Después de viajes a lugares inhóspitos (musicalmente hablando) con formaciones absolutamente inusuales, el trompetista Wadada Leo Smith regresa con un combo eléctrico sin perder la filosofía transgresora que lo ha mantenido como líder del jazz experimental durante los últimos 50 años. Fire Illuminations está lleno de guitarras de rock, distorsión, efectos, electrónica y caos controlado, que sirven para que Wadada regrese a la discográfica con la que debutó en 1972 como líder con Creative Music - 1.
Foto: Jimmy Katz
Hacer del ruido y la distorsion un arte no es algo ajeno a Wadada Leo Smith. Su gusto por lo transgresor va de la cacofonía a la música simplemente atonal, pero siempre consigue ese milagro de crear una obra compacta y deseable y, lo que es más importante, una obra con conecta con el oyente. El álbum son dos temas de aproximadamente un cuarto de hora cada uno y en cada uno de ellos la gloriosa trompeta de Wadada sobrevuela este nuevo universo eléctrico con su poesía, desarrollando la melodía y explorando todas las posibilidades tímbricas de dos líneas de músicos muy similares: Nels Cline y Brandon Ross (guitarra eléctrica), Bill Laswell y Melvin Gibbs (bajo eléctrico), Mauro Refosco (percusión), Pheeroan aKLaff (batería) y Hardedge (electrónica).
Por destacar un tema, destacaría la seductora cadencia de la trompeta en el segundo tema ("Tony Williams"), donde sus disgresiones melódicas me llevan al Miles Davis más rompedor y menos comercial (el de Jack Johnson, por ejemplo), salvando las distancias, claro. Ambos temas, en conjunto, aportan una nueva forma de escuchar a Wadada Leo Smith, y van...
Nos encanta conocer nuevos sonidos y nuevos músicos. El guitarrista que nos trae hoy aquí tiene las dos cosas: un nuevo nombre lanzado por el sello Fresh Sound New Talent y un sonido nuevo, muy personal, complejo pero fresco. Eddie Mejía es un mexicano de 26 años radicado en Barcelona, donde se ha formado en el Liceu. Si uno teclea en Google su nombre, lo primero que descubre es que fue finalista en 2021 en el Premio Extraordinario de Interpretación de Jazz y Música Moderna de la Fundació Conservatori del Liceu. No, no es mal comienzo.
Su disco de debut es A Moment In Transition, donde reúne un sexteto muy interesante formado por el productor y saxofonista tenor Bill McHenry (Paul Motian, Andrew Cyrile), el saxofonista alto Edu Cabello, la fliscornista Milena Casado, el contrabajista Masa Kamaguchi, el bateristaRamón Prats y la vocalista Magda Garre, que también ha escrito la letra del tema que cierra el álbum ("Mud's Mood").
El lenguaje de Eddie Mejía tiene una patente influencia de guitarristas contemporáneos como Pat Metheny, pero también huellas menos obvias de Monk y de la generación que siguió a Mingus, transportadas a las seis cuerdas. Como compositor, sus temas exploran un post-bop meditativo y sin complejos, con elaborados diálogos entre la guitarra y el resto de los músicos ("Horses"), melodías que se rompen y se acercan al free, blues rotos, momentos de vertiginoso virtuosismo ("Dilemma"), interesantes arreglos en la sección de viento (saxos y fliscorno) armonizando disonancias que provocan un efecto excitante ("Migrations") y dan pie a solos rompedores que, sin embargo, llegan orgánicos al oyente...
A Moment In Transition es un disco heterogéneo, el disco de debut de quien ha acumulado demasiadas ideas para meterlas en un solo disco, y eso es lo más interesante de Mejía como compositor, que cada tema cuenta una historia diferente y, consecuentemente, con un lenguaje distinto, algo que nos permite conocer facetas muy dispares del músico, confirmar su versatilidad y esperar lo inesperado.
No es un jazz que busca la belleza sino un jazz rudo, hambriento de sonidos nuevos, y eso nos gusta porque es algo que también buscamos los aficionados. La joven Alba Careta (Avinyó, 1995) presenta con Teia su tercer álbum tras los primeros pasos dados con Orígens (Premio Enderrock 2019) y Alades, publicado en 2020, y acaba de ganar el Premio Joven Talento en los Premios de la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Catalunya (AMJM). El titulo hace referencia a la corteza de pino, una metáfora de la música de este álbum, aparentemente frágil, pero excitantemente inflamable
Alba Careta se formó en la ESMUC y en el Koninklijk Conservatorium de La Haya, para después cursar un máster de trompeta jazz en el Amsterdam Conservatorium. A pesar de su edad, ha participado en muchas formaciones (Rodrigo Laviña & su combo, Ulls Clucs, Orquestra de Músiques d’Arrel de Catalunya, Alba Careta & Santi Careta Duo, Las Albitas…). Ha grabado sus dos primeros discos con su propio quinteto, que se transforma ahora en Alba Careta Group.
Foto: Silvia Poch
Careta explota las posibilidades melódicas y tímbricas de su trompeta con la soltura de una aventurera que no tiene miedo a dar el siguiente paso ("Fortes" es un buen ejemplo de esto) y lo hace apoyada por un quinteto que sigue su filosofía con fe y que está formado por Lucas Martínez al saxo tenor, Roger Santacana al piano, Giuseppe Campisi al contrabajo y Josep Cordobés a la batería. Son músicos jóvenes y muy abiertos. No hay restricciones estilísticas en el álbum, que pasa de un postbop reimaginado a canciones pop, de chorus melódicos al desorden rítmico, demostrando que es una compositora sin miedo y una instrumentista capaz de expresar intimidad en las melodías o embarcarse en inspirados solos de vocación latina y festiva como el de "Sempre".
Tras escuchar el álbum, Alba Careta nos sigue pareciendo cada más interesante como trompetista, algo menos cuando canta, mucho como compositora, pero sobre todo amamos su energía y sus ganas de hacer un jazz con fuerza que no permite una escucha cómoda sino que obliga al oyente a moverse y a pensar. Es, como la escultura de madera de la portada (de Ignasi Vilarasau), natural, directa e inesperada.
En un momento como el actual en que el streaming supera por KO al disco físico, incluso al digital, y en el que la música en directo comienza a despegar lentamente tras la pandemia, una de las discográficas más prolíficas y activas es Errabal Jazz, cuyo catálogo se mueve y crece a un ritmo fantástico, con propuestas muy variadas pero siempre de calidad, y en una cantidad a veces difícil de asimilar. Hoy vamos a proponerles la escucha de varias de sus novedades.
ADRIÁN ROYO TRÍO, Pangea (Errabal Jazz, 2022)
El virtuosismo es la clave, sin duda, de este disco, y no porque no haya otras consideraciones de importancia, como la inspiración temática o la complejidad de los temas. El pianista Adrián Royo, licenciado del Superior del Liceu y alumno, entre otros, de Benny Green, ha formado parte de varios grupos (RPM Trío, Pablo Donaire, Pedro Vega Afro Jazz Latino) y debuta como líder con Pangea, un álbum heterogéneo, de difícil clasificación, que propone un jazz contemporáneo lleno de ritmo que también incluye influencias externas al jazz. Con una digitación prodigiosa, que vuela sobre las progresiones de acordes, que cita, que se adentra en lenguajes distintos y vuelve al jazz sin despeinarse, que es capaz de desarrollar largos discursos sin aburrir, Adrián Royo destila un jazz trasgresor pero elegante, muy recomendable. Le acompañan nada más y nada menos que Manel Fortià al contrabajo y Gonzalo del Val a la batería, que también tienen unos momentos solistas remarcables.
Este disco es un premio, tanto para el oyente como para los componentes de Simbiosis 5, el quinteto húngaro que ganó el Festival de Jazz de Getxo, lo que incluía la grabación del álbum. Aquí podemos escuchar lo que el exigente jurado de Getxo valoró: cinco músicos jóvenes de Budapest con ideas frescas, protagonismo grupal (el solista cambia en cada tema y hay espacio para todo), un interplay fabuloso y mucha improvisación, lo que exige un virtuosismo que queda patente en muchos momentos. Lo mejor es que esa simbiosis que proponen en el nombre del grupo se puede escuchar en la sinergia que hay entre los músicos. Las melodías y los ritmos suenan con una naturalidad que no parece ensayada sino viva, y eso en el jazz es algo que llega dentro. Sus músicos con Levente Kapolcsi-Szabó (piano), Máté Drippey (saxo), Benedek Virág (guitarra), Tamás Gyányi (contrabajo) y Roland Majsai (batería).
JERÓNIMO MARTÍN, Tokian(Errabal Jazz, 2022)
Quizás el de Jerónimo Martín sea el proyecto más interesante del catálogo reciente de Errabal y lo decimos con los dedos cruzados porque es un trabajo que trasciende el universo del jazz para adentrarse en estéticas más cinematográficas, traspasando fronteras con sutileza. La complejidad de las partituras, realizadas para un sexteto más una orquesta de cuerda de 23 músicos (Arteus Orquesta), son de una complejidad fascinante, derribando los tabúes de la orquesta moderna de jazz para ir más allá en una búsqueda espiritual de la belleza.
El proyecto, que ha estado cociéndose durante toda una década, llega justo después de que Jerónimo Martín firmara proyectos muy distintos: Capturas (2015) y Durango Concert (2020), ambos de improvisación a piano solo, y Versos libres (2021) para piano improvisado y banda (Banda Municipal de Bilbao). Toda esta inquietud que mueve el camino del pianista y compositor deriva en Tokian, donde el sexteto (en el que hay nombres tan únicos como el del trompetista Jorge Vistel) se mueve sin complejos entre las olas de las cuerdas y los ritmos latinos, el flamenco ("On Green Flamenco Street", basada evidentemente en "On Green Dolphin Street" de Bronislaw Kaper con el saxo de Rubén González)... en unas partituras bellas, llenas de color y con una visión caleidoscópica del jazz.
Formado en 2018 en Musikene, Xahu es un cuarteto con el objetivo claro de hacer jazz sin ataduras, con complicidad y libertad. Sus temas, con un enfoque moderno y poco atado a la negritud del jazz, se basa en improvisaciones basadas en la experiencia de haber tocado estos años (con la excepción del lapso de la pandemia) por escenarios y locales que han forjado su estilo. Composiciones originales y versiones ofrecen en el disco espacio para la libertad de expresión pero, sobre todo, una conjunción fabulosa para un primer álbum. Con un estilo limpio y fácil de escuchar, casi pop, algunos temas alcanzan una fuerza que engancha. Los músicos del cuarteto son al saxofonista alto Josu Salegi (Half Quartet Plus Two, Víctor Antón Group), el pianista Mikel Núñez Lauzirika ( Dr. Maha´s miracle tonic, Kike Mor), Jon Ander Amigo (Charlie don´t jazz, Mr Bop trío, FDFunk) y Unai Olabarri Valera (Mariano Díaz, Joaquín Chacón, Víctor Merlo).
ISABELLE BODENSEH, Flowing Mind (GLM Records, 2023)
El trío de Hammond (órgano, guitarra y batería) tiene habitualmente como invitado al saxo tenor, pero este álbum enfrenta a dos instrumentos de tímbrica peculiar, el Hammond y la flauta. Y vale la pena escucharlo no solo por lo inusual sino por el resultado. La flautista Isabelle Bodenseh nos ofrece en Flowing Mind ese contraste moviéndose en todos los rangos del instrumento (también en la flauta baja) con soltura, expresividad y un swing fabuloso. El disco llega tras el obligado parón de la pandemia y después de más de 30 colaboraciones, dos discos de su grupo Jazz à la Flute y uno a dúo con el guitarrista Lorenzo Petrocca.
Isabelle Bodenseh, mitad francesa mitad alemana, se formó en la música clásica pero entendió pronto que ahí no encontraría la expresión que buscaba. Estudió jazz con James Newton en Los Angeles, buscando en la improvisación su propia voz. Luego fue a Cuba, de donde se ha traído ideas que aparecen en este álbum y que su flauta combina de manera muy inteligente con el trío de órgano formado por Lorenzo Petrocca a la guitarra, Thomas Bauser al órgano Hammond y Lars Binder a la batería .
Foto: Renée van der Voorden
La guitarra, cuyo lenguaje contrasta tan bien con la cadencia del Hammond, toma la iniciativa en algunas ocasiones con mucha frescura y crea una simbiosis muy interesante con la tímbrica de la flauta, un diálogo que nos trae al recuerdo inevitablemente a aquella colaboración de George Benson con el músico de Return to Forever Joe Farrell (Benson & Farrell, CTI, 1976). Bodenseh, sin embargo, busca una vitalidad distinta en los temas, dejándoles fluir con fuerza. Los aires latinos de algunos temas ("Dog Rose", "ASAP") recuerdan mucho la virtuosa síncopa de Jorge Pardo cuando su flamenco se acerca a aires latinos. Bodenseh tiene, como el español, ese gusto especial por los discursos largos y bien armados. También es capaz de hacer esto mismo con delicadeza en temas más nostálgicos como "Mediterranean Bossa". Hay mommentos fabulosos e intensos como, por destacar alguno, el solo de Bodenseh en "Molecular Cooking" o todo el tema "Chilly Chally", donde sopla con una garra fabulosa, no exenta de funk, un elemento que está presente en casi todo el álbum.
La anécdota cuenta que Isabelle Bodenseh perdió la capacidad de soplar (y respirar) a causa del virus, pero que las ganas de volver a tocar le dieron las fuerzas necesarias para volver y la inspiración para el tema que da título al álbum, ""Flowind Mind". .
Hace unas semanas volvíamos a hablar de jazz escandinado y hoy estamos disfrutando de nuevo de la perfección de un trío de piano, y lo hacemos con un álbum muy personal, Mist, de Joan Claver. Este es su segundo disco tras Triangle (Fresh Sound New Talent, 2016). Ahora nos trae un trío con Xavi Reija a la batería, Artemi Agràs al contrabajo, y títulos inspiradores que conforman un álbum de atmósfera ecléctica, con trazos de clásica, rock y funk, muy contemporánea, que hace de su escucha algo adictivo. Mist pretende mostrarnos, según palabras del pianista, un disco "inspirado en la naturaleza, el universo y el comportamiento humano en torno a la vida y las emociones".
Joan Claver es uno de esos músicos que aprendieron con la música clásica, crecieron con el rock (con sus propios grupos) y desembocaron felizmente en el jazz (ha sido alumno de Jorge Varela, Iñaki Sandoval, Albert Bover y Roger Mas), un músico que ha estudiado en el Superior del Liceu y participado en orquestas como la Big Band del Liceu y Rufaka Jazz Folk Orchestra. En este nuevo disco, mezcla estilos de una manera muy personal, siempre dentro del esquema jazzístico pero destilando influencias y dosificando recursos para conseguir una atmósfera personal que no se parece a nada anterior pero que, sin embargo, resulta confortablemente familiar al oyente de jazz contemporáneo.
Escuchamos composiciones de una gran intensidad bien escrita, con armonías que se apoyan en la base rítmica de estos dos potentes músicos como son Reija y Agrás. Algunos de los temas nos llegan cargados de una tensión casi cinematográfica, como "Mist", donde las armonías se tensan para desembocar en un solo donde el piano parece cantar. Solo hay una versión: al igual que Brad Mehldau, Claver pone sus ojos en el grupo Radiohead y versiona uno de sus temas ("Climbing Up The Walls"), al que impone una intensidad cercana al blues rock que resulta muy atractiva.
Nos gusta su manera de enfocar los temas, de desarrollar las melodías y de conseguir esa intensidad de la que hablamos sin desperdiciar energía sino utilizando recursos musicales lógicos, buscando la sinergia con los otros dos instrumentistas, como debe funcionar un trío. La misma intensidad se percibe en temas más íntimos y pausados, como "The Revenants", en los que, sin embargo, se va creando una expectativa que mantiene la atención del oyente mientras el tema crece para, con mucha habilidad, devolverlo a la lírica inicial.
El piano es tan fundamental para entender el blues como la guitarra de Robert Johnson. El piano fue el instrumento que derivó rítmicamente hacia el rhythm & blues y este, a su vez, al rock'n'roll. Décadas después, con las fronteras estilísticas tan difusas, nos encontramos con uno de esos músicos capaces de revivir el pasado y darle el valor que sigue teniendo. Paul San Martin recupera clásicos como "New Early in the Morning" y "Bumble Boogie" en un quinto disco (el tercero como líder), una grabación realizada en directo en los estudios Big Spoon del contrabajista Abdell B. Bop, que lo acompaña en esta sesión, y publicada en 2019 por Gaztelupeko Hotsak. El trabajo se titula A French Session y en él aparece conformando el trío el baterista Romain Gratalon y, como invitados en varios temas, el saxo tenor de Sylvain Tejerizo y la guitarra de Chris Ruest.
Fuente: web de Paul San Martin
Paul San Martin es titulado superior en Piano Jazz y uno de esos músicos que comenzó como pianista clásico de pequeño y descubrió la iluminación de las músicas negras (blues, r'n'b...). Claramente hijo musical de Dr. John y del Professor Longhair, entre otros, este donostiarra (San Sebastián, 1979) lleva más de veinte años pisando escenarios como líder o colaborando con luminarias como Mingo Balaguer, Lluís Coloma, Billy Boy Arnold... y revitalizando estilos que no están de moda pero que el aficionado al blues o al jazz celebran escuchar.
El lado francés en el que se mira Paul San Martin en este álbum tiene dos perspectivas: de un lado, los músicos franceses con los que toca, y de otro, ese espiritu francés de Nueva Orleáns que la diferencia del resto de ciudades de Estados Unidos. En Nueva Orleáns, el blues puede sonar zydeco o cajun, adquirir connotaciones festivas como en "Tipitina" (Longhair) o ritmos callejeros ("Hey Pocky A-Way") y el piano de San Martin absorbe y destila todas estas influencias con el espíritu de un hijo adoptivo de Louisiana.
Temas como el glorioso "Too Many Dirty Dishes", ejemplo de canción en la que la miseria y la tristeza dan forma a un blues, o "Bumble Boogie", versión en forma de boogie woogie de "El vuelo del moscardón" de Rimsky-Korsakov, hacen de A French Session un disco vitalista, divertido y fácil de escuchar que esconde la profundidad de un estudio concienzudo del estilo y de la tradición, el encanto de una joya restaurada.
DELFEAYO MARSALIS UPTOWN JAZZ ORCHESTRA, Uptown on Mardi Gras Day (Troubadour Jass Records, 2023)
Publica de nuevo Delfeayo Marsalis para recordarnos lo mejor del carnaval de Nueva Orleáns, con sus ritmos callejeros y su sentido del jazz como celebración. Uptown on Mardi Grass Day es precisamente eso, un retrato del corazón de la que llaman Big Easy en el gran día del carnaval, el Mardi Gras. A diferencia de sus discos anteriores Jazz Party y Kalamazoo, en este álbum hay temas más sosegados, menos ritmo callejero y más sofisticación en los arreglos, que suenan más funk pero netamente locales. La Uptown Jazz Orchestra, como siempre, es un caleidoscopio de músicos (hasta 30 instrumentistas y vocalistas participan en el álbum) que aporta un color espectacular.
Foto: Eric Waters
El disco comienza con "Carnival Time", tema estrella de Al Johnson (no confundir con el de The Jazz Singer) en el que escuchamos la voz de Andrew Bahan y unos arreglos de viento que nos devuelven a esa época pre-bop donde el jazz de baile estaba a punto de eclosionar en otros estilos más bailables como el rock'n'roll. Maravillosa también la intervención de Glen David Andrews en "They All Ask'd for You", un cantante con un timbre tan cercano al de Louis Armstrong que pone los pelos de punta. Como comentaba más arriba, los ritmos son más sofisticados y elegantes, menos callejeros, por decirlo de alguna manera, y suenan sinuosos y seductores ("Midnight at the Zulu Ball", escrito por Marsalis y con un gran solo de Khari Allen Lee al alto y otro del trombonista) y nostálgicos en otros momentos ("All On A Mardi Gras Day"), todo un recorrido emocional.
Tras mucha música, profusión de arreglos y guiños. nostalgia de los clásicos ("Big Chief", "Street Parade"), la fiesta se desmadra por fin en "So New Orleans!" y termina con un mambo titulado "Mardi Gras Mambo (For the Jass Cats") con un brutal Marvin 'Smitty' Smith en la percusión, solos de Delfeayo, su hermano Brandford Marsalis al soprano (vertiginoso, erudito, fabuloso) y una coda con cierto regusto a nostalgia que remata Jason Stewart al contrabajo.
En resumen, un disco con arreglos fabulosos que deja un rato de diversión y unas ganas de ir a Nueva Orleáns en el carnaval (es esta semana) aunque, como suelen decir allí, "no hay sitio para mear en el Mardi Gras".
The Choco's Hot Seven recrean esa manera festiva de disfrutar del jazz que se aleja de complejos para hacer prevalecer el placer de la música, lo que no excluye la necesidad de cierto virtuosismo para defender estos ritmos incansables. La banda acaba de sacar su primer álbum en Blue Asteroid Records con el título de Spanish Tinge. (que viene a significar "tinte español", algo que nos devuelve a la Nueva Orleáns que vio el nacimiento del jazz hace más de cien años y donde, entre otras influencias musicales, prevalecían los ritmos que venían del Caribe y que, a su vez, eran herederos de los ritmos africanos y de las tradiciones de los colonos españoles. Como Luis Escalante Ozalla nos comentaba en una entrevista a raíz de su libro Nueva Orleáns 1717-1917, sexo, raza y jass:
Los esclavos que llegaron a Nueva Orleans no procedían de África sino del Caribe, y muchas de sus islas estaban bajo dominio español por lo que estos trabajadores forzosos ya venían con una música influenciada por la española, de ahí que Jelly Roll Morton expresase que el verdadero jazz debería de poseer algo de “spanish tinge” (tinte español).
Y esa es laesencia de The Choco's Hot Seven, un jazz desde la raíz, el que se podía escuchar en aquel momento glorioso de surgimiento, sin posteriores intelectualizaciones ni fusiones forzadas. Los temas no son breves pero se nos hacen fugaces, con la necesidad de escucharlos de nuevo, y se suben a la cabeza desde el primer acorde. El uso de los mismos instrumentos que se usaban en aquella época convoca el espíritu de aquellos fundadores del jazz y garantiza un sonido crudo y auténtico: tuba (Daniel Abad), banjo (Mario Pousada), tabla de lavar (Álvaro Blas), corneta (Nacho Botonero), trombón (Israel Lino), clarinete (Ernesto Naranjo) y claqué (Samuel Rigal).
En cuanto al repertorio, pocas sorpresas y muchos temas imprescindibles. El banjo nos da la bienvenida a este disco con una canción que es toda una declaración de intenciones: "Old Fashioned Love" (el cantante invitado es nada menos que Marcos Padilla, de O Sister!) y todo a partir de aquí nos sonará viejo, viejo con el lustre de lo verdaderamente valioso y que vale la pena preservar, temazos que han sobrevivido a todo un siglo a las modas pasajeras, como "St. Louis Blues" (que escribió WC Handy y a la que dio su forma inmortal Louis Armstrong), aquí con unos solos fabulosos a la corneta (con un toque español) y al trombón; "Makin' Runs", atribuida a Buddy Bolden; o esa pieza imprescindible que es "It Don't Mean a Thing" con sus sucesivos solos, siempre al límite, y su juego de llamada/respuesta entre la tabla de lavar y el claqué. El final es una gloriosa versión de "On The Sunny Side of Street" que comienza con un tempo lento, perezoso, que sugiere ese calor de Louisiana, y que conduce a un final lírico, inspirador, a un final estimulante.
Aquí les dejo un medley, pero lo mejor, sin duda, es escucharlos en directo, ya sea en concierto callejero o en los formatos que ofrecen de concierto dramatizado o concierto didáctico. No se los pierdan.
Pongamos una base jazzística intrincada y moderna, un saxofonista inspirado y un toque de electrónica en el Fender Rhodes y tenemos un cóctel sugestivo e hipnotizante que nos lleva (por momentos) a aquellos años de la eclosión de Weather Report y todo lo que el grupo de Zawinul trajo detrás. La diferencia es un toque se modernidad y una serenidad alejada de aquellos días de rebeldía y rupturismo, una serenidad que redunda en elegancia. El disco que estamos escuchando es Machina Mundi, un título y una banda, porque no hay diferencia, que supone el nuevo proyecto del saxofonista Luboš Soukup, a quien escuchábamos hace unas semanas en otro proyecto de 2022, el disco a dúo Levitas.
Foto: Hedvig Larsson
En este nuevo proyecto, el saxofonista checo, que lleva años viviendo en Copenhague, ha creado Machina Mundi con colegas del Rhytmic Music Conervatory (los suecos William Larsson, en los teclados, y Daniel Johansson, en la batería, y el contrabajista canadiense Graig Earle). Fraseos líricos, meditativos, en contraste con el lenguaje polirrítmico de la percusión, el groove del Rhodes y los efectos de los teclados electrónicos, el disco juega con un concepto casi filosófico. Las improvisaciones se convierten en disgresiones musicales (arreglos complejos, texturas novedosas, sonidos envolventes) e intelectuales (enfocando el mensaje de los temas hacia la energía perpetua que mueve el mundo, reflejado en los ritmos y el uso de reverbs, que aportan una sensación espacial de magnitud, de todo).
En consonancia, los títulos sugieren al oyente mitos del imaginario colectivo, recurriendo a imágenes de la Biblia ("Out of the Garden of Eden"), la suerte ("The Wheel of Fortune") o el tarot ("Black and White Sphinxes"), convirtiendo cada tema (todos compuestos por Soukup) en un momento inspirador, con cierto toque narrativo cinematográfico que engancha al oyente.
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