AIRE FRESCO

EME EME PROJECT, Pacemaker (2022)

Desde el diseño ochentero de la portada, uno sabe que no se encuentra ante cualquier disco que se publica en España. Eme Eme Project mira hacia la música negra sin complejos, con una sólida propuesta musical que fusiona, con un estilo atemporal, funk, jazz y hiphop en los labios de su líder, la flautista Marta Mansilla, compositora, improvisadora y con un lenguaje muy personal, lleno de soul y virtuosismo.

Foto: At. One
Marta Mansilla es una instrumentista nacida y formada en Madrid. Graduada en el Conservatorio Profesional de Amaniel, se formó en la Escuela de Música Creativa, La Escuela de jazz de Galapagar y La U Flamenco, con profesores como Jorge Pardo, Javier Colina, Guillermo McGill, Patxi Pascual y Bob Sands, entre otros. Ha colaborado con artistas de pop, reggae y hiphop, una de las influencias más patentes en este disco, donde podemos apreciar por encima del resto de instrumentistas su estilo elegante, limpio y elocuente en el fraseo, dulce, sincopado o vertiginoso como en "Intro", donde tenemos que escuchar necesariamente las respiraciones, con ese ritmo que es como un flash y que la obliga a mantener el tipo casi sin respirar el minuto y medio que dura el tema. 


Su uso de las síncopas, repeticiones, su intensidad y, sobre todo, el alma que pone tocando (qué maravilla "Pacemaker") eleva cada tema a un nivel superior. Es de esos instrumentistas que uno desea escuchar en directo. Sin ánimo de comparar, su manera de mezclar canciones e improvisación y su intensidad al tocar recuerdan (salvando las distancias y las diferencias) a los directos de Patax, y su forma de frasear sin límite nos lleva en muchos momentos al mejor Jorge Pardo. 

Foto: Antonio Rubio Roncero.

El repertorio está lleno de canciones y también de buenos momentos instrumentales protagonizados no solo por Marta sino por los músicos, especialmente, David Sancho al Rhodes, una combinación que nos transporta a otras épocas donde hacer buena música era la tónica general. En el proyecto aparecen también Jesús Caparrós al bajo eléctrico, Alberto Brenes a la batería, Virginia Alves y At. One como vocalistas, y colaboraciones como Mauricio Gómez al saxo y Miguel Gil a la guitarra.

En resumen, una instrumentista por descubrir, que aporta aire fresco al panorama, y un álbum lleno de momentos fabulosos, especialmente instrumentales, que nos recuerdan que el jazz mejora con las fusiones. Puede que a algunos aficionados al jazz despisten los temas cantados, muy americanos pero más cercanos al soul o al funk clásico que al jazz puro, pero las intervenciones de Marta y, sobre todo sus improvisaciones les sacarán de dudas.



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* Web: www.martamansillaflauta.com

LENTO Y CÁLIDO VERANO EN NEW ORLEANS

PETE'S BAND, Sailing the seas (2022)

Siempre es agradable que lleguen nuevos discos de dixieland, porque es un estilo fresco, divertido y estimulante que nos recuerda por qué nos enamoramos del jazz. Hoy estamos escuchando Sailing the seas, un álbum firmado por Pete's Band, grabado por partes (en los estudios privados de los músicos y en la Escola de Música Pausa durante el confinamiento y en diversas fechas de 2021 y 2022) y que nos trae clásicos del dixie y algunos temas nuevos, todos interpretados con seductoras cadencias lentas, de medio tiempo, como si el calor el verano de New Orleans, subtropical, húmedo y largo, hubiera imbuido a estos músicos catalanes su espíritu calmado y cálido.

Los músicos de Pete's Band son Joan Aragón, banjo y voz; Josemi Moraleda, contrabajo y voz; Cesc Montmany, saxo alto y voz; y Juan Molina, trompeta y voz. Suenan bien y a lo largo del disco se nota la compenetración y la seguridad con que atacan los temas, y el sonido feliz que consiguen, recordándonos aquella frase que daba título a un álbum de Enric Peidro, "la felicidad es una cosa llamada jazz".

Lo siguiente que toca decir es que el sonido del disco, ecualizado quizás para la sordina y el banjo, recuerda tanto a los viejos discos de dixie grabado en los años 20 que parece auténtico. Este factor estimula la imaginación, tanto como algunos temas del disco que, aunque son nuevos (escritos por los músicos de Pete's Band), rebozan esa frescura del dixie original. Es el caso de "Demons in my Dreams", escrita por Joan Aragón, festiva, muy en la línea de "On The Sunny Side of the Street" (McHugh), también presente en este disco. Sin embargo, otros dos temas de Aragón, las melancólicas "Nits Fredes" y "Xiulant Cançons d'Amor", tienen un aire en la melodía que se acerca por momentos al pop; por suerte, la base sigue siendo jazzy. "Blues For Kids" (escrito por Juan Molina), es un excitante tema que mezcla el ritmo del banjo con un chorus de vientos que suena hadbop y solos de trompeta de aire tradicional y callejero, un tema fabuloso. Hay también un tema del contrabajista Josemi Moraleda ("China Dream"), que fusiona melodías de street bands con armonías orientales de manera eficaz.

De una manera lógica, el disco termina con un tema callejero y breve que deja ganas de más ("Bourbon Street Parade", de Paul Barbarin).

"Just a Closer Walk with Thee" es un tema tradicional en el que el laissez faire de Louisiana se funde con la fiesta que hemos visto en sus calles. En este tema aparecen, además de la banda, Anna Luna (voz), Pep Poblet (clarinete) y Nil Boya (batería).




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* Más info: petesband.net

CONTRADICCIONES LÓGICAS

XOSE MIGUÉLEZ, Contradictio (Origin, 2022)

El disco anterior del saxofonista Xose Miguélez apuntaba hacia un bebop moderno donde aún existía el riesgo, con melodías donde huía de la autocomplacencia y buscaba siempre sonidos que rompieran con un posible estado de confort. En Contradictio, el proyecto sigue siendo el mismo, con nuevos sonidos, alguna vuelta de tuerca y un nuevo cuarteto (esta vez sin guitarrista) donde destaca el pianista Jean-Michel Pilc, a quien habíamos escuchado integrado en el jazz hispano en el disco de María Toro. El francés, nacionalizado americano, es un contrapunto perfecto a los fraseos y las líneas melódicas del tenor gallego y, junto con la sección rítmica formada por Carlos Barretto al contrabajo y Marcos Cavaleiro a la batería, contribuye a que este disco suene de una manera redonda, llena de groove y, por momentos, sorprendente, lleno de contradicciones que, escritas e interpretadas como están, suenan tan lógicas como lo que esperamos del jazz. lo conocido y la sorpresa.

Publicado por el sello americano Origin,
Contradictio podría pasar por un disco de jazz contemporáneo de algún músico neoyorquino. La voz de Xose Miguélez tiene esa cualidad de los fraseos clásicos, que suenan limpios y elocuentes sin buscar la perfección, la estética por la estética. Formado en ESMAE (Oporto) y con un máster en jazz en la Guildhall School of Music (Londres), Miguélez mira al jazz con una perspectiva donde no hay fronteras ni modas, buscando una voz personal que ya comienza a ser reconocible y que afianza en su segundo disco. No hablamos solo de los standards, por supuesto, que hay varios en el disco. Su forma de componer y arreglar es la misma, a caballo entre tradición y ruptura. Y, como ejemplo más rompedor, el álbum incluye dos versiones nuevas de "Ontology", el tema que daba título y abría su primer álbum. Aquí, sin guitarrista, suena más depurada, más intensa en su quietud. Además, el álbum termina con una versión a dúo del mismo tema, donde busca la esencia más íntima de la composición original y donde el diálogo entre saxo y piano es  realmente poético.


Este mismo código es utiliza también en "Someday My Monk Will Come", otro dúo pero con un espíritu muy diferente, donde el swing fluye entre el saxo y las teclas en un continuo contrapunto, frases que se enredan con frases, en un toma y daca continuo, complejo y bello a la vez. Lo más fascinante de un disco que, sin embargo, apasiona como cuarteto. Muy recomendable.



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* Web: xosemiguelez.com

* En Spotify: https://open.spotify.com/album/3ch93dyfdXavSs8k5yI3TY

STANDARDS, STANDARDS, STANDARDS...

VÍCTOR ANTÓN, Standards Session (Errabal Jazz, 2022)


La guitarra es un instrumento que sí o sí, siempre suena a directo. Sea por la dinámica de las cuerdas o por su tímbrica, siempre suena a directo. Esta frescura y naturalidad, tan propia del jazz, es lo que debió buscar Sonny Rollins cuando inventó el cuarteto sin piano. Hoy escuchamos un cuarteto con guitarra y piano, dos instrumentos que no suelen compenetrarse muy bien y que en el nuevo álbum de Víctor Antón, sin embargo, se complementan de una manera fluida y natural. 

Standards Sessions reúne en cuarteto al pianista Pablo Gutiérrez Calvo (Bob Sands Quintet), al contrabajista Pablo López "Loque" (Antonio Serrano, Bob Sands Big Band, Albert Bover) y al baterista Daniel García Bruno (Jorge Pardo, Jerry González, Benny Golson) bajo el liderazgo del zamorano Víctor Antón, un guitarrista con título profesional de piano que se ha formado con profesores como Pat Metheny, Peter Bernstein, Jorge Rossy, Chris Cheek o Michael Kanan. Es compositor y docente en la Escuela de Música Creativa de Madrid. Ha grabado dos discos bajo el nombre de Víctor Antón Group y colabora con el Proyecto MEI (Músicas Étnicas Improvisadas), que fusiona el repertorio tradicional castellano-leonés y con el jazz contemporáneo.

A lo largo del álbum, vamos encontrando standards de distintos compositores con distintas manera de escribir, a los que Antón versiona con respeto pero también con inventiva, desarrollando toda una serie de recursos acordes a la filosofía de cada tema. Tanto como arreglista/improvisador o como intérprete, nos gusta su manera personal de atacar la melodía y de desarrollarla. Su revisión de "Alone Together", por ejemplo, tiene algo de Jim Hall y también algo de Grant Green pero, al terminar la escucha, no queda nada de ellos sino la sensación de algo distinto, ese toque personal, la fusión quizás. 

En general, es un disco lento y sosegado. Su manera de contener el tempo es fascinante, por momentos hipnótica, pero a ritmos más rápidos, nos ha gustado,por ejemplo, escuchar cómo hace cantar a la guitarra la melodía de Cole Porter "From This Moment On", tan optimista. Pardójicamente, la escucha parece más divertida cuando re-interpreta a pianistas como Monk (su versión de "In Walked Bud" es adictiva) o saxofonistas ("Stablemates" de Benny Golson suena aquí bop y moderna al mismo tiempo). No debe ser fácil transportar algo de piano o saxo a la guitarra, y eso lo hace más interesante.

Un disco de standards que respeta la tradición pero que presenta, al mismo tiempo, una voz personal. La revisión que Víctor Antón hace de estos ocho standards es una especie de (como dice él mismo en el libreto del disco) "fotografía personal", ya que deja expuestas las influencias del músico. Pero también es (¿por qué no?) una medida de hasta dónde llega su creatividad, su aportación a temas que hemos escuchado un millón de veces, y lo que aporta claramente Víctor Antón a estos standards es, sobre todo, frescura y enlace a otras influencias no declaradas que suma en cada compás. Porque todo suma.

El disco termina con un tema de soul jazz, un tema original pero inspirado en los clásicos, y que también suena a estándar, aunque no lo sea. Por eso, les dejamos escuchando este renovado "Alone Together".



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SONIDOS DE NUEVA YORK

MANEL FORTIÁ, Despertar (Miscroscopi, 2022)

En cada proyecto en el que hemos escuchado al contrabajista catalán Manel Fortiá, hemos podido comprobar su solidez y su capacidad creativa. En su nuevo disco, Despertar, grabado junto a viejos conocidos (Marco Mezquida al piano y Raphäel Pannier en la percusión) presenta un disco meditativo, melancólico, donde recrea sus experiencias en Nueva York, donde vivió entre 2016 y 2020. El disco contiene composiciones originales que brillan por la interacción de los músicos y por la manera tan precisa y bella con que cada uno de ellos ejecuta su papel. 


Manel Fortiá es un músico con una dilatada experiencia. A pesar de su juventud, cuenta con más de 50 grabaciones como líder o co-líder e innumerables colaboraciones con músicos de primera línea (Dave Liebman, Chris Cheek, Arturo O'Farrill, Chano Dominguez, Scott Hamilton, Dena Derose...), entre las que destacan su disco de 2021 Libérica, experiencia de jazz y flamenco ideada también en Nueva York pero con un enfoque radicalmente diferente: la nostalgia, nostalgia de la música traidicional catalana que echaba de menos durante su estancia en Nueva York y que fusiona con el flamenco.  

"This album is very important to me because it reflects one of the most transcendent moments in my artistic life. I feel that living in NYC changed me tremendously and I grew a lot there", confiesa Fortià en el libreto del disco.

Despertar es ese crecimiento al que se refiere el contrabajista y, de alguna manera, es también una continuación lógica de otro de sus discos, Bulería Brooklyniana (2018), grabado con un trío similar (con Raphäel Pannier pero con Albert Marquès al piano), una continuación evolucionada, porque aquí encontramos otro tipo de inspiración, más modulada, con un lirismo patente en la perfección del sonido. 



También es el primer disco de Manel Fortià en el que ha firmado todas las composiciones, melodías llenas de sentimientos que pasan de lo íntimo a la euforia y vuelta (""Circular"); momentos muy especulativos ("Saudades", "El día después") en los que se pueden escuchar influencias (confesas) de Charlie Haden y Keith Jarrett escritas para un Marco Mezquida con una personalidad tan fuerte que lleva siempre a un punto brillante y original cada pasaje, como desafiándose a tocar algo que no se hubiera tocado nunca; melodías compuestas con detalle y donde la música americana (ese escenario neoyorquino que suena a blues, a espiritual y a canción) se fusiona con sonidos y ritmos mediterráneos con sutileza, borrando fronteras. 

Recomendable, inclasificable y muy personal trabajo de Manel Fortià y su trío.


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* Web: manelfortia.com

VERDAD

ALICIA TAMARIZ, Aletheia (Dispar, 2021)

No solemos hablar de cantautoras en este blog dedicado, en esencia, al jazz, pero el primer trabajo discográfico de Alicia Tamariz nos ha enamorado. La fluidez de las composiciones, sus arreglos (mano a mano con Carlos Cortéis Bustamante) y los músicos que participan merecen una escucha. Marco Mezquida, en las notas del disco, lo califica como "una bocanada de aire fresco" y de "disco luminoso". Podríamos comentar que hay en estos temas aires de bossa y de otras músicas del mundo, que Alicia es una pianista con un lenguaje estimulante, que hay poesía, que la mezcla de estéticas y de inspiración es apabullante, pero lo que realmente habría que destacar es que, como primer trabajo de una compositora, pianista y cantante, es tan sincero y natural que pone los pelos de punta. 

Según Wikipedia, Alétheia (en griego αλήθεια alētheia 'verdad') es el concepto filosófico que se refiere a la sinceridad de los hechos y la realidad. Literalmente la palabra significa 'aquello que no está oculto, aquello que es evidente', lo que 'es verdadero'.
La verdad de Alicia Tamariz está en la manera en que fusiona texto y música, en cómo melodías y armonías expresan sin palabras lo que la voz canta (o no). Así, por ejemplo, en la poesía "Sambaluna (A mi hija)" el tema pasa de la ternura a una pasión creciente en intensidad, con síncopas como juegos infantiles, con una declaración de amor en forma de solo de piano y la felicidad bailando en el sonido de la flauta, que  al final rompe en unísonos con la voz en el estribillo final.

Alicia Tamariz es una pianista formada desde pequeña que se enamoró del jazz a los dieciocho, cuando descubrió a músicos improvisando en directo. Según su biografía, ha sido alumna de músicos tan interesantes como Aaron Goldberg, Miguel Zenón, Jorge Rossy, Michael Kannan… Todo esto se traduce en canciones que alimenta del jazz, la improvisación y las influencias étnicas que podemos escuchar en Aletheia con un sonido brillante, inspirado y nada complaciente. Lo consigue con la colaboración de músicos como Carlos Cortés Bustamante (guitarra española, percusión, arreglos), Fernando Brox (flauta, trombón), Maripepa Contreras (oboe, corno inglés), el contrabajista Dimitri Skidanov y Andrés Litwin a la batería. En "La despedida" hay arreglos de Javier Galiana para un cuarteto de cuerda formado por los violines de Sandra Raña Cuevas y Elisa Gutiérrez Moreno, Marta González Pisonero a la viola y María de Goñi Loma al violonchelo.

Por destacar algún tema, es especialmente emotivo el poema "Somos", declamado de manera vehemente sobre una base llena de tensión (y, al mismo tiempo, bella) de jazz moderno.

En resumen, Alicia Tamariz ha construido un disco bello, complejo, que se puede disfrutar en cualquiera de sus múltiples capas, ya sea desde el punto de vista del jazz, del piano, de la poesía o de la fusión. 



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LUZ Y SOMBRA

JULIO AWAD Y PATXI PASCUAL, Flash & Shadow (2022)

Flash & Shadow es el fruto de la colaboración de dos músicos muy diferentes, uno radicado en el jazz, Patxi Pascual (Jerry González, Creativa Junior Big Band, Pepe Ribero Big Band) y Julio Awad, de trayectoria más teatral y que, sin embargo, ha grabado con musicazos como Peter Erskine y John Patitucci. Awad es, además, compositor de bandas sonoras y premiado director musical de muchos espectáculos en Madrid, mundillo donde ambos han coincidido. 

Desde "Marga's Life", que inaugura el disco, percibimos una intención lírica en los fraseos del saxo, en el sosiego del piano, canciones sin palabras en los límites de un jazz suave y parco en síncopas pero bello, buscando la lírica y la historia en las melodías y en los largos solos. No es, para nada, un jazz trasgresor ni clásico, sino un lenguaje crossover que, por definición, puede llegar a todos los públicos.

Sin embargo, quizás sea esta la baza más atractiva del disco, esos extensos discursos de Patxi Pascual, llenos de largos fraseos y florituras inesperadas, alternándose con los solos emotivos, estimulantes de Awad, plagados de aires de blues, pop, cinematográficos, líricos... que conducen a estribillos pegadizos en los que ambos "cantan" al unísono como si fueran canciones. En todos los temas hay espacio para el desarrollo melódico y para la improvisación, sin aparentes restricciones, a pesar de que los temas no son muy largos. Entre medias, un diálogo entre dos músicos con tanta experiencia que cada momento es un un paso más allá. Todo esto es posible con una sección rítmica donde participan los percusionistas Sergey Saprychev y Paul Wertico, y con la participación de la actriz y cantante Inma Mira en "Agosto".

Destacaríamos, por su singularidad, "Calima", donde Pascual toca la flauta trayendo al jazz aires mediterráneos y de oriente próximo, y donde Julio Awad tiene su mejor (aunque breve) solo. El álbum termina con una suite en dos partes titulada como el álbum, "Flash & Shadow", donde todo este ejercicio de expresividad e intensidad alcanza su punto más dramático (como si se tratara de una historia), redondeando un disco donde la expresividad y el sentimiento son el motor de los temas y donde la belleza y la perfección privan por encima de todo. 

El disco ya está a la venta y se presenta los días 27 y 28 de abril en directo el Café Central de Madrid. 

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MINGUS PERDIDO Y REENCONTRADO

CHARLES MINGUS, The Lost Album from Ronnie Scott's
(Resonance Records, 2022)

Siempre es excitante que lleguen noticias como esta, la de la publicación de una grabación perdida (quizás olvidada en algún archivo) de alguien de la talla de Mingus. Con una cuidada edición en triple vinilo y triple CD, y con un libreto que incluye entrevistas y curiosidades. La encargada de esta edición es Resonance Records, una discográfica sin ánimo de lucro de la que ya hemos hablado en otras ocasiones a propósito de Bill Evans y Roy Hargrove, por ejemplo, y que está haciendo una labor inestimable para recuperar grabaciones perdidas u olvidadas de grandes del jazz, un trabajo a cargo de Zev Feldman, co-presidente de la discográfica, una especie de detective del jazz, como lo llaman por allí, a cuyas investigaciones y a cuyo tesón debemos la recuperación de estas joyas.

Foto: Jean-Pierre Leloir

La grabación que incluye el álbum es un concierto (en dos pases)  en el Ronnie Scott's de Londres que nunca ha sido publicada. El sexteto, formado por el saxofonista alto Charles McPherson, el tenor Bobby Jones, el trompetista Jon Faddis, el pianista John Foster y el baterista Roy Brooks suena potente a la manera en que Mingus derrochaba energía en esa época, caos ordenado pero caos mingusiano siempre, y que aquí nos regala temazos como una versión de 35 minutos de "Fables of Faubus", ese temazo icónico e imprescindible para entenderle, con energías que fluyen como en una montaña rusa, Mingus gritando a los músicos, como solía hacer, o una reinterpretación del clásico "When The Saints Go Marchin' On", al estilo Mingus, por supuesto. 

Grabado los días 14 y 15 de agosto de 1972 para ser publicado por Columbia, se desechó al abandonar Mingus esta discográfica. Saldrá a la venta en un triple LP de 180 gramos en formato audiophile el próximo 23 de abril (y en CD y descarga el 29). Resulta un disco muy recomendable para completar la discografía de Mingus (con la esperanza que aparezcan más grabaciones), profundizar en su filosofía musical o, simplemente, un placer para los que no pudimos escucharlo en directo en vida. Porque Mingus sigue de moda, especialmente ahora que se va a cumplir el centenario de su nacimiento y proliferan los homenajes, como el que va a hacer el NEC (Conservatorio de Nueva Inglaterra) con varios conciertos, algunos de ellos retransmitidos en streaming

John Foster, Charles Mingus y Charles McPherson.
Foto: Christian Rose (1972)
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AQUELLA COSA

ALBERT CIRERA i KAMARILLA, Aquella cosa 
(Underpool. 2022)

Con riffs y juegos de palabras ("Riff i Raffe") comienza este disco que es como un juego de buscar y encontrarse. En él se unen viejos conocidos en este de explorar y encontrar: Albert Cirera, uno de los tenores más interesantes (y constantes) de los últimos tiempos, y Marcel·lí Bayer, siempre en sendas inexploradas, encabezan este grupo que es una sección de viento aumentada, un sexteto donde aparecen Vicent Pérez al trombón, los trompetistas Iván González y Pol Padrós (turnándose, pero juntos en algún tema), y una sección rítmica formada nada más y nada menos que por Martín Leiton, aquí con el bajo eléctrico, y el baterista Ramón Prats.

No es un disco fácil. Con una estructura de sexteto de hardbop, las armonías van mucho más allá, con improvisaciones que buscan siempre la atonalidad y con experimentaciones que van desde el ritmo hasta el uso de tímbricas inesperadas, que juegan a dialogar entre sí de una manera inusual (en "Musica celestial" o "Riff i Raffe", por ejemplo). Ningún purista diría que "On para l'eternitat?" está inspirado en la coral de Bach "Gib dich zufrienden und sei stille" BWV 510, pero si uno presta atención, la melodía está ahí... junto a las ganas de salirse de cualquier camino marcado.

Mientras que conocíamos la filosofía transgresora de Marcel·lí Bayer, en cada disco suyo más y más aventurado en la libertad expresiva, habíamos escuchado menos la faceta rompedora de Albert Cirera, que conduce aquí, sin embargo, este proyecto con solvencia, componiendo y consiguiendo, en conjunto, un lenguaje homogéneo y un mensaje claro, muy en la línea de Underpool, que publica este disco. Ambos en diálogo constante, utilizan todas las maderas posibles: tenor y soprano (Cirera), saxo alto, clarinete y clarinete bajo (Bayer), aunque la experimentación les lleva a momentos en que es difícil distinguir qué sonido es de qué instrumento, por lo que les recomendamos el vídeo siguiente donde se les ve tocar en directo en una versión sensiblemente más larga que la del álbum de su "Rosso & Cia". 





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LÍRICO SOLIPSISMO

ENNIO PINILLOS, Solipsismo (Errabal Jazz, 2022)

Simplificando la definición de solipsismo, podríamos decir que es "la creencia filosófica de que de lo único que podemos estar seguros es de la existencia de nosotros mismos (o de nuestra mente)". Esto, aplicado a la música, podría verse como que el músico de jazz solo es consciente de su música en el momento de crearla. O no. El saxofonista alto Ennio Pinillos ofrece en su primer disco una exploración en directo de su propio sonido, una búsqueda con una ruta pre-escrita donde solo se encuentra el camino en el momento de pisarlo. 

El camino de Pinillos es el camino de la belleza. Sus temas contienen una lírica propia, pausada, casi ausente de swing y con mucho sentimiento, para expresar lo cual consigue momentos muy expresivos con unísonos y otros muy meditativos donde el piano crea paisajes apropiados para la voz del saxo, que habla con fraseos inspirados y muy limpios, como el solo de "Mirada hacia el abismo".

Este es un proyecto desarrollado por el saxofonista Ennio Pinillos como parte de sus estudios de Máster en Musikene. Lo acompañan Miguel Moisés al trombón, Satxa Soriazu al piano, Javier Callén al contrabajo y Juanma Urriza a la batería. Aparte de la vertiente de exploración del proyecto, sorprende su sonido, brillante a pesar de haber sido grabado en directo (en un concierto el 29 de septiembre de 2020). A pesar de la tensión y el riesgo del directo, Pinillos consigue crear un jazz preciosista donde la intensidad no es una necesidad (aunque hay momentos muy intensos, como "Iker") sino una forma de expresarse que no necesita de fuegos artificiales. Un ejemplo perfecto sería el contemplativo tema "Mientras ella duerme", donde las notas largas y emotivas del saxo crean una melodía lenta, dolorosa, en la que todo el combo se vuelca y donde incluso el contrabajo tiene su momento.

Con momentos de una lírica cercana a lo cinematográfico, Solipsismo resulta un disco inusual por su delicadeza y esperamos que sea el anuncio de una voz nueva que, como es su obligación, el músico debe consolidar.