Aunque está grabado en estudio (Estudis Ground en Cornellà del Terri), el disco de Ramón Prats destila toda la fuerza de la improvisación y del directo. Para empezar, porque no es un experimento sacado de la manga ni un capricho musical fruto de la improvisación (valga la paradoja) sino el final de un camino que Prats lleva recorriendo desde 2010, cuando, después de una estancia en Nueva York, se subió solo al escenario buscando perfeccionar su discurso como baterista. Siguieron algunos conciertos aislados hasta que en 2019 protagonizó una gira de un mes con conciertos diarios a batería solo, hazaña que repitió a principios de 2023.
Ramón Prats comenzó en el conservatorio Isaac Albéniz de Gerona estudiando flauta y solfeo, para descubrir la batería en Taller de Música de Bañolas y especializarse, posteriormente, en el Taller de Músics de Barcelona y en la ESMUC. Actualmente, es uno de los bateristas más demandados de la Península. Ha trabajado con músicos tan diversos como Jordi Rossy,Ernesto Aurignac, Agustí Fernández Liquid Trío, The Voodoo Children Collective, Enrique Oliver Quintet, Martin Leiton Big Band... y muchos más, incluyendo su propio cuarteto, con el que ganó los premios Disco del Año y Mejor Grupo del Año.
Foto: Pablo Wayne
Tras la batería y en solitario, muestra todo su potencial en Solot, yendo siempre más allá, utilizando incluso partes de la batería que no deberían sonar, derrochando recursos que van del virtuosismo más delicado al ruido, de la repetición a los cambios rítmicos más sorprendentes, del expresionismo más intenso al discurso más abstracto. Los temas, compuestos e improvisados por el propio Prats, transmiten la elocuencia de quien sabe de lo que habla. Como en todo buen tema de jazz, se percibe un plan predefinido y también la improvisación sugerida por el mismo momento.
Aunque no es un disco fácil de escuchar, Solot constituye una apuesta valiente y muy personal, y nos permite constatar que un batería de jazz, por muy generoso que sea, siempre se deja cosas en el tintero en los conciertos, porque es un instrumento mucho más versátil de lo que los profanos pensamos, y Ramón Prats lo demuestra tocando. Original e imprescindible.
El siguiente vídeo pertenece a la gira de 2019, que sirvió para construir la filosofía de este álbum. Es más alucinante si lo puedes ver:
Una breve reseña para repasar los últimos discos que estamos escuchando en lo que se refiere a free made in Spain. Cuatro grupos muy distintos, de diferentes puntos de la península, desde Galicia hasta Barcelona pasando por Sevilla, discos muy distintos y con filosofías que van del free a lo simplemente atonal, la improvisación libre y otras estéticas imposibles de etiquetar.
ORQUESTRA GALEGA DE LIBERACION, Na Loita (2021)
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación, el proyecto creado por Xacobe Martínez Antelo, se basa en la composición improvisada. Temas no escritos que se van creando en directo sin directrices ni pactos por adelantado. Su nuevo álbum, Na Loita (que se podría traducir como "en la lucha") fue grabado e improvisado en el Festival Jazz de Ría 2021. El resultado, obviamente, es muy distinto al de su primer disco, a pesar de contar con los mismos músicos en escena. En este nuevo disco resultan muy interesantes especialmente los experimentos ritmicos capitaneados por los percusionistas (Max Gómez y LAR Legido) o cuando el ritmo lo llevan instrumentos de viento, cuando utilizan los aplausos del público como parte del tema o el uso de las voces como si fueran instrumentos.
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación no parece ser la improvisación libre sino la exploración. Pero no una exploración sobre nuevos territorio sino una exploración introspectiva, dentro de los márgenes de la orquesta, donde cada músico busca los límites de su instrumento al tiempo que reacciona en tiempo real al lenguaje que están usando sus compañeros. Todo un desafío.
Como en el primer álbum, los músicos son: Xacobe Martínez Antelo (contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).
Este trío está radicado entre Madrid, donde toca y enseña el saxofonista alto Ricardo Tejero (Eddie Prévost, Dominic Lash, London Improvisers Orchestra) y Sevilla, donde el contrabajista Marco Serrato y el batería Borja Díaz colaboran en proyectos como Hidden Forces Trio o Proyecto Ocnos. Sputnik Trio leva funcionando desde 2013, Aparte de sus actividades individuales, Sputnik Trio es "un lugar temporalmente autónomo donde se encuentran de tanto en tanto". Son palabras extraídas de la carpeta del álbum y firmadas nada más y nada menos que por Phil Freeman, autor de Ugly Beauty: Jazz in the 21st Century, libro donde analiza el sentido y el camino del jazz actual.
Time Hunt es el cuarto álbum del grupo, un paso adelante donde consolidan su filosofía de jugar sin límites (aquí los ritmos son siempre exploratorios y los sonidos no se detienen en los esperado) y, sin embargo, resulta su disco más accesible de todos los que han grabado hasta la fecha. Sin hacer concesiones, es fácil de escuchar (incluso para los haters del free jazz, podría asegurar). Quizás porque los temas tienen un groove adictivo o porque, dentro de su filosofía free, se centran en hacer música y renuncian al ruido.
Dentro de la libertad deseada, los fraseos de Tejero y los ritmos de Serrato y Díaz arrastran (o sugieren) a menudo esquemas que laten en lo más profundo de la memoria colectiva, esquemas (a veces) difíciles de identificar pero que conectan de alguna manera esotérica y feliz con lo que espera el aficionado al jazz y, sin embargo, sorprende.
RICARDO TEJERO, COLIN WEBSTER, MARCO SERRATO, BORJA DÍAZ, Matadero (Sentencia Records, 2021)
Seguimos hablando de Ricardo Tejero, Marco Serrato y Borja Díaz. Matadero es el segundo álbum en el que los miembros de Sputnik Trio colaboran con el saxofonista británico Colin Webster, tras Spain is the Place (Raw Tonk Records, 2016), formando un cuarteto donde pueden jugar con otras reglas, lo que hace este proyecto muy interesante. En primer lugar, porque es un cuarteto con dos saxofones altos; en segundo, porque aquí existen menos reglas aún: la abstracción y el caos son el punto de partida.
El disco contiene solo dos temas, dos largas improvisaciones tituladas "Matadero" y "Azkoitia", de 20 y 16 minutos cada una. Los títulos vienen de que el álbum fue grabado en directo, potenciando así la crudeza del sonido, en el matadero de Azkoitia (Guipúzcoa) el 2 de junio de 2016.
Publicado en diciembre pasado por Sentencia Records, nos deja una interesante colección de sonidos y exploraciones que van de la introspección a la descarga de energía. Con referencias a la música industrial, pasajes que suenan casi cinematográficos por su dramatismo y expresividad (nadie se atrevería a dejar que sonara algo así en una película) y con una evidente libertad pactada para generar desorden y reconstruir el interplay. Con todo su caos y violencia sonora, Matadero nos deja más de una cuestión en el aire. ¿Hay realmente límites en el sonido de un instrumento? ¿Se han explorado ya todos los límites de la expresión en la música?
Es la primera vez que escuchamos a la pianista Clara Lai y su disco nos ha sorprendido y nos ha convencido. Creciente, en cuarteto con el trompetista Iván González, Albert Cirera al saxo y la percusión de Joan Moll, es un ejercicio de búsqueda de nuevos lenguajes que no deja indiferente al oyente. Fue grabado en directo el 19 de junio de 2021 durante el Estival de Jazz de Igualada, dentro de su apartado Carta Blanca, que, como indica su nombre, ofrece total libertad creativa a los músicos. Todo un lujo.
A lo largo de todo el álbum (en temas nombrados como las fases lunares), los músicos van explorando tímbricas imposibles en sus instrumentos, casi olvidando su condición de instrumento, como en la introducción del disco, donde rozan el concepto de música concreta, o descontextualizando los sonidos naturales de cada uno de ellos para conseguir efectos innovadores que podrían llamarse "un nuevo lenguaje". Lo cierto es que el resultado es tan original como prácticamente irrepetible, una mezcla de composición e improvisación totalmente ausente de inhibiciones que dice buscar la expresión de sentimientos y que, dentro del universo abstracto que se crea en nuestros oídos, deja entrever paisajes insospechados.
Muy interesante de escuchar. Con momentos hipnóticos.
Poner a este disco la etiqueta de free jazz es quedarse corto. La Orquestra Galega de Liberación es un combo de gran formato creado por el siempre inquieto Xacobe Martínez Antelo no sabemos si para este concierto grabado en Santiago de Compostela o con algún afán de continuidad. Lo que sí es cierto es que la grabación es irrepetible, 10 temazos grabados en directo, basados en la improvisación y, como dice la contraportada del disco, compuesto a tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigidas, asegurando que no había nada pactado de antemano ni aprendido ni compuesto; en resumen, la esencia de la improvisación en el jazz, con músicos que solo cuentan con su inventiva, su experiencia y sus oídos para conectar con el resto.
Frente a un disco así, uno se pregunta: ¿Queda espacio para las vanguardias en el panorama actual? ¿Qué vanguardias caben tras las vanguardias? Lo cierto es que el concepto de rupturismo estético necesita un statu quo que romper. En otras artes como la pintura o la escultura prácticamente se ha roto con todo pero en el jazz, la revolución constante es la base fundamental que lo mantiene vivo. En este sentido, basta comenzar a escuchar conciertos/discos como éste para percibir por qué el jazz es excitante.
Dentro de todo este esquema de no-temas, el disco contiene 10 cortes llenos de momentos. Paisajes sonoros inusitados, inquietantes, excitantes, desconcertantes, todo un despligue de recursos que van de lo atonal a lo simplemente rítmico, que exploran las tímbricas de una orquesta tan dispar, con combo de jazz más cuerda más voces... Un desafío que pone de manifiesto la conexión entre los distintos artistas. Nada de lo que hayan escuchado antes se parece a esto y, sin embargo, tiene una conexión latente con mucho del jazz que se ha hecho en los últimos 50 años, de los setenta para acá. Con ese mismo espíritu, Xacobe Martínez Antelo ha bautizado el ensemble como Orquestra Galega de Liberación, inspirándose quizás en otro bajista (Charlie Haden) que debutó como líder con su Liberation Music Orchestra en 1969 (publicado por Impulse! en 1970).
Grabado el 12 de septiembre de 2020 en el Teatro Principal de Santiago de Compostela, dentro del Festival Plataforma, el ensemble incluye 16 músicos que vienen campos tan distintos como la música clásica, el jazz, la vanguardia y la performance, todos ellos afincados en Galicia: Xacobe Martínez Antelo(contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier "Gdjazz" Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Faia Díaz (voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo). Casi nada.
JORDI SANTANACH, Instruccions: clavar per la línia de talls
(Underpool, 2020)
Vivimos tiempos de introspección, de soledad, con lo positivo que esto tiene también a veces. En el maldito año que ha pasado, nos han llegado (y nos siguen llegando) discos de músicos que han entrado solos al estudio (pianistas como Fred Hersch, el celebrado álbum de Alberto Vilas, el sueño de la naturaleza de Scott Dubois), pero nunca nos había llegado un disco de un clarinetista. Es el caso de Jordi Santanach y su cautivador Instruccions: clavar per la línia de talls. Las grabaciones de músicos en solitario suponen un riesgo total para el músico. Pero el jazz es siempre una música de individualidades, individualidades que suman y se entienden en una relación que Wynton Marsalis llama música democrática porque todos importan y todos escuchan. En el disco en solitario, el músico nos permite apreciar en toda su crudeza y su valentía sus capacidades para improvisar y para expresar.
Foto de Jaume Olivet
El título sugiere la dificultad, muchas veces, de seguir las instrucciones que se nos dan, muchas veces por la falta de lógica de quienes las dictan y otras por algún defecto de comunicación en las mismas. Sean instrucciones de la autoridad local, de un mueble de Ikea o del juego al que juguemos, no hay lugar donde es más placentero saltarse las normas que en el jazz. Y, aunque la música de Jordi Santanach solo se acerca al jazz en el carácter de libertad e improvisación, creo que podría ser un buen ejemplo para muchos músicos. Santanach, que también es artista plástico, ilustra esta filosofía con el poema visual que le sirve de portada y que es parte esencial de la obra, un álbum que no se vende en CD sino en formato lámina. La lámina de este poema visual viene impresa en A3 y papel Fedrigoni Splendor Gel de 230 gramos en una edición limitada de 100 ejemplares, incluyendo, como es lógico, un código de descarga digital.
Los temas del disco, variaciones sobre la idea de la imposibilidad, juegan con este concepto y, sobre esa idea, los títulos de los temas juegan con las posibilidades de las letras y los significados como Santanach juega con las llaves del clarinete: a "Untitled" (sin título) le siguen "Unlited", "Unttiled", "Unitlted", "Unittled", "Unltited", "Unlitted" y, finalmente, un "Epilogue". Es más que un juego de palabras, es una advertencia para el oyente desprevenido o incluso escéptico que pueda pensar que todo va a sonar igual.
Ningún disco con un solo músico es fácil de escuchar, pero Santanach derrocha recursos e imaginación para conseguir un álbum que expresa, que transporta al oyente, que hace que uno olvide que solo hay un músico sonando. Los temas se grabaron en dos días en el estudio Underpool sin pistas adicionales ni efectos. Solo el tema "Unltited" tiene dos capas adicionales de clarinete y clarinete bajo tocadas también por Santanach, y el tema que cierra el álbum ("Epilogue") es una improvisación sobre una nota para afinación (La) generada por el metrónomo y que suena de manera continua durante todo el tema. Como decíamos antes, originalidad.
Durante los últimos diez años, el sello Vector Sounds ha venido afianzándose en el mercado y convirtiéndose en un emblema del free jazz y la música improvisada. Nacido a partir de de la serie Vector de Clamshell Records, sello original, ha continuado promoviendo todo tipo de grupos que van de lo simplemente atonal a lo electrónico.
Se han planificado dos recopilaciones para mostrar todo el catálogo de Vector Sounds. En la primera, Jazz On The Move. The First Compilation, podemos escuchar una vertiente más jazzística (free jazz, rock progresivo, nu jazz...), que incluye 11 grupos. El objetivo, según explica Pablo Correa, alma de este sello, es devolver al disco el papel que ha jugado en las décadas pasadas, como objeto de seducción, de colección, como un aporte artístico más al producto que significa una grabación.
La escucha de estos 11 grupos puede dar una idea de en qué direcciones y estéticas fluye el free jazz actualmente, pero el mismo concepto musical expresa una versatilidad inquieta y siempre inesperada.
El disco comienza con un tema de UZ, una formación realmente atípica (saxo soprano, saxo tenor y tuba). Sobra decir que el riesgo se percibe en su música: es la tónica de todos estos grupos. El segundo tema es “Blue Nile”, aparente homenaje a Wayne Shorter y su "Black Nile", suposición más que probable por el uso que hace el grupo (Friktone) de las armonías de raíz africana. Es otra formación atípica con flauta/saxo, contrabajo y batería, inusual en este tipo de influencias. El trío Naima explora las posibilidades del trío de piano que van más allá de Meldhau o EST. El quinteto de la cantante Cova Villegas camina en los márgenes del jazz tomando influencias étnicas tan diversas como excitantes. October Equus Quartet, em cambio, se mueve en otra onda más progresiva, más rock, siempre dentro de la filosofía free.
Grupos como Hidden Forces Trio, liderado por un clarinetista bajo (Gustavo Domínguez) pueden resultar demasiado radicales estéticamente para el público pero, dentro de esta recopilación, su música es tan contundente como indiscutible. Avanbrass, con su “El Torrent Dels Murris” revive armonías de las brass bands de Nueva Orleáns y ritmos heredados del jungle y del swing llevándolos al terreno de lo atonal y del free, con sonidos que van de lo festivo al caos post-festivo. De The Big Free Tongue escuchamos un tema muy ambiental que muestra su filosofía de improvisación y creación espontánea. Freelloa Ensemble, nacido, como su nombre indica, en el Jazz Filloa, aúna músicos con ideas y un espacio donde explorar alrededor del free jazz, el tango, el rock... sin límites (lo que quiere decir también, sin límite de miembros, cuyo número ha sido cambiante a lo largo del tiempo). Mole es un cuarteto franco-británico-irlandés-noruego se caracterizan por la improvisación, moviéndose a través de las fronteras de los géneros, desde el punk hasta el free con total impunidad y una potencia excitante. Akafree también fusionan géneros, con la particularidad de que exploran con ritmos africanos y caribeños. Su tema se titula "7 llaves para la libertad".
Como se ve, la recopilación resume un variado catálogo que reúne todo lo posible dentro de las siempre cambiantes fronteras del free jazz, la marca distintiva de este catálogo independiente que es Vector Sounds. Una buena ocasión para profundizar en el repertorio y conocer no solo lo que de free se hace por estos lares sino hacia dónde camina el jazz moderno.
Desde su ábum de debut (Soños e delirios, Nuba Records, 2008), la percusionista Lucía Martínezha demostrado que es una exploradora nata. La mezcla de influencias (folk, rock) con sus dotes especulativas (improvisación, riesgo) la colocaban en un lugar muy interesante dentro del panorama jazzístico. .En esa línea, su última grabación, un trío junto al bajista Baldo Martínez y el saxofonista Juan Saiz, resulta un paso muy avanzado, con temas muy especulativos y rompedores donde el ruido y lo atonal se acompañan de un nivel emocional claramente perceptible. Lucía participó junto a Baldo en Proyecto Miño, mientras que este último formó junto con Saiz Nu2, quizás de ahí, de estas uniones, ese nivel emocional...
La experimentación es, quizás, la parte importante de este disco, lleno de temas arriesgados basados solo en el sonido natural del contrabajo en todas sus posibilidades, la versatilidad de la batería y en la presencia de Saiz (quizás el experimentador más arriesgado de los tres), que alterna flauta, piccolo y los saxos tenor y soprano. Esto da más color si cabe a los temas, que evolucionan uno tras otro en una gigantesca pero frágil partitura en la que cada momento cuenta.
"X", por ejemplo, es un tema compuesto por Saiz donde el tempo cambiante y el riesgo forma una falsa estructura donde los instrumentos se desafían a seguir el ritmo para, al final, conseguir un equilibrio y una paz inesperadas. "Freaks" (Baldo Martínez) es otro ejercicio de ritmo. Basado en el poder del contrabajo como aglutinador en todos los combos de jazz, dirige desde las cuatro cuerdas una especie de ejercicio de contemplación, llamada y respuesta, muy original.
De los temas escritos por Lucía Martínez, destacaría "Bloque nº1", donde destacaría la expresividad de un ritmo lleno de ansiedad, con una tensión estremecedora, y "Responso", que muestra a los tres músicos buscando sonidos imposibles a sus instrumentos, con ritmos desestructurados y una total ausencia de corsés para luego evolucionar hacia una melodía de aires celtas que enlaza con discos emblemáticos como Proyecto Miño, el proyecto de Baldo donde también ha participado Lucía. El último tema (una "Nana" compuesta por Baldo Martínez en la que una paz bucólica surge de las percusiones y unos vientos que casi suena a Grieg) es el destino de todo este viaje de especulación e improvisación.
En resumen, un disco valiente, como suelen ser los de estos tres músicos, para quienes aprecian la especulación en el jazz.
Marcel·lí Bayer & Toni Saigi, Two Horses, (Underpool, 2019)
Marcel·lí Bayer es uno de nuestros aventureros favoritos. Investigador constante, armado solo con sus saxos, lleva recorridas odiseas tan interesantes como 1680(Discordian Records, 2014) o el inesperado Niketchrin (Creative Sources, 2017). Es uno de esos pioneros que sacuden cada semana 23 Robadors en una búsqueda constante y no siempre fructífera de ese eterno mito que es el futuro del jazz. En esta nueva aventura viene armado solo con su soprano y acompañado del pianista Toni Saigi, de quien hablamos hace tiempo sobre su disco de presentación con su cuarteto Tronik.
La apacible fotografía de Alexandra Garzón que llena la portada y un inspirado fraseo de Bayer son los puntos de partida de este trabajo tan poco usual. 14 temas compuestos expresamente para este dúo pensando en las tesituras y los lenguajes propios (y comunes) del piano y del saxo soprano. Dentro de la heterogeneidad del setlist, con temas impresionistas unos ("Zig Zag Ninja") y swingueantes otros ("Ready for Tony"), pero todos líricos, la delicadeza con que ambos músicos afrontan los temas es sobrecogedora. No hay estridencias ni salidas de tono ni fuegos artificiales, la libertad se expresa desde lo íntimo y desde la técnica. Es un jazz que va más allá del free, de lo experimental, de ese jazz que especula y que busca, porque Bayer y Saigi encuentran.
Sin ser válida la comparación, hace unas semanas hablábamos de otro dúo, el formado por Aruán Ortiz y Don Byron, tan anclados en una estética de música clásica (podrían llamarlo Third Stream si les place) como en su papel de experimentadores-en-busca-de-algo. El caso de Bayer y Saigi da un resultado más placentero, más plástico, porque ahonda en el propio lenguaje de sus instrumentos y, como decía más arriba, de los puntos comunes entre ambos instrumentos (y entre ambos músicos) en cuanto a color, armonía, personalidad...
Porque una de las cosas más dignas de celebrar del dúo es la diferencia de ambos músicos cuando los escuchamos por separado. Saigi, en su disco de presentación (La Prinsire de la Sal) se desvelaba como un jazzista puro, con personalidad pero con el oído puesto en la tradición (léase Monk, Mingus...) mientras que Bayer se ha mostrado siempre como un innovador y un experimentador nato capaz de hacer discos a saxofón solo sin que resulten chocantes. Ritmo versus minimalismo, el lenguaje armónico del piano contra el del saxofón rebelde. Los dos improvisadores por naturaleza. La emoción está servida.
Julián Sánchez, Luz Prado, Juan Masana, Javier del Barco, One Two Free Fall (Underpool, 2017)
Creo que fue Robert McKee quien escribió que el arte consiste en poner orden en el caos. O quizás fuera Sartre... Escuchando el álbum que hoy nos ocupa, con su singular dialéctica entre los músicos, con sus armonías y melodías que se deshacen y se reordenan de manera alternativa y (en apariencia) aleatoria pero siempre excitante, llego a la conclusión de que quizás exista realmente una narrativa (no sólo musical) donde el orden no es necesario o donde ciertamente es posible hacer del desorden un arte.
El álbum, One Two Free Fall, es el proyecto de cuatro músicos que se acercan al free jazz como todoterrenos. Lideran el trompetista granadino Julián Sánchez (Parkerland Nonet, Pedro Cortejosa Septeto) y la violinista Luz Prado, cuyas improvisaciones desvelan experiencia, energía y una expresividad enormes. Completan el cuarteto el contrabajista Juan Masana y el versátil Javier del Barco. Avant-garde, música contemporánea, free..., estéticas que se entrelazan y, en ocasiones, colisionan en este disco.
Desde el comienzo, con un tema lleno de efectismos cambiantes, sorpresas y mucho sentido del humor, el cuarteto demuestra que mira más allá de lo posible y de lo explorado. Parece no haber guión ni un ritmo determinado. Se titula "I Don't Know Why But I Like It" y hace honor al título. Engancha. "Marmeládov" se mueve a través de un seductor tempo en el que juegan contrabajo, toms y charles, con Sánchez sobrevolando el tema principal con un toque cool, con o sin sordina, muy intenso e inspirado, hasta que el tema cae en el abismo del desorden y el caos y recordamos que estamos escuchando free jazz. En ese momento, Prado asume el poder con una furia que, finalmente, se va transformando en lirismo roto.
"Poco a poco" entra swingueante con un riff de contrabajo que hipnotiza. Trompeta y violín se unen buscando una atonalidad cercana al soul jazz pero más próxima a una estética mingusiana que a la comercialidad del hardbop. Sigue "Lonely", un tema lento donde Sánchez utiliza la corneta, un corte que mantiene una tensión fantástica durante casi 9 minutos y que da paso a "A Pique D", un groove enérgico, donde la sección rítmica se lanza mientras Sánchez ejerce de bopper con una modernidad tan libre que descoloca. Es un tema lleno de cambios de ritmo y de registro, y no se queda ahí. Está compuesto por Julián Sánchez, como todos los temas excepto el que sigue, titulado aquí "Loves" y que, en realidad, está basado en dos composiciones anteriores: "Love in the Garden" de Zbigniew Seifert (violinista de Tomasz Stanko en los 70) y "Love in Outer Space" de Sun Ra. En esta pieza hay elementos de música concreta, como timbres y otros objetos. Las percusiones (donde también contribuye Sánchez) y el juego bajo-batería convierten este tema de sonoridades improvisadas en una especie de danza surrealista. El álbum termina con "Requiem", liderado por la lacónica melodía del violín. Solos inesperados y un final acorde dan sentido al tema y ponen, como si dijéramos, orden en el caos.
