BOP ELEGANTE Y SOSEGADO

ALAN BROADBENT, Trío In Motion (Savant, 2020)

Cuando escucho al pianista Alan Broadbent tengo la sensación de estar escuchando una gran enciclopedia del jazz, una enciclopedia excitante llena de sonidos y más sonidos, recursos que presiento haber escuchado antes y que resultan nuevos, tal es la capacidad de improvisación de Broadbent, tanto en sus discos a piano solo como con orquesta o como sideman (Pat Metheny, Charlie Haden Quartet West, Diana Krall, Shirley Horn). Con su trío presentó en noviembre un nuevo álbum llamado Trio In Motion, donde ha grabado acompañado por el contrabajista Harvie S y el baterista Billy Mintz, un combo que lleva ya bastantes años funcionando y cuyo último trabajo fue New York Notes, de 2019.

El disco contiene algunos temas originales y también homenajes a pianistas clásicos como Lennie Tristano ("Lennie's Pennies"), Tadd Dameron ("Lady Bird") o Dave Brubeck ("Late Lament") y, yendo más allá, versionan a Louis Armstrong, Charlie Parker y John Coltrane, convirtiendo el álbum en una colección que reúne la esencia del bebop pasada por el tamiz y la personalidad de un pianista elegante e imaginativo que suma a los originales su experiencia como improvisador.  

De su prolongada relación musical como trío se deduce una complicidad no exenta de riesgo, experimentación, sorpresa. Harvie S, que fue pianista antes de pasarse al bajo, produce el disco y dirige de alguna manera muchos pasajes. Su rápida digitación ("The Hymn", "Lennie's Pennies") y la manera en que en algunos temas se produce un diálogo entre piano y contrabajo es, simplemente, fascinante. Billy Mintz, por su parte, es ese tipo de baterista moderno, versátil, capaz de sonar bop sin imitar a los clásicos. 

Por destacar algo del disco, que, en su conjunto, es todo un abanico de recursos que pide una y otra escucha, destacaría la versión de "Like Sonny", donde Broadbent transporta con elegancia al piano la melodía de Coltrane, que a su vez tradujo en este tema la manera de tocar de Sonny Rollins. Todo un viaje. 



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* Web: www.alanbroadbent.com

ABSTRACCIONES

KEVIN SUN, (Un)seaworthy (Endectomorph Music, 2020)

Cada vez que nos llega un nuevo disco del saxofonista neoyorquino Kevin Sun, debemos poner en modo on nuestra capacidad de sorpresa. Su tercer álbum, (Un)seaworhty mantiene alerta al oyente con una nueva entrega de sus teorías sobre un jazz abstracto y personal que, sin embargo, llega al alma sin pasar por el cerebro. Un trabajo que aparece un año después de su brillante y apabullante The Sustain of Memory de 2019, un disco doble que incluía tres suites conceptuales a trío y quinteto en las que expresaba su filosofía sobre la niñez, la ambición y la identidad.

Además de músico, Kevin Sun es licenciado en Arte por Harvard, su búsqueda de la estética perfecta se refleja no solo en la belleza inusual, rítmicamente compleja, de su música sino también en sus escritos en revistas digitales como Music & Literature y Jazz Speaks, así como en su blog (The Jazz Gallery) y, por qué no decirlo, en las portadas de sus discos. Armonías complejas más allá de lo atonal, ritmos aparentemente desestructurados, abstracción en el sentido más artístico de la palabra. 


(Un)seaworthy es un álbum breve, de apenas 35 minutos, cinco temas extensos que exploran las fronteras del ritmo, llegando a jugar con el tenor como si fuera otro instrumento de percusión, buscando siempre la tensión, esencial para capturar la atención y desencadenar la emoción. navegando por el mar de la improvisación, como dice Jacob Shulman en las notas del disco, "sin garantías de que la nave sobreviva al viaje". Pero, ¿no es ese el riesgo que debe asumir todo músico de jazz?

Su trío, con Walter Stinson al bajo y Matt Honor a la batería, tiene una media de edad asombrosamente corta. Quizás es este descaro, más propio de la valentía de la juventud que de la experiencia, lo que les permite improvisar sin límites, sin clichés preconcebidas. Tras tres discos, la sección rítmica dialoga con Sun con una complicidad envidiable dentro de la complejidad de las composiciones y lo que supone improvisar en este abrupto terreno. El resultado es un disco sorprendente, como todos los de Kevin Sun (incluyendo también sus otros proyectos, como Earprint, donde le escuché por primera vez), porque (Un)seaworthy es un álbum pasional, valiente y abierto a nuevas emociones en cada escucha.

Foto de Jessica Carlton-Thomas

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ECLÉCTICO Y DELICADO

RAFA M GUILLÉN & THE JAZZ WALKERS, 
Shining Forever (Sedajazz Records, 2020)

El segundo disco del trombonista Rafa M. Guillén es una colección de temas (originales y standards) que se mueven en distintas estéticas dentro de un mismo estilo, con un sonido ecléctico y delicado, sin estridencias ni fuegos artificiales. Guillén se muestra como un instrumentista versátil que mantiene su estilo personal en cualquier terreno, ya sea funk, flamenco jazz o latin jazz.


Formado en la clásica, Rafa M. Guillén entra en el jazz a través de Sedajazz y, más tarde, en el Aula de Música Moderna y Jazz del Conservatorio del Liceu de Barcelona. Su combo, The Jazz Walkers, son un quinteto de hardbop formado por Ángel Andrés Muñoz al piano, Julio Fuster al contrabajo, Nacho Megina en la batería, Ramón González "El León" en las percusiones y el propio Rafa M. Guillén al trombón, al que se suman numerosos invitados para pasearse, dentro de su propio estilo, homogéneo, suave, de tiempos medios, por inspiraciones funk, en las que aparece el guitarrista Luis Casado y, ampliando la sección de viento, los tenores Ramón Cardo (en "Verde Mediterráneo") o Leandro Perpiñán (en "Pick Up The Pieces"), con quien el trombonista mantiene una conversación muy interesante como colofón a su solo. En este tema, Muñoz se pasa al órgano con un espíritu funky muy inspirado. 



También podemos escuchar una versión muy bien arreglada de "Mojo" (Monty Alexander) con el espíritu de las second line de Nueva Orleans, o jazz latino con temas como "My Dear Friend" de Ricky Rodriguez (donde los solos de David Pastor Francisco Blanco "Latino" a la flauta preceden al de  Guillén, que desemboca en un brillante solo de piano) y sambas ("O Bebado e a Equilibrista" y "Caipiniña", ésta original de Guillén).

El álbum incluye también temas donde elementos del flamenco (palmas, cajón) se integran con elegancia en el esquema tranquilo y fluido del quinteto, como "Rumba de la corredera" (Rafa M. Guillén), donde aparece, junto a músicos flamencos, el saxo alto de Perico Sambeat, o "Song For The Jazz Walkers" (Ángel Andrés Muñoz), una soleá por bulerías con arreglos de jazz en la que escuchamos el tenor de Pedro Cortejosa, ambos temas con arreglos del pianista Ángel Andrés Muñoz, cercanos y a la vez lejanos a aquellos primeros experimentos de jazz mediterráneo con fusiones flamencas del primer disco de Ximo Tébar (Son Mediterráneo de 1995), porque aquí todo suena a jazz, de esencia hardbop, funk, con vientos bien arreglados y aires tranquilos. 

Cambiando una vez más de estilo, el álbum termina con el nostálgico "Shining Forever", un bolero original, muy atmosférico, donde Guillén recuerda a su hermano desaparecido. 

El disco, editado por Sedajazz, fue grabado en directo en el estudio, concretamente en Córdoba, con pistas adicionales añadidas grabadas en Granada, Valencia y Gerona, consiguiendo un sonido fresco y natural, que refleja la filosofía del grupo de una manera homogénea a pesar de las influencias tan variadas, un estilo que se mueve dentro de canon a media voz, de una manera delicada, buscando más la perfección que el circo. Recomendable. 




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INTROSPECCIÓN ESPIRITUAL

THOMAS RÜCKERT, A Rose E'er Blooming (Riverside, 2020)

Cuando aún late el espíritu de la navidad dentro de casa (en España quedan por llegar los Reyes Magos), nos llega un álbum de jazz a piano solo que resume con un jazz moderno, lírico y ecléctico los conceptos espirituales del solsticio de invierno para los europeos. A Rose E'er Blooming es una plegaria, una declaración de fe sobre estructuras musicales sagradas alemanas de la época medieval que son reinterpretadas con la libertad de la improvisación y un abanico de recursos que hace apasionante su escucha. Su autor es Thomas Rückert, reconocido pianista y compositor de jazz germano que se define en su web como artista improvisador, inspirado por el lema "No toques lo que conoces" de Lee Konitz, con quien trabajó en Nueva York, donde grabó sus primeros álbumes como líder en formato de trío. 

Su biografía dice que de niño estudió piano, saxofón y percusión, decantándose por el piano y tomando sus primeros alumnos con 17 años. Su estilo, elaborado, sutil en los cambios de acordes, de improvisador natural, se nota en este disco, donde esas melodías medievales de las que hablamos fluyen con naturalidad en esquemas modernos, igualmente líricos, pero dentro de los cánones que espera el oyente de jazz actual. 


Producido por Ralf Kemper (Alan BroadbentJimmy ScottMike Herting) y grabado en los estudios Riverside de Colonia (Alemania), el álbum de Rücket despliega toda una serie de influencias sobre las melodías originales al servicio de la expresión, desde jazz, gospel, folk, el contrapunto de la música clásica occidental, incluso estructuras de las músicas hindú y africana; todo ello con la libertad de estar solo en el estudio frente a un Steinway D grand piano.  

El primer tema que suena en el álbum es "Early Shepherd", basado en un villancico tradicional alemán ("Ihr Hirten, erwachet!") de compositor desconocido que Rückert reinventa aquí con cambios de acordes inspirados en el Bill Evans más joven. Suena así. 


 

Esto da un idea de por dónde se mueven las exploraciones del pianista. Casi todos los temas son tradicionales de la música antigua alemana excepto, por ejemplo, "Malari Dumpa", donde mezcla dos temas, el hindú "Malari" y el tema austriaco, también de autor desconocido, "Es wird scho gleich dumpa", haciendo convivir armonías y melodías que se alternan en un diálogo fresco, festivo y también espiritual. En este orden de cosas, "Aumcara Mantra" es la recreación un mantra original de la comunidad Aumcara para invocar la presencia de Dios. Aquí comienza con unos acordes folk que derivan a una melodía apasionada y moderna. El disco termina con un villancico tradicional alemán ("Gottes Sohn ist gekommen"), titulado aquí "Transition", con una improvisación llena de blues.

Una obra que nace de lo personal y demuestra que la improvisación es la manera más personal de expresar lo espiritual. 


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* Web oficial: thomasrueckert.com

HAPPY JAZZ CHRISTMAS

GABRIEL LATCHIIN TRIO, 
I'll Be Home For Christmas (Alys Jazz, 2020)

Como todos los años, ando buscando un disco para poner banda sonora a la Navidad sin que ello suponga salirnos de lo que nos apasiona: el jazz. Y este año, andaba curioseando por las tiendas de Internet cuando mi amigo Xose Miguélez me envió una de esas recomendaciones que nos apasionan: un disco de trío de piano a cargo del británico Gabriel Latchin inspirado en temas del songbook navideño, temas que ya hicieron Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Chet Baker... y pianistas como Diana Krall, y que siempre suenan festivos... y nuevos. 

¿Qué hay de nuevo en la grabación de Gabriel Latchin? Probablemente, lo más novedoso sea la sensibilidad con que ataca los temas. Hay mucho swing (swing moderno) en los temas, pero huyendo del staccato y profundizando en el color, algo que puede parecer menos moderno pero que resulta más excitante y complejo. Y nos gusta. Es el tipo de jazz que suele sonar en mi casa mientras adornamos el árbol o colocamos el Belén pero también el tipo de jazz que uno disfruta en directo, si es posible en un local pequeño y muy cerca del pianista, donde se puedan apreciar los movimientos de sus dedos.


El trío lo completan el contrabajista Darío Di Lecce (George Garzone) y el baterista Josh Morrison (Stacey Kent, Dave O'Higgins). Los tres músicos interpretaron por primera vez este repertorio en un espectáculo con todas las entradas agotadas en el Pizza Express Jazz Club de Londres, en Diciembre de 2019. En agosto de 2020 entraron en el estudio para grabar el álbum con la idea de que, como dice Latchin: "Muchas de estas canciones festivas fueron escritas en los años 30 y 40, la misma época que los propios estándares clásicos del jazz. No dudo que muchas de estas bellas melodías se disfrutarían todo el año si la Navidad no estuviera en el título."

Con tres instrumentos de ritmo entre las manos, el trío juega constantemente a la sorpresa, a una sorpresa constante, elegante y sin estridencias, como en el delicioso el giro hacia la bossa de "The Christmas Song" o la manera en que Latchin reescribe la melodía de "Jingle Bells" dándole la vuelta y jugando con la síncopa a toda velocidad. (Admito una predilección personal por "Jingle Bells", un tema cuyas versiones de jazz se me vienen a la cabeza todo el año cuando alguna situación requiere energía o cuando el entusiasmo me invade). El guiño a "Blue Monk" en "Santa Claus Is Comin' To Town" resulta tan simbiótico que casi pasa desapercibido integrado en el alma de tema. La locura en que convierte "Rudolph the Red-Nosed Reindeer" o las notas de blues en "Silent Night" son solo algunos detalles por los que merece la pena escuchar el álbum de Latchin.

Si piensan en música, regálense este álbum lleno de espíritu navideño y de la felicidad del jazz, que vienen a ser cosas similares. ¿O no debería estar todo el año lleno de ambas cosas? Les deseo una feliz navidad llena de ritmo y un próspero año nuevo donde todo suene a buen jazz.




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* Web oficial: www.gabriellatchin.com

* Fotos: Rob Blackham.

DE LA BELLEZA Y LA ESPERANZA

FRED HERSCH, Songs from Home (Palmetto Records, 2020)

Para celebrar su cumpleaños número 65, el prolífico Fred Hersch ha lanzado un nuevo álbum grabado a piano solo, algo a lo que nos tiene acostumbrados pero, en estos tiempos de obligado encierro, sus Songs from Home contienen una carga emocional adicional que se percibe en su manera de tocar. Son tiempos difíciles y Hersch ha buscado en su interior para regalarnos, con su habitual expresividad y su capacidad de inventiva, nuevos temas, muy íntimos, clásicos revisitados y la nostalgia de algunos temas pop que ha reinventado dentro de su universo jazzístico. 
 
Muchos hemos tenido que reinventarnos este año, redefiniendo los límites o el alcance de nuestras creaciones pero, en el caso de quienes escriben (música, cine, literatura, teatro...) ha sido un año donde los encierros obligatorios han contribuido a una mayor productividad. Si sumamos que tiempos malos siempre alimentan la creatividad y generan obras de mayor y calidad, debemos esperar maravillas como la que Fred Hersch nos acaba de regalar. 
"Al principio de la pandemia, como muchos de nosotros, me sentía indefenso. Me habían arrebatado (y todavía lo hacen) las cosas que más amaba (hacer música con gente frente a gente) -dice Hersch en las notas del disco-. Así que yo, de manera espontánea, comencé a subir mi "Melodía del Día" a Facebook cada día a la 1 de la tarde durante algunas semanas. Tocaría solo lo que me apeteciera en el momento con la esperanza de aportar brillo al día de alguien en algún lugar del universo virtual. Recibí los comentarios más encantadores y eso fue para mí una gran ayuda porque estaba luchando contra la pérdida de mi propia identidad."
Por suerte para él, el piano es un instrumento que se defiende solo. Así, como hizo en su anterior y recomendable Open Book de 2017, decidió expresar su impotencia tocando. 
 

Pero no hay tristeza ni angustia en los temas de Songs From Home sino todo lo contrario. Grabado en agosto de 2020 en su segunda residencia, en los bosques de Pensilvania, Hersch expresa en este disco la felicidad de vivir y haber vivido, en temas propios como "Sarabande" o el bellísimo "West Virginia Rose" (que mezcla con el tema tradicional "The Water is Wide") o versionados como la deliciosa "When I'm Sixty Four" de The Beatles.

Desde el primer tema, "Wouldn't It Be Loverly" de My Fair Lady, Hersch rebusca en sus recuerdos la positividad necesaria para el álbum. Las bandas sonoras forman parte de sus primeros recuerdos musicales de la niñez, mientras que "All I Want" de Joni Mitchell pertenece a sus recuerdos de instituto. Todas son canciones significativas, con mensajes claros relativos a la situación actual, como "Get Out Of Town" (Cole Porter) o el "Solitude" de Ellington, en cuya lacónica versión alcanza el disco su punto más emocionante, con todo el significado que hay detrás de cada nota. Finalmente, el álbum se despide de una manera optimista con la versión citada de Lennon & McCartney.

Recomiendo este Songs from Home con la misma fuerza con que recomiendo seguir soñando a pesar de los tiempos extraños que vivimos. Busquen la belleza, persigan la esperanza. Todo eso está en este disco.

Les dejo esta version de "All I Want" de Joni Mitchell.

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* Web: https://fredhersch.com

* Foto: Jim Wilkie.

BILL EVANS FOREVER

BILL EVANS Live At Ronnie Scott's (Resonance, 2020)

El lanzamiento de un disco de Bill Evans es siempre una buena noticia. No nos cansamos de escuchar sus sesiones, que siempre aportan algo nuevo al oyente atento porque, aunque comentaba siempre que "la música hay que sentirla, no pensarla", cuando leímos su biografía nos dimos cuenta de que siempre estaba investigando las partituras desde muchas ópticas en busca, siempre, de algo nuevo. Y algo nuevo es este concierto grabado en el Ronnie Scott's de Londres en julio de 1968 que aparece ahora, como un milagro, de entre los archivos de Jack DeJohnette. Lo publica Resonance Records en CD, digital y también en una interesante edición en LP doble. 


La grabación, recuperada del olvido, tiene todos los defectos de una grabación en directo, con sus ruidos de fondo, su público y sus fallos. No obstante, hay un posterior y brillante trabajo de masterización a cargo de George Kablin y Frank Gala que nos permite apreciar, sobre todo, el color en los instrumentos a pesar de haber sido grabado con un pobre equipo hace más de 50 años.


Siempre vale la pena escuchar una grabación de Bill Evans, sobre todo si ha sido grabada en directo. Cuando uno escucha tocar a Bill Evans, puede escuchar cómo piensa, cómo discurre, analiza e improvisa. Pensando en esto, recuerdo que siempre me ha sorprendido su actitud contradictoria respecto al jazz. Afirmaba una y otra vez que le sacaba de quicio "que la gente quiera analizar el jazz como si fuera un teorema intelectual. No lo es. Es sentimiento”, decía. Sin embargo, en su discografía se aprecia su investigación personal sobre armonías, sobre compositores clásicos, que le llevaba continuamente a teorizar sobre su propia música, aparentemente ajeno a ese "sentimiento". Lo explica muy bien Peter Pettinger en su biografía de Evans titulada My Heart Sings (publicada en España como Vida y música de Bill Evans), de la que hablé en cierta ocasión.

La fuerte personalidad de DeJohnette y los solos de Eddie Gomez marcan una diferencia fundamental en este trío efímero que apenas duró seis meses de 1968 porque, durante esta estancia en el Ronnie Scott's, apareció Miles Davis, "descubrió" a DeJohnette y lo fichó para su banda. Evans lo sustituiría por Marty Morell a finales de ese año. Sin embargo, el trío Evans-Gomez-DeJohnette ganaría un Grammy por Bill Evans at the Montreux Jazz Festival, que los tres grabaron para Verve dos meses antes de la sesión de la que hoy hablamos. 

Resonance Records pertenece a la Rising Stars Jazz Foundation, una entidad sin ánimo de lucro destinada a descubrir nuevos músicos. No es la primera vez que Resonance publica un inédito de Bill Evans. Antes publicó otras grabaciones del trío, tanto con DeJohnette como con Marty Morell a la batería. De ahí que este álbum no solo nos devuelva un momento de Bill Evans en el escenario sino que nos hace preguntarnos: ¿Cuánto Bill Evans hay más por sacar a la luz? Bill Evans forever.


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* Más info: https://resonancerecords.org/artists/bill-evans/

* Fotos: François Jacquenod para GM Press. 

JAZZ DESDE AGUAS INTERNACIONALES

EMILIO SOLLA TANGO JAZZ ORCHESTRA,
Puertos: Music from International Waters (Avantango, 2019)

Estos días está tocando en España el pianista argentino Emilio Solla, ganador hace unas semanas del Grammy Latino al Mejor Álbum de Jazz con su Tango Jazz Orchestra, compitiendo con nominados como Chick Corea, David Sánchez, Afro Peruvian Jazz Orchestra y Miguel Zenón. Solla no es solo un heredero de la fusión étnica iniciada por Piazzolla sino que lleva años desarrollando una investigación personal en las fronteras de aguas tan internacionales como el jazz, el tango, la fusión... a través de múltiples proyectos en España y Nueva York (Emilio Solla & The Tango Jazz Insiders, donde estaban Chris Cheek, Juanjo Mosalini, Edward Perez y David Xirgu; Tributango, NY Tango Project, Jazz Sinfonica + Edmar Castañeda...). 

Su disco ganador, Puertos, es una metáfora de las migraciones de la música, con tintes autobiográficos de un músico afincado en Nueva York, donde ha acompañado a gigantes de la talla de Paquito D'Rivera, Wynton Marsalis... Y lo ha compuesto a ritmo de tango, jazz, con la potencia de una big band y con invitados tan especiales como Arturo O'Farrill (en "LLegará, llegará, llegará").

El resultado es una mezcla de influencias que fluye de una manera sorprendentemente (o no tan sorprendentemente) natural. Cada tema está está escrito en honor a un puerto que ha sido fundamental en el desarrollo del jazz y del tango o de la música de Solla: La Habana, Montevideo, Benguela, Buenos Aires, Nueva York, Cartagena, Cádiz y Nueva Orleans.

Esta semana está en Canarias para inaugurar el IV Festival Internacional El mundo en un piano junto a los pianistas Federico Lechner y Constanza Lechner.

Y un vídeo más, en homenaje al fallecido Lee Konitz, la noche que tocó con la Tango Jazz Orchestra de Emilio Solla en el Dizzy's de Nueva York el 22 de octubre de 2018. ¡Fascinante cómo el tema nace y crece con estos músicos!


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* Más info: www.emiliosolla.com 

JAZZ EN LOS ALREDEDORES

FÉLIX ROSSY QUINTET LIVE, 
Looking at the Surroundings (Underpool, 2020)

El joven trompetista Félix Rossy (Barcelona, 1994) publica en Underpool su último disco, un concierto grabado con su quinteto en Nota 79 de Barcelona el 17 de Julio de 2019 (más un tema rescatado de un concierto en un escenario tan singular como La Pedrera de Gaudí en Julio de 2018), registrado en directo, su sonido crudo, acústico, sin la asepsia del estudio de grabación, hace que  la música suene más viva, más auténtica.


Félix Rossy es un ejemplo del músico de jazz en nuestro país. Es un artista de calidad, imaginativo, que lleva tocando desde pequeño, que sigue en la brecha, que suma ya una abundante discografía a sus 26 y al que le falta ese empujón de la publicidad que manejan los medios y los festivales. En muchas conversaciones, su nombre suena desconocido, pero quienes lo han escuchado lo valoran con adjetivos siempre positivos. Yo lo escuché por primera vez como músico invitado en el disco de su padre, Jordi Rossy, titulado Wicca (FSNT, 2007) con 13 años, y después, ya con nombre propio, en Introducing Félix Rossy, que grabó con 17 para el mismo sello. 

Ahora, con Looking at the Surroundings, nos muestra, con la crudeza del directo, una personalidad madura en su forma de tocar, donde se aprecian muchas influencias y ninguna en especial. Sus composiciones (cuatro en este disco) se mueven en esquemas de hardbop progresivo que, por momentos, se acerca al free jazz. El tema que da titulo al álbum, por ejemplo, es una balada anclada en la tradición con un sonido moderno y nada edulcorado, donde el solo del pianista Davis Whitfield camina en en algunos momentos muy cerca de lo atonal. 

Sin adoptar un protagonismo absoluto dentro del quinteto, se percibe su toque personal en toda la escucha de Looking at the Surroundings. Como trompetista, es de los que saben usar la técnica sin artificios ni derroche. No abusa de las notas altas de la trompeta, quizás algo que le diferencia de otros solistas. Se mueve en tiempos medios y con fraseos medidos, algo que aporta tensión y genera expectativas en el oyente que luego resuelve con estilo. Como compositor, juega con todos estos elementos y, como debe ser, con todo el quinteto: los solos pertenecen a todos los músicos. Quizás esta generosidad decepcione un poco si esperan el disco de un trompetista, pero sigue siendo eso, generosidad, el material que une a los combos de jazz.

Un disco muy recomendable. Por cierto, también disponible en vinilo.

Este es el tema que abre el disco, una composición del baterista Andreu Pitarch:



Los músicos del quinteto son: Félix Rossy (trompeta), Tomeu Garcías (trombón), Davis Whitfield (piano), Benjamin Tiberio (contrabajo) y Andreu Pitarch (batería), con la colaboración de Rita Payés al trombón (en "Kike's Blues") y voz (en "Incandescent").

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* Web; https://www.underpool.org/releases/lookinng-t-the-surroundings-felix-rossy/

* Foto: Roger Roca.


CANCIONES DE EXPERIENCIA Y EMOCIÓN

PEPA NIEBLA, Renaissance (2020)

Con Renaissance nos llega el álbum más personal de la cantante, nacida en Andalucía y radicada en Bruselas, Pepa Niebla. Formada musicalmente en Granada, Cuba y Londres, es una cantante con una voz fresca, nítida y muy personal. También aporta letra y música a cinco canciones del disco (más una letra en un tema del guitarrista Toni Mora), composiciones que hacen de este álbum en un proyecto muy personal, una declaración de intenciones. 

Pepa Niebla es una artista que ha recorrido escuelas y escenarios de Europa y Estados Unidos buscando su estilo. Renaissance llega como culmen de otros muchos proyectos que comenzaron con Pepa Niebla Project (Producciones Peligrosas, 2004) y pasaron por Pepa Niebla & Ricky Vivar.

Su nuevo disco, grabado en Granada y Bruselas y mezclado y masterizado en Nueva York, muestra un jazz muy ecléctico, heredero de muchas influencias, no solo jazzísticas, que van desde el poprock de los 80 hasta la música cubana, pasando por influencias vocales muy contemporáneas (Dianne Reeves, Gretchen Parlato...), y una cantante con un estilo muy neoyorquino, limpio, elegante pero no estereotipado, donde conjuga ritmos y armonías como si su voz fuera un instrumento más, a pesar de que se nota que da la misma importancia a las letras, profundas y comprometidas. La música y las letras hablan, en general, de experiencia y esperanza.

En las letras, ahonda en los sentimientos, en la emoción, reivindicando la parte "real" de la vida, las relaciones, lo verdaderamente importante, con reivindicaciones hechas desde lo humano (no lo político), como "Renaissance", una historia de anhelos e inseguridades contada de una manera muy bella, tanto la poesía de la letra como la música, como pueden escuchar en el vídeo. Uno de los standards del disco, "God Bless The Child" de Billie Holiday, ahonda en esta filosofía social y emocional y Pepa Niebla lo convierte en suyo trayéndolo a su terreno y a su propio estilo con solvencia. Los temas de amor también aparecen, llenos de metáforas y narrados con sensibilidad, tanto en los originales (el triste "Words If You Allow") como en el otro clásico que versiona (el energético "Our Love Is Here to Stay", de los Gershwin).

Cabe destacar la presencia de una banda encabezada por Toni Mora a la guitarra y Maxime Moyaerts al piano, dos solistas que construyen una especie de espejo instrumental donde se refleja muy bien lo que es la voz de Pepa Niebla. En la sección rítmica, Alex Gilson en el contrabajo y Daniel Jonkers a la batería completan la base perfecta para la expresividad de la cantante y compositora.



También les dejo esta entrevista de 2018 donde Pepa Niebla habla alto y claro sobre lo que cuesta convertirse en músico y también sobre el panorama actual del jazz en España.


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* Web oficial: www.pepaniebla.com