID FERNÁNDEZ, Gaur (Errabal Jazz, 2021)

El sello Errabal Jazz sigue lanzando títulos que enlazan la tradición vasca con el jazz. Si hace unos meses hablábamos de folklore vasco a ritmo de latin jazz escuchando el disco Iri Barrenetik del grupo Aldapeko Basque Latin Jazz, hoy nos centramos en Gaur, un cuarteto de jazz vocal formado por la cantante y compositora  Noa Lur, a la que seguimos hace tiempo por su gran capacidad para explorar nuevos caminos y nuevos públicos (como el infantil); el también bilbaíno Ander García (Luis Verde, Hernán Hock, Sebastián Chames), que es contrabajista, arreglista y director musical del proyecto; el pianista madrileño David Sancho (al que hemos escuchado junto a Antonio Lizana) y el baterista aragonés David Fernández (Bob Sands Big Band, Bobby Martínez Latin Band). 

Gaur (en vascuence "hoy") suena a juego de palabras (prueben con García y Lur) y resulta un más que interesante juego de mestizaje. Sin caer en la tentación de pasar estos temas (algunos populares, otros de nueva composición y algunas versiones) por los ritmos conocidos o cualquiera de las estéticas del jazz, nos encontramos a cuatro músicos con la maestría necesaria para reinstrumentar lo escuchado y darle un valor añadido, no únicamente en los solos sino en la dificultad de aportarle una nueva dimensión sin desvirtuar su esencia. 

Quizás donde más se perciba el origen jazzístico de los músicos es en los solos, y me gustaría destacar esta parte porque merecen la pena ser escuchados. David Sancho tiene momentos gloriosos en el piano. María Toro, que aparece como invitada en "Aitite ta Amama" tiene una confrontación brutal con el piano. También el violín de Maureen Choi en "Badakit", un tema que aparecía en el álbum de Noa Lur de 2013.

Mezcla de folk, pop, jazz increíble y pasión, Gaur es sin duda un proyecto único, aunque quizás a los que no conocemos la tradición vasca se nos escapen muchos detalles. En todo caso, escucharlo sin conocimiento aporta también la emoción de la música hecha con el alma. 

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* Más info: www.hotsak.com

HERNÁN HOCK QUINTET

The Anachronic Machine (2013)

Hernán Hock pertenece (como nuestro admirado Sacri Delfino) a ese grupo de músicos argentinos afincados en Madrid que alimentan admirablemente la escena jazzística local, músicos cuyo exilio físico se nutre tanto de nostalgias porteñas como de recuerdos de Nueva Orleáns. La música de Hernán Hock aúna estas dos influencias con acierto en su música, un jazz moderno, sofisticado y cambiante, cercano por algunos momentos a la fusión y amparado, casi siempre, en los eficaces esquemas del hardbop.

En su nuevo álbum, titulado The Anachronic Machine, el guitarrista aparece con una formación bien diferente a la de su primer disco, Everything Happened On Olmo Street (2010). Aquí podremos escuchar a varios músicos que no son precisamente desconocidos en este blog: al piano está Pablo Gutiérrez (Bob Sands Quintet), Rafael Águila al saxo tenor, al bajo Ander García (Noa Lur, Luis Verde) y Miguel Benito a la batería. Aparte de la sección rítmica, muy bien acoplada, destacamos la presencia de Rafael Águila, cuyo saxo funciona aquí como un emulgente que sirve para cohesionar el quinteto de una manera casi imprescindible, especialmente en el tema que da título al álbum.

Pero hay dos temas que no van en quinteto: "Small Town Cuarteto" y "Small Town Trio", que, como sus títulos indican, son el mismo tema estructurado en dos formaciones distintas, una con piano y otra sin él, un tema que es una balada y donde Hernán Hock puede ofrecernos un buen solo, extenso y lleno de figuras.

Nuestro tema favorito del disco, sin embargo, es "Blue Dollar":



"Blue Dollar" tiene esa fluencia cercana al hardbop que caracteriza al disco, con momentos que apuntan hacia la fusión, con una sólida sección rítmica, un buen solo de guitarra y un buen equilibrio entre todos los componentes del quinteto, avalando lo acertado de los temas.

Y esta es, precisamente, la mejor cara del disco, las composiciones originales de Hernán Hock, que funcionan de una manera eficaz, dibujando ese tipo de jazz que atrapa al oído y arrastra al aficionado hacia ese fluir lógico de la buena música. Los matices importados de la tradición argentina se notan claramente en algunos temas como "The Anachronic Machine" o "Pachuco", donde conviven sin rubor con elementos post-bop o pueden sucederse con algún solo de piano de agradable complejidad.

Destacable en el quinteto es la conjunción de sus elementos, sin un excesivo protagonismo de la guitarra, lo que permite catalogarlo como un disco de quinteto más que como el disco de un guitarrista. Esta calificación es positiva, entiéndase. Hock parece delegar con confianza el peso de los temas en el quinteto y lidera en pocas ocasiones los temas, momentos en que muestra (especialmente en ese "Blue Dollar") la pericia y los matices de un buen improvisador. Lástima que su presencia en el disco no tengas más peso.

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* Web oficial: http://hockhernan.wix.com/hernanhock#!

WORLD OF DISTRACTIONS

 Libertad contenida

Ser moderno no tiene por qué significar excentricidad ni ruptura con la tradición. El saxofonista Luis Verde (Cáceres, 1983, aunque también salido de Musikene) posee un sonido moderno porque en su forma de tocar (y componer) podemos escuchar latir la evolución constante del jazz. Lo mejor de épocas anteriores y su fresca inventiva son una mezcla perfecta. Como el Miles Davis de la cima, Luis Verde es un líder que sabe dosificar sus frases. Otra de sus bazas es la de acometer solos “místicos” y delicados en una línea paralela a Coltrane, optando a menudo por desprenderse de la partitura y dejar que la melodía se deshaga en el aire con pinceladas de free jazz que, por inesperadas, resultan más excitantes, para después volver a sorprendernos con referencias palpables a la tradición. En lugar de jugar a cambiar etiquetas de sitio o a intentar vender improbables mestizajes, Luis Verde nos ofrece un ejemplo de esa modernidad creativa y no estruendosa que merece el panorama jazzístico español.

El lirismo, la mezcla de ritmos y la libertad de posicionamiento en cuanto a estilo son algunas de las señas de identidad de su primer trabajo como lider, World of Distractions (Youkali, 2012). Nueve temas llenos de detalles que merecen muchas escuchas: buenos músicos, una propuesta tan personal como llena de referencias y un concepto elegante de lo que es arriesgar.

Los nueve temas comienzan y terminan con uno llamado “Sol de lluvia”, estructurado en tres variaciones: “Intro”, “TRT” (suponemos que “Transition”) y “Outro”, que son lo mejor y más inspirado del álbum, con un Luis Verde que comienza acompañado del otro gran protagonista del disco, el pianista Luis Guerra, y termina el disco soplando en solitario la bellísima melodía de “Sol de lluvia”. 

En “Valle de la luna” cabría destacar el solo del pianista Luis Guerra, con un sonido donde se escuchan tradición y modernidad mezcladas, mientras que el mismo músico nos deleita en “Soma” con un solo en el Rhodes igualmente inspirado. En cuanto al resto de los músicos, destacar sobre todo a Michael Olivera (percusión) y Ander García (contrabajo). Ellos son la sección rítmica, una sección rítmica que se enfrenta a constantes cambios de sentido, que van desde el mainstream hasta el folk, desde lo más canónico (Scott LaFaro) hasta las mismas raíces de la música africana (Airto Moreira). Es, sin embargo, cuando los ritmos se subliman hasta casi desaparecer, cuando aparece esa percepción de que estamos ante un disco lírico e introspectivo. La sensación de que la música de este disco a menudo huye del ritmo acentúa el poder de los solos, como en la introducción de “Soma” o en algún momento de “Valle de la luna”. Ariel Brínguez al tenor y Roberto Pacheco al trombón completan el sexteto en algunos temas.

Recomendable.