DEL FREE AL FUTURO

KAPELLE17, Die Wolken sind da, wo sie immer sind 
(Loumi Records, 2022)

Cuando algunos músicos como Herbie Hancock comenzaron a experimentar con la electrónica en los años 70, algunos todavía estaban intentando asimilar el free jazz. En la época actual, donde todas las estéticas coexisten en difícil armonía o en peligrosas simbiosis, escuchamos el tercer álbum de Kapelle17, un grupo de la escena emergente alemana que conjuga bien electrónica, ambient y free jazz. Desde su debut en 2018 con Music For Young Business People, han seguido la senda arriesgada de fusionar todo lo que llegaba a sus oídos. Influenciados por las vanguardias de los 60, por la música de la New Wave e incluso por el hip-hop, sus composiciones son el fruto de improvisaciones colectivas.

Kapelle17 son Benedikt Jäckle (saxofón, flauta y clarinete bajo), a quien ya escuchamos en otro grupo de fusión, también muy original, como es NeobiontJohannes Mann (guitarra eléctrica y acústica);  Paul Janoschka (piano acústico y eléctrico) y una sección rítmica formada por Jakob Obleser al bajo y Jonas Kaltenbach a la batería, ambos componentes también del citado Neobiont. 


Con distintos momentos solistas a cargo de la guitarra ("Siblings"), del piano ("Metamorphosis") o del saxo en la mayoría de los temas, la estética va cambiando según el solista. Así, encontramos temas más especulativos como "Ma Beleza I", donde ritmos rotos y aparentemente inconexos sostienen el discurso errático del saxo, que frasea con libertad y una expresividad llena de un rara belleza; temas donde el piano parece detener el tema con su solo ("Metamorphosis"); o temas donde los sintetizadores procesan sonidos tan retros que recuerdan a aquellos primeros que usaba, por ejemplo, Herbie Hancock ("SKB"). Texturas, ambientes y expresividad parecen ser la base de su música.

Un disco recomendable por su sonido diferente y porque no suena absolutamente a nada conocido, si bien su espíritu nos trae el recuerdo de una época donde la vanguardia significaba algo (y no solo ruido). Porque las ganas de hacer cosas nuevas siempre han estado en el jazz. Como dice el título del álbum, las nubes siempre están donde están (Die Wolken sind da, wo sie immer sind).

Les dejo con este vídeo de "Abacaxi" que reúne en 6 minutos la estética ochentera con la audacia de las vanguardias de los 60 y el trabajo creativo conjunto de estos cinco músicos alemanes cuya juventud les concede la valentía para caminar en tierra de nadie.



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* Más info: www.kapelle17.de

VIPASSANA

RS FAKTOR BASQUE, Equanimity (Errabal Jazz, 2022)

Este es el tercer álbum de RS Faktor, el grupo liderado por el trompetista Rubén Salvador, una formación cambiante que en este álbum se denomina RS Faktor Basque porque todos sus componentes han sido estudiantes del Centro Superior de Música del País Vasco “Musikene”. Esto, ya de por sí, es un marchamo de calidad y, en efecto, en Equanimity escuchamos a un quinteto sólido y de perspectivas muy modernas en el que lo acompañan el saxo tenor Julen Izarra, el pianista Satxa Soriazu (a quien habíamos escuchado en propuestas tan dispares como el cuarteto eléctrico de Kike Arza o el lírico debut de Ennio Pinillos), el contrabajista Aritz Luzuriaga y el batería Hilario Rodeiro

Rubén Salvador (foto: Gustavo Paredes)

Rubén Salvador es un trompetista, fliscornita y docente con una amplia experiencia. Ha grabado y tocado con grandes como Bob Sands, Miguel "Latino" Blanco, Iñaki Salvador... Pero deberíamos empezar diciendo que es un álbum conceptual. En las notas del disco, el propio Rubén Salvador afirma que la inspiración del álbum nace de su descubrimiento de la meditación Vipassana, una de las más antiguas técnicas de meditación de la India que nos ayuda a ver las cosas como son, tratando todos los hechos de la vida (negativos o positivos) por igual, con ecuanimidad. En este sentido, se percibe en el disco una voluntad de meditación, con temas especulativos, pausados, pero también en los temas con más fuerza, donde el tiempo parece detenerse, como el acompañamiento del piano al inicio de "Equanimity" o "Adhitthana".

Paradójicamente, las influencias latinas en las armonías de la trompeta y en los patrones afrobeat utilizados por la sección rítmica contrastan con los títulos de los temas, inspirados en las filosofías hindúes ("Anapana", "Dhamma", "Sankhara"...), lo que provoca un efecto caleidoscópico y multicultural inspirador. 

Un experimento que consolida la formación de Rubén Salvador y que resulta recomendable para todos los oídos.


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* Más info: www.rsfaktor.com

SOLAL SOLAL SOLAL!

MARTIAL SOLAL, Live in Ottobrunn (GLM Records, 2022)

¿Qué más se puede decir del gran Martial Solal a estas alturas? En sus 95 años cumplidos acumula una discografía excitante y una presencia notable en bandas sonoras (inolvidable A bout de souffle). Un nuevo disco de este maestro francés (además, grabado en vivo) podría entenderse como un documento único para entender hasta dónde ha llegado su estilo personal, tan ecléctico. Él mismo dijo en una ocasión: "Soy una fusión, no intente definir mi estilo" y de eso va el disco. En Live in Ottobrunn encontramos a un pianista liberado de etiquetas, que se mueve por las ochenta y ocho teclas con toda la libertad de la experiencia, viajando de las armonías de la música culta al swing con una facilidad pasmosa, sublimando melodías conocidas ("My Funny Valentine", "Lover Man", "Happy Birthday") hasta hacerlas irreconocibles pero igualmente placenteras para el oído y para los parámetros de los aficionados más exigentes.


Pongamos como ejemplo "Tea For Two", el clásico de Vincent Youmans, que aquí comienza con unos compases de "I Got Rhythm" (Gershwin) para luego perderse en evoluciones de acordes del original, improvisaciones, escalas y juegos que parecen no terminar nunca. Es el maestro en su propio recreo. Para los que amamos la improvisación, todo un lujo, especialmente si es uno de sus discos a piano solo. Otro ejemplo de toda esta incansable creatividad es el medley "Caravan, Sophisticated Lady, Satin Doll", en el que no solo suenan estos temas de Ellington sino que podemos escuchar muchos otros, además de improvisaciones originales e inesperadas. 

Foto: TJ Photoagency (source: Jazzfuel)

Otros temas que brillan en el disco son las improvisaciones sobre "Happy Birthday", "Cherokee" (donde incluye a Mozart en sus disgresiones) o "Round Midnight", otro de los temas preferidos de Solal, un tema que siempre toca en directo y del habrá hecho tantas improvisaciones que solo pensarlo pone los pelos de punta.

Este disco presenta a un Martial Solal en estado de gracia, en un momento de su carrera en que puede permitirse todo Y eso se agradece. Grabado en 2018 en Ottobrunn, un pequeño pueblo cerca de Munich, de menos de 20.000 habitantes, durante su 5th Klavier Festival, Live in Ottobrunn es un regalo para los oídos no solo por el virtuosismo que derrocha sino porque en esa época, a sus 91 años, manifestó que no iba a volver a tocar en público. Este fue su penúltimo concierto.

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EL TESORO DE LA CIUDAD ESMERALDA

AHMAD JAMAL, Emerald City Nights: Live at the Penthouse 
(Detective Records, 2022) 

El productor Zen Feldman (Jazz Detective) lanza una nueva serie llamada Deep Digs Music que, como su nombre indica, hace un trabajo de arqueología musical para traernos, al igual que sus producciones para Jazz Detective y Resonance Records, grabaciones olvidadas de grandes nombres de la Historia del Jazz. Las ediciones que inauguran el catálogo de Deep Digs Music son dos álbumes dobles (también disponibles del formato de doble LP) de Ahmad Jamal que incluyen sus actuaciones en el Penthouse de Seattle en dos épocas distintas: un álbum recoge las de 1963-64 y otro las de 1965-66, una época que muestra a un Ahmad Jamal pletórico y en plena forma, en un momento en que su trío se había disuelto y tocaba con el baterista Chuck Lampkin y el bajista Richard Evans, quien, en el álbum 1965-66 es sustituido por Jamil Nasser. 

Ahmad Jamal, 1967 (c) Raymond Ross Archives

Los discos están basados en actuaciones que se emitieron en aquella época en la radio de Seattle, en el programa presentado por Jim Wilke, que también era ingeniero de sonido y cuidaba de las grabaciones, las cuales tienen una calidad excelente para la época y han sido reproducidas con mimo para hacernos sentir que estamos allí y que toca para nosotros aquel Ahmad Jamal de los '60, cuando rompía moldes e influía en la obra posterior de creadores como Gil Evans y Miles Davis, lo que es lo mismo que decir que cambió la Historia del Jazz. Como el mismo Ahmad Jamal dice (el pianista ha colaborado con la discográfica y que los libretos de ambos discos incluyen reflexiones del propio Ahmad Jamal sobre su trabajo):

No hay comparación entre tocar en vivo y hacerlo en un estudio. [...] Estar en un estudio tiene sus limitaciones y sus dificultades. Y cuando estás actuando lejos del estudio, es una cosa completamente diferente. Grabar en vivo me ha funcionado bien porque en directo, con una audiencia, se puede capturar esa electricidad que a veces es difícil en el estudio. Al artista, interactuar con el público lo eleva a otro nivel.

Ejemplo de la excelente 
documentación gráfica de los discos
Los discos también incluyen interesantes fotografías y entrevistas. En el volumen 1963-64 aparecen entrevistas inéditas a Ramsey Lewis y a Hiromi, mientras que en el volumen 1965-66 podemos leer una entrevista al ganador del Grammy 2022 Grammy (Álbum del Año) Jon Batiste, a Kenny Barron y a Aaron Diehl. La última vez que habíamos escuchado a Ahmad Jamal fue con 89 años, en 2019 en su disco Ballades, publicado por Jazz Village. Escucharlo ahora así, en aquel momento mágico de los 60, es un regalo. Los discos salen a la venta el 25 de noviembre y hemos escuchado que quizás aparezca un tercer volumen (1966-1968) pronto.

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* Más info: www.deepdigsmusic.com


VIAJES DE IDA Y VUELTA

GONZALO DEL VAL, Tornaviaje (Errabal Jazz, 2022)


El disco comienza con un ritmo endiablado y sostenido, con los charles y la caja marcando una espiral inacabable en la que se apoya la trompeta para crear su propio discurso, libre, rozando lo atonal, un discurso que se rompe y recompone continuamente. El contrabajo está ahí, cumpliendo su labor, aportando a todo ritmo esa capa que sirve, además, para aglutinar. La guitarra interviene de manera breve, anecdótica, para reforzar la urgencia del tema. El tema en cuestión se llama "Es Bot" y abre el último álbum del baterista Gonzalo del Val, Tornaviaje.

Tornaviaje es un álbum conceptual con ritmos y melodías inspirados en el mar y, más concretamente, en la figura de Andrés de Urdaneta, militar, religioso agustino y cosmógrafo ordiziarra que, en el siglo XVI, trazó la ruta entre Filipinas y Acapulco, llamada Ruta de Urdaneta o Tornaviaje. 


Los títulos de los temas, inspirados en el mar, recuerdan este hecho histórico y fluyen, como el mar, en un ida y vuelta que tiene momentos épicos, casi cinematográficos y que ancla sucesivamente en varios puntos cardinales del jazz, desde lo más libre ("Es Bot") a baladas serenas como calma chicha ("Galeón", "Azur") pasando por el jazz más especulativo ("Los tres mulatos de esmeraldas"), con algunas escalas en puertos ajenos, como las versiones que hace de "Big Nick", de Coltrane, y de "Gota D'Água", de Chico Buarque. El mismo Gonzalo del Val explica estos viajes de ida y vuelta en la carpeta del disco:

El título del disco y la inspiración para mis canciones se lo debo a la figura del marino Andrés de Urdaneta. Yo también quise retornar al puerto de partida, pero como a él le pasó, no hallé el punto exacto. 

Del Val, burgalés afincado en Barcelona, donde es profesor del Conservatorio Superior del Liceu, reúne en su cuarteto una mezcla interesante de músicos de la escena barcelonesa: el trompetista Raynald Colom, el guitarrista Romain Pilon, el bajista Manel Fortià y, como invitada en uno de los temas, la cantante Carme CanelaTornaviaje es su sexto disco como líder y una de las grabaciones más originales que nos ha llegado este año. Como compositor, demuestra no tener miedo a especular y como músico, consolida su imagen de batería sólido, brillante sin estridencias y capaz de dar protagonismo a sus compañeros incluso en sus discos como líder. 


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OBSTÁCULOS

PEDRO NEVES, Hindrances (Carimbo Porta Jazz, 2022)

La referencia al budismo en el nuevo disco (el cuarto como líder) del pianista portugués Pedro Neves nos lleva a los cinco obstáculos mentales (pañca nīvaraṇāni en dialecto pali) que impiden la meditación y, por consiguiente, la iluminación. El oyente occidental (y no budista) debe desprenderse de cualquier obstáculo mental para abrirse a este Hindrance, un álbum de jazz moderno sin etiquetas (aunque hayamos oído llamar a Neves "el Meldhau portugués") que se acerca por momentos al concierto de piano en música culta o de cámara y a las experiencias similares de músicos anteriores como Bill Evans, Keith Jarret o el citado Meldhau.

Desde los primeros compases, el oyente percibe una capacidad y una intención que se mueven hacia nuevos sonidos, extrayendo del piano melodías complejas, estructuras cambiantes y, por momentos, conmovedoras (en "Pictures I Would Like To Show You", por ejemplo, un tema que luego sube de tempo como reacción a una intro meditativa y hermosa y juega con ritmos e instrumentos de una manera rabiosamente peculiar) y otros momentos llenos de swing (desde una perspectiva actual) como en "Developmento of Behavior" o "Two Miles of Walking", composición esta que hace referencia al concepto del álbum, que está planteado como el recorrido de ascensión de una montaña, de ahí la portada y de ahí el tema que cierra y que se titula "See you at the Peak", una composición que refleja la calma conseguida. La paz es el éxito.

A pesar de la montaña rusa estilística y emocional del disco, Neves mantiene siempre un lenguaje impecable, limpio, delicado, emocionante en los acordes, buscando la interacción con el oyente, sugiriendo una comunicación a nivel de sentimientos, y consiguiendo un lirismo maduro, sincero, nada artificial. 

A Pedro Neves le hemos podido escuchar en España en el cuarteto de Lucía Martínez. Como líder, Hindrances supone el cuarto disco a trío de este pianista de Oporto tras Murmuration (2019), del que solo cambia el baterista, ahora José Marrucho, un músico versátil que se adapta a la perfección a las composiciones cambiantes de Neves. En el contrabajo volvemos a escuchar a Miguel Ángelo, con el que el pianista mantiene un interplay constante y rico basado en una larga experiencia conjunta. El resultado es un disco moderno, atrevido, pero que mantiene en todo momento los valores que aportan la lírica del piano, la emoción y la improvisación. Muy recomendable.


 

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* Web: pedro-neves.pt

UN HOMENAJE A MILTON NASCIMENTO

CLARICE ASSAD, Window to the World (Vectordisc, 2022)

Desde que Stan Getz introdujo en el universo del jazz los sones de Brasil, convenciendo a los puristas de cuántos puntos en común tenían la música de Nueva Orleáns y la brasileña, la bossa nova se convirtió en una rama más del jazz. En el disco que estamos escuchando esta noche, las melodías escritas por Milton Nascimento ponen de manifiesto esta relación gracias a los arreglos de la pianista brasileña Clarice Assad y su cuarteto (Franceso Calì, acordeón; Jesper Bodilsen, bajo; Johan Dynnesen, batería). El álbum se llama Window to the World: A Tribute to Milton Nascimento y ha sido grabado entre Copenhague y Rio de Janeiro.

Clarice Assad es una compositora, arreglista, cantante y (más que pianista) multiinstrumentista nacida en Campo Grande (Rio de Janeiro) en 1978 de una familia de músicos (Sergio Assad, Odair Assad, Badi Assad). Formada entre otros lugares en París y Chicago, tiene a sus espaldas una extensa carrera que abarca música de cámara, orquestal, pop. jazz y world music, habiendo sido nominada al Grammy dos veces. En este álbum, canta y toca el piano rindiendo tributo a Milton Nascimento, lo que le proporciona un repertorio de 9 temas en los que puede desarrollar su versatilidad como pianista y arreglista al tiempo que nos permite disfrutar de su voz profunda y caleidoscópica (en algunos temas a dúo con su hermano Rodrigo y con Muato), que incluye recursos que (casi) podríamos llamar scat ("Milagre dos Peixes") y entonaciones dulces (casi pop), como en "Nada será como antes".


El disco comienza con un medley, como si cualquier elección dentro del repertorio de Nascimento fuera insuficiente para mostrar todo lo que Assad quiere mostrar en este álbum. También incluye clásicos como "Clube Da Esquina nº 2", compuesta por Nascimento con su amigo Lô Borges y Marcio Borges, dentro del colectivo que se llamó Clube Da Esquina, que incluía a músicos como  Beto Guedes, Toninho Horta y Flávio Venturini, entre otros, un grupo de músicos y compositores brasileños influenciados por The Beatles y otros grupos de la época, que mezclaban rock and roll, rock progresivo y jazz. 

Nuestro momento preferido del álbum es esta "Cancao do Sal".



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* Web oficial: clariceassad.com

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TOCAR AL RITMO DEL MAR

EVA ALCAIDE QUINTET, Dive into the Sea 
(Errabal Jazz, 2022)

Nos gusta escuchar a instrumentistas como la guitarrista madrileña Eva Alcaide, precisa, con un discurso versátil y limpio, una instrumentista como muchos otros formados en conservatorios que, en un momento dado, ponen su virtuosismo a favor de la síncopa, del swing... y acaban presentando su trabajo de debut nada menos que en el Festival de Jazz de San Sebastián (ahora resumido más comercialmente como Jazzaldia).

Eva Alcaide se sumergió en el jazz en la Escuela de Música Creativa (Madrid), hizo el grado superior en Musikene (San Sebastián) y un máster en el Royal Conservatoire of Scotland (Glasgow), un recorrido vital (y musical) que puede sonar breve pero que implica mucho trabajo y una voluntad de perfeccionismo que se puede escuchar en sus temas.

Los temas de Dive into the Sea se mueven intencionadamente con esa cadencia de ida y vuelta que tienen las olas del mar, con estructuras musicales ondulantes y bien calculadas. Alcaide se expresa con un lenguaje sutil y, a menudo, meditativo. En la mayoría de los temas, comparte protagonismo con el pianista Jorge Fernández (No-Land Trio) con raras excepciones, como el curioso caso de "The Peacocks", uno de los dos temas del álbum no compuestos por Eva Alcaide, un tema escrito por un pianista (Jimmy Rowles) en el que la guitarra es protagonista absoluta. 

Foto: Hugo Alcaide (fuente: Facebook)

En otros momentos, es la voz de la duranguesa Irati Bilbao la que comparte protagonismo con Alcaide. Bilbao es una cantante que suena como un instrumento ("Fresh Start", por ejemplo), llena de ritmo y color, y que aporta ese toque clásico de los unísonos voz/guitarra, tan excitantes.

Artífices del sonido fluido y estimulante (dentro de los ritmos calmados de este disco) son también los miembros de la sección rítmica del cuarteto: el bajista Carlos Montulluno de esos bajistas que parecen cantar en sus solos, y el baterista Aitor Bravo (Triology, No-Land Trio, Jerónimo Martin). 

Cabría destacar, además de la solvencia de Alcaide como instrumentista y como compositora, su juventud, confirmada por el hecho de que este cuarteto se formó para su trabajo de final de máster y ha culminado en un disco muy sólido y grato de escuchar, con temas propios y dos standards entre los que escuchamos también "Naima" de Coltrane, pero eso es un asunto menor cuando lo que cuenta aquí es el lenguaje utilizado y la brillantez conseguida. 


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HOMENAJE A JOHNNY HODGES (VOL. 1)

OWEN BRODER, Hodges: Front and Center, Vol. 1 
(Outside In Music, 2022)

La sombra de Johnny Hodges es alargada. Su forma de tocar es distinguible, además de elegante y excitante al mismo tiempo. Dice la leyenda que este alto de la orquesta de Duke Ellington tocó delante de Sidney Bechet con 14 años y que, cuando se mudó a Nueva York con 17, ya se había hecho un nombre en Massachusetts y otros lugares de su Boston natal. Cincuenta años después de su desaparición, el saxofonista Owen Broder publica Hodges: Front and Center, Vol. 1, un álbum con nueve temas que siguen en la mente de todos los aficionados y lo hace reinterpretando (toca el alto y el barítono) la forma de tocar de Hodges, su lenguaje claro, dando importancia a las melodías, su vibrato... Lo primero que deberíamos destacar es el respeto por las composiciones originales. Broder no ha alterado los temas pero sí ha incluido inteligentes arreglos que hacen más profundos los temas, cambios sutiles que acercan a oídos del siglo XXI estos temas grabados hace seis décadas. 


Owen Broder es un saxofonista de Nueva York que publicó su primer álbum como líder en 2018 (Heritage), un disco donde exploraba el folklore apalache, el blues más primitivo, blue grass, espirituales... Es profesor de saxofón en la Pacific University e imparte clases de Teoría del Jazz y de Arreglos de Jazz en la Portland State University. En este disco, viene con un quinteto del que debemos destacar, en primer lugar, al trompetista Riley Mulherkar (The Westerlies, Gil Evans Project), con quien el saxo dialoga de una manera brillante y clásica en algunos temas (¡"Viscount"!). En la formación están también Carmen Staaf, (pianista de Dee Dee Bridgewater), el bajista Barry Stephenson (Jon Batiste, Stay Human, Jamison Ross) y el baterista Bryan Carter

Broder afirma que conoció la música de Hodges cuando aún estaba en el insittuto en Jacksonville, Florida. Naturalmente, comenzó tocando los temas de Hodges en la orquesta de Duke Ellington (donde tantas veces se discutió al saxofonista su liderazgo) para luego encontrarse con el Hodges más pleno en sus discos como líder, especialmente en dos discos muy significativos: Back to Back y Side by Side, ambos con Hodges y Ellington como líderes y ambos de 1959.

Hodges y Broder, a 60 años de distancia

Pero este álbum no es solo un experimento nostálgico. Es una restauración cariñosa y hábil de unos clásicos que hemos escuchado tantas veces y que siguen vivos. El disco comienza con el swing excitante de "Royal Garden Blues", una declaración de intenciones (estaba originalmente en Back to Back) que marca la tónica del disco: elegancia y respeto. Hay en el repertorio clásicos memorables, como "118 Carrots for the Rabbitt" (rabbitt era el apodo de Hodges) o "I'm Gonna Sit Right and Write Myself a Letter"; la inconmensuable "Ballad for the Very Sad and Very Tired Lotus Eaters", que suena aquí con una lírica distinta, profunda, conmovedora, en el saxo barítono; y, por supuesto, está "Take the 'A' Train", con un espectacular arreglo que juega sutilmente con la melodía todo el tiempo y que se guarda la melodía principal y archiconocida para los últimos compases.



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* Más info: www.owenbroder.com


IMPROVISACIÓN: AMORES Y DETRACTORES

ACORDES Y DESACUERDOS (XXX)

Bix Beiderbecke
Uno de los elementos definitorios del jazz moderno es la improvisación. Sí, siempre hubo improvisación. En el comienzo, quizás solo fuera fruto de la ausencia de educación musical de los músicos, pero con el bebop improvisar se volvió algo intelectual, una obligación, un desafío, y también uno de los elementos que más aborrecen los detractores del jazz. A continuación, como siempre que recolectamos acordes y descuerdos, unas frases en pro y en contra. Cada uno que juzgue. Yo pienso como Gershwin. El viejo George dijo una vez (o quizás solo sea leyenda) que la vida se parece mucho al jazz... Es mejor cuando improvisas


I.

En su Historia del jazz moderno, Frank Tirro cita a William W. Austin, quien, en su Music in the 20th Centurycuando dice:

Con la aparición del bop, el jazz tropezó con los mismos problemas que habían dejado perplejos a los críticos de la nueva música seria en fecha tan temprana como 1910. [...] Ya no era fácil ni seguro discernir entre una buena pieza musical y otra de carácter incompetente, circunstancia que -todo sea dicho- aprovecharon muchos músicos incompetentes.

(la traducción es de Antonio Padilla para la edición española de la editorial Ma Non Troppo)

 

II.

Herbie Hancock cita a Ray Brown a propósito de dejar al azar la improvisación:

Si Oscar, Phineas, Ahmad, Hank Jones y Tommy Flanagan salen a escucharte, y allí están sentados en la primera fila, querrás tener algo preparado.


Una de las dos fotos que existen de Buddy Bolden
(de pie, detrás del guitarrista)

III.

Martirio confesó esto en relación a sus trabajos con músicos de jazz:

Es la música que más importancia le da a la capacidad de improvisación, a la libertad. En el jazz se premia la espontaneidad. Como te repitas, hagas lo mismo, estás muerto.


IV.

Un poco de humor y un consejo: no hablen de jazz a quien no lo puede entender. En la nueva versión que ha hecho Netflix del Cowboy Bebop de Hajime Yatate, el personaje de Jet Black saca este tema, que termina de la manera que terminan muchas conversaciones cuando intentamos explicarle a un profano cualquier cosa sobre jazz:

JET BLACK: Todo el movimiento fue una reacción al swing, donde predominaban los ritmos rápidos pero, en el bebop, el énfasis pasó del bombo al charles, como en Koko de Parker, que empieza solo con saxo y trompeta. Bird y Diz van intercalando fraseos de ocho compases y, entonces, ¡bum! Bird hace un solo que...
SPIKE: ¿Se ha vuelto a estropear el termostato? No queda ni gota de agua caliente.


V.

Hablando de series, Hay un diálogo en el episodio 6 de la segunda temporada de The Umbrella Academy que creemos que tiene algo que ver con la percepción que tienen los profanos sobre la improvisación:

LA ENCARGADA: ¿Te gusta el jazz, Cinco?
CINCO: Prefiero lamer un rallador de queso.
LA ENCARGADA: El jazz es como una mujer guapa, compleja, emotiva, difícil de complacer. No te da lo que quieres sin más, te hace ganártelo. 
CINCO: Espero que esto lleve a alguna parte.
LA ENCARGADA: Bajo mi dirección, la Comisión sonaría más... jazz.

El resto es spoiler. 


VI.

Para terminar, una frase que le dijo Miles Davis al gran Thelonius Monk:

Cuando improviso, prefiero que no me acompañes.


Disfruten del jazz e impovisen. Y todo será más divertido.