UNIVERSO PARALELO

MARK WINGFIELD, JANE CHAPMAN & ADRIANO ADEWALE, 
Zoji (Moonjune Records, 2021)

La peculiar tímbrica del clavecín, un instrumento insólito tanto en el jazz como en la música improvisada actual, aporta una atmósfera poética, distante, como de universo paralelo, a las composiciones de este álbum. La responsable, Jane Chapman, es una de las más reconocidas intérpretes de clavecín (pueden llamarlo también clavicémbalo, gravicémbalo o simplemente clave pero seguirá sonándoles a barroco) del Reino Unido. Su repertorio va desde la música antigua hasta el avant-garde. Su presencia en un álbum de Mark Wingfield no debe sorprender a quienes le conocen. El inglés no solo escribe música. Escribe imágenes, siempre sorprendentes imágenes sonoras. Al menos, así es como se describe siempre en la carpeta de sus discos: Mark Wingfield, guitarra y paisajes sonoros. 

El trío lo completa el percusionista brasileño afincado en Londres Adriano Adewale. Compositor, educador y licenciado en percusión en la Universidad de Sao Paulo, es un músico explorador y versátil que aquí participa también en las voces. 

Los paisajes contenidos en Zoji van desde los ritmos especulativos, cambiantes, difusos, de "City Story" hasta la energía casi mágica de "Viaduct Road", tema con el que termina el álbum. En medio, escenas poéticas que recorren todo tipo de sentimientos a través de armonías contemplativas, desoladoras o simplemente expectantes. Un álbum de composiciones complejas e interpretaciones delicadas que es una experiencia sonora única.


La inspiración del álbum traspasa no solo las fronteras estilísticas musicales sino las geográficas. El título del álbum señala al que puede que sea el paso entre montañas más elevado del mundo: el Paso de Zoji, en el Himalaya. A este lugar está dedicado el tema "Zoji Pass", un tema muy descriptivo que crece hasta una intensidad abrumadora. Es asombroso cómo un sonido mil veces escuchado (el del clave), que a la mayoría nos puede traer a la mente a Bach o a Händel, se puede adaptar a influencias tan exóticas como la música persa. "Persian Snow Leopard" se mueve por armonías inspiradas en la música de Oriente Medio a partir del clave, al que la guitarra responde en el mismo lenguaje. Del mismo modo, es también curiosa la manera en que la maestría de Chapman consigue hacer sonar el clave como si se tratara de música electrónica ("Parallel Time").

En resumen, Mark Wingfield sigue creando discos únicos, siempre un paso más allá de lo que pueden esperar de él quienes hayan catado su extensa discografía. En Zoji presenta un álbum inusual que vale la pena explorar.  

Les dejo aquí otra versión de "Parallel Time" interpretada en directo y sin la presencia de Adewale. Está grabada en el Kings Place de Londres hace 8 años.


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IMÁGENES

NO-LAND TRIO, Irudiak (Errabal Jazz, 2021)

Las notas del libreto de Irudiak prometen "una aportación honesta y sin condiciones al arte en general y a la música en particular" y eso es lo que encontramos, jazz en el estado más puro, tres músicos en la formación que más libertad suele permitir, el trío de piano, tres músicos con solo unas propuestas sobre el papel y toda el espacio para improvisar. Y el resultado es un álbum complejo, lleno de momentos que fluyen con naturalidad, como debe ser, fruto de la complicidad entre los músicos y de su experiencia, sin límites estilísticos ni lineas rojas y, sobre todo, haciendo jazz que apetece escuchar. 

Los músicos del trío son el pianista alicantino Jorge Fernández, el contrabajista cordobés Juanma Domínguez y el baterista alavés Aitor Bravo, tres músicos con distintos orígenes que coincidieron en Musikene, esa gran fábrica de musicazos de jazz, y que ya grabó antes bajo el nombre de No-Land Trio un disco llamado así, No-Land Trio, en 2019, tomando como enseña sus orígenes mixtos. Ahora profundizan en esta filosofía de la improvisación y la heterogeneidad con una colección de nueve temas, casi todos originales, algún estándar y un tema popular. 

Una muestra:


Lo más interesante del disco es esta norma de que todo está improvisado a través de unas líneas pactadas o de la estructura de un estándar ("Stella by Starlight de Victor Young). La improvisación obliga a cada músico a escuchar y a responder de manera original, lo que ofrece continuos destellos de talento y permite apreciar la verdadera personalidad de cada uno de ellos, más que si estuvieran simplemente reinterpretando lo escrito por otro. Todo esto ocurre con una estética moderna que recuerda según qué pasajes a otros tríos, en algún momento a Brad Mehldau, en otros a Keith Jarrett, The Bad Plus o incluso a Bill Evans... 

La originalidad está en el uso que hacen de estas influencias y cómo las traen a la personalidad de cada uno. Hay síncopas monkianas en "Medio hombre con montera dise: hola", pero también apuntes foklóricos en "Nana de Sevilla", la canción popular que recuperó García Lorca, algún guiño flamenco, momentos que miran a la Tercera Vía al estilo de Bill Evans y, sobre todo mucho color.

Pero como en el jazz toda comparación es relativa (y casi siempre inútil), les recomiendo que escuchen el disco, con atención y, si es posible, en directo, porque la capacidad de No-Land Trio es la de una banda con ganas de decir mucho y la fuerza para hacerlo. En palabras de Juanma Domínguez, "el purismo no es más que miedo a lo deconocido."

Aquí un tema anterior, grabado en 2018 en vivo en el tristemente desaparecido Café Jazz Naima de Sevilla, donde se aprecia la comunión de los músicos del trío: 


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1.000.000 DE VISITAS

COMPARTIENDO LA PASIÓN POR EL JAZZ

Hace unos años decidí crear un blog. No era este. Era otro que pretendía ser una novela por entregas en el universo nada propicio de Internet. A modo de "prueba", creé Jazz, ese ruido y escribí dos artículos bastantes toscos sobre Kind of Blue. No cayeron en saco roto porque comenzaron a llegarme comentarios positivos y me vi empujado a escribir más. Y más.


Dos razones. La primera es que el blog me puso en contacto con músicos de jazz españoles. En 2007 no había tantas redes sociales y era mucho más complicado
contactar con músicos de jazz, en especial si vives en Huelva y todo está tan lejos. Ahora me llegan constantes y muy distintas muestras de que se hace aquí y allá. La segunda razón es que necesitaba escribir. Lo mío es la ficción pero la necesidad de redactar (como mínimo) un artículo por semana era una obligación apetecible. Me infundía disciplina y me alentaba a no detenerme, a mantener abiertos varios proyectos a la vez, también en la ficción.

El primer logo
Recuerdo que, al principio, el contador de visitas se movía tan lento que el primer mes solo contabilizó 5 visitas. Ahora, tras 653 artículos, tantos discos escuchados, tantos conciertos disfrutados, tantos libros devorados... el contador corre de vértigo. Por eso, solo quiero decir que hago esto para compartir la pasión por el jazz.

Gracias por la visita a los que os pasáis por aquí alguna vez a leer, a escuchar música o solo a curiosear. A los músicos, discográficas, editoriales y promotores que me envían sus materiales y sus invitaciones, gracias por impulsar el sector del jazz. A todos os deseo lo mismo: más jazz. Porque mientras suene música, valdrá la pena todo. 

Agradecido

JAZZ DE VERANO

SCOTT DUBOIS, Summer Water (Watertone Music, 2021)

El álbum comienza con un ir y venir de arpegios. El ritmo es persistente pero cambiante. Recuerda a las olas del mar y, por extensión, a un día de playa calmado y soleado. El guitarrista de Chicago Scott Dubois continúa con este Summer Water la estela de sus anteriores trabajos Winter Light (ACT, 2015) y Autumn Wind (ACT, 2017), inspirados en la naturaleza y en las estaciones, con la diferencia de que estos trabajos anteriores estaban grabados en formato de cuarteto y Summer Water es un enorme solo de guitarra, introspectivo y expresivo, valiente como todos los discos que llevan la palabra solo. 

Scott Dubois nació en 1978. Se formó en Nueva York y en 2005 fue semifinalista en la Thelonius Monk Jazz Competition. En 2018 ganó el premio ECHO, el equivalente alemán al Grammy norteamericano. Además de los discos citados, ha grabado dos con su quinteto y David Liebman para el sello Soul Note: Monsoon (2004) y Tempest (2006), que, como sus títulos indican, también están inspirados en la naturaleza. En su media docena de álbumes como líder, ha dirigido un quinteto y un cuarteto antes de llegar a la libertad de este disco en solitario.


Toda esa libertad se transforma en sentimiento a través de los acordes impresionistas de Dubois. Busca constantemente una introspección que resulta fructífera. Crea atmósferas de una bella fuera de lo normal, una belleza nada estereotipada sino inusual, de una modernidad casi europea. Su libertad viene del free jazz pero ha evolucionado dentro de los parámetros tonales. Escapándonos del jazz, hay algo de Mahler en su sensibilidad hacia la naturaleza y quizás algo de Ravel, o de lo que Ravel debe a Debussy...

En cuanto a estructura musical se refiere, el compositor juega aquí con la memoria musical del oyente: los temas están reflejados como en un espejo cuya imagen va y viene. En la dicotomía mar y río, agua salada y agua dulce, el tema 1, titulado "Into River Fog" se refleja en el último ("Into Sea Fog"), tanto en melodía como en estética. Lo mismo ocurre con el 2 y el 10, el 3 y el 9, el 4 y el 8, el 5 y el 7, quedando una isla en medio que es "Storm Where the River Meets the Sea", muy expresionista, lleno de disonancias que aluden a la presunta tormenta, y que sirve de nexo. Una manera de presentar los temas que juega con la sensibilidad del oyente a través de la retentiva... y de la imaginación porque la música siempre es una metáfora, invita a imágenes mentales y, en el fondo, Dubois compuso este Summer Water en , según sus propias palabras, "durante un amargamente frío invierno de Chicago".

El resultado es tan plástico que hace imperceptible la frontera entre lo escrito y lo improvisado. Pero la sensibilidad está ahí, envuelta en su técnica, que explora, con variaciones y juegos, todas las posibilidades tímbricas y de color de su guitarra para contarnos lo que siente de una manera casi íntima. 

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* Web: www.scottdubois.com

LA REVOLUCIÓN CONSTANTE

ORQUESTA GALEGA DE LIBERACIÓN (2021)

Poner a este disco la etiqueta de free jazz es quedarse corto. La Orquesta Galega de Liberación es un combo de gran formato creado por el siempre inquieto Xacobe Martínez Antelo no sabemos si para este concierto grabado en Santiago de Compostela o con algún afán de continuidad. Lo que sí es cierto es que la grabación es irrepetible, 10 temazos grabados en directo, basados en la improvisación y, como dice la contraportada del disco, compuesto a tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigidas, asegurando que no había nada pactado de antemano ni aprendido ni compuesto; en resumen, la esencia de la improvisación en el jazz, con músicos que solo cuentan con su inventiva, su experiencia y sus oídos para conectar con el resto.

Frente a un disco así, uno se pregunta: ¿Queda espacio para las vanguardias en el panorama actual? ¿Qué vanguardias caben tras las vanguardias? Lo cierto es que el concepto de rupturismo estético necesita un statu quo que romper. En otras artes como la pintura o la escultura prácticamente se ha roto con todo pero en el jazz, la revolución constante es la base fundamental que lo mantiene vivo. En este sentido, basta comenzar a escuchar conciertos/discos como éste para percibir por qué el jazz es excitante. 


Dentro de todo este esquema de no-temas, el disco contiene 10 cortes llenos de momentos. Paisajes sonoros inusitados, inquietantes, excitantes, desconcertantes, todo un despligue de recursos que van de lo atonal a lo simplemente rítmico, que exploran las tímbricas de una orquesta tan dispar, con combo de jazz más cuerda más voces... Un desafío que pone de manifiesto la conexión entre los distintos artistas. Nada de lo que hayan escuchado antes se parece a esto y, sin embargo, tiene una conexión latente con mucho del jazz que se ha hecho en los últimos 50 años, de los setenta para acá. Con ese mismo espíritu, Xacobe Martínez Antelo ha bautizado el ensemble como Orquesta Galega de Liberación, inspirándose quizás en otro bajista (Charlie Haden) que debutó como líder con su Liberation Music Orchestra en 1969 (publicado por Impulse! en 1970). 

Grabado el 12 de septiembre de 2020 en el Teatro Principal de Santiago de Compostela, dentro del Festival Plataforma, el ensemble incluye 16 músicos que vienen campos tan distintos como la música clásica, el jazz, la vanguardia y la performance, todos ellos afincados en Galicia: Xacobe Martínez Antelo (contrabajo y dirección), Max Gómez (batería), LAR Legido (batería), Javier "Gdjazz" Pereiro (trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez (saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello (clarinete bajo), Rubén Fernández (voz), Faia Díaz (voz), Antonio Bravo (guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo). Casi nada. 

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* Más info: http://xacobemartinezantelo.com/discos/ver/24

CLÁSICOS QUE SUENAN LATINOS

CLARE FOSTER, Kumbhaka (2021)

Si la voz es el instrumento más complicado (según dicen) la inglesa Clare Foster es dueña de la complejidad. Escuchando su nuevo álbum Kumbhaka, certificamos su versatilidad, tanto en estilos como en el dominio del fraseo, del ritmo, de la síncopa. Y lo hace con un estilo muy personal y que, sin embargo, recuerda a tantas cantantes clásicas... También es compositora, letrista y educadora, pero en este álbum nos ofrece una colección de standards en adaptaciones sorprendentes.

Nacida en Inglaterra, Clare Foster se mudó a Nueva York con 20 años con la idea de formarse. Asistió a clases con Barry Harris y la vocalista Judy Niemack, y consiguió subirse a los escenarios neoyorquinos y a los de Nueva Orleans, su siguiente parada. De vuelta a Londres, se diplomó en la Guildhall School of Music y se convirtió en habitual de la escena en vivo de Londres y también de Amsterdam, donde grabó su primer álbum titulado Clare Foster Sings Wayne Shorter (Groove, 1993). Después trabajó en Canadá con músicos locales y en 1998 el guitarrista de Elvin Jones Ryo Kawasaki la invitó a participar en su disco Cosmic Rhythm y la llevó de gira a Nueva York. Su carrera la ha llevado a diversos escenarios de América del Norte, Europa, Asia y Brasil, de donde ha adoptado un gusto especial por la bossa nova y los ritmos latinos más delicados y expresivos, como demuestra en algunos temas de este álbum, que hace algo así como el número 14 en su discografía.

En Kumbhaka hay varias interesantes revisiones deL American Songbook a través de ritmos y estéticas traídas de Latinoamérica. Por ejemplo, "Just One of Those Things" (Cole Porter) suena nuevo y fresco al ritmo de la bomba, un estilo autóctono de Puerto Rico, mientras que "I'll Remember April" se mueve a ritmo de candombe, "Singin' In The Rain" se convierte en bossa nova, el delicioso "What Are You Doing The Rest Of Your Life" de Michel Legrand suena a milonga... y todo ello con honestidad, frescura y una voz versátil que se adapta a todo. El disco se completa con varios temas originales, de los que destacaremos "Quem Canta Os Males Espanta", escrita por Clare Foster con Sue Jarvis, una seductora samba cantada en inglés y portugués.

En resumen, Kumbhaka contiene una buena colección de canciones para conocer a una cantante que posee experiencia y una manera muy original de traer los temas a su propio estilo, un estilo innovador y a la vez clásico y adecuado para cualquier oído purista.




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* Web oficial: www.clarefostermusic.com

* Álbum digital disponible en: clarefoster.bandcamp.com

ESE SONIDO CÁLIDO DEL ALTO

SAM BRAYSHER TRIO, Dance Little Lady, Dance Little Man 
(UNIT Records, 2021)

Para nuestra sorpresa, Sam Braysher no es solo un joven saxofonista con ideas, también es el afortunado poseedor de un sonido cálido y flexible que dota a los temas de una voz más cercana al sentimiento que a la intelectualidad. Formado en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, donde se graduó con honores, lleva años en los escenarios de Londres tocando el saxo alto (y también el clarinete) haciendo hot jazz, cotemporáneo, clásico, swing... con músicos como Elaine Delmar, John Warren’s Nonet, London Jazz Orchestra, London City Big Band... y ha obtenido algunos premios, como el UK Jazz Radio Young Performers’ Award. Debutó con un álbum titulado Golden Earrings (Fresh Sound New Talent, 2017), grabado a dúo con el pianista americano Michael Kanan

Otra de las formaciones en las que ha tocado Sam Braysher es REBOP, un quinteto internacional donde ha coincidido con Jorge Rossy, que aparece en este álbum como percusionista. Braysher declara en las notas del disco que escuchaba y admiraba a Rossy a través de los discos de Brad Mehldau. Como últimamente Jorge Rossy está tan solicitado que aparece cada semana en alguna de nuestras reseñas (Miguel Zenón, Storione-Rossy-Schürmann), no es necesario explicar la calidad rítmica que aporta. Aquí no solo lo escuchamos a la batería sino también en el vibráfono ("Some Other Spring") y la marimba ("This Nearly Was Mine"). El otro componente de la sección rítmica es Tom Farmer, un contrabajista también muy joven y con un sonido nítido y muy rítmico, clásico y potente. Los dos son la base perfecta para que Braysher pueda expresarse con toda la libertad y el espacio que necesite. Los temas están muy bien llevados y son amenos, de manera que los 45 minutos del álbum vuelan y dejan ganas de escucharlo de nuevo.

Fiel a su propia filosofía, Sam Braysher ha escogido un repertorio de clásicos (más un tema original) que huye de lo habitual. No es algo normal en músicos jóvenes pero él intenta explorar piezas del American Songbook no demasiado interpretadas. Desde el tema que abre el álbum ("For Regular Only" de Dexter Gordon), el oyente percibe un placer en el desafío. Adapta temas interpretados por tenores y los transporta al saxo alto. Sí, al revés sería más complicado, pero lo que hace Braysher también es arriesgado. Lo hace también con "Body and Soul", un tema que con Dexter Gordon alcanzó un nivel inolvidable, y "reta" a Stan Getz con una versión acelerada y fresca de "One Note Samba". Aparte de esto, encontramos versiones de los Gershwin, de Rodgers & Hammerstein... y un tema Disney ("Reflections"), convertido aqui en una lacónica, expresiva y breve balada. 

Dance Little Lady, Dance Little Man, grabado los días 14 y 15 de mayo de 2019 a unos pocos kilómetros de Barcelona, en Bon Repòs (Begues) se publica el próximo 22 de abril distribuido por la alemana Unit Records. 


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* Web: sambraysher.com

FRESCO Y CLÁSICO

JAVIER NAVAS, Fresh Start (2018)

Será por esto de que el mundo se ha parado durante todo un año, que nos están llegando ahora grabaciones publicadas antes de la pandemia. Y no una ni dos. La que tengo sonando en mis altavoces es un seductor y elaborado disco de un cuarteto de vibráfono y piano, algo tan inusual en el mapa del jazz español como placentero. El vibráfono es un instrumento lleno de posibilidades armónicas que Javier Navas explora como nadie, especialmente en los tonos más dulces, creando atmósferas llenas de color donde es fácil perderse. Lo vimos en directo en una ocasión y tiene esa capacidad arrolladora. Esperemos que, cuando todo esto pase, se nos permita ponernos al día en conciertos y no solo en grabaciones.  

Javier Navas es un músico andaluz que desarrolla su carrera entre la clásica y el jazz. Su sonido mira  a la modernidad pero también a la tradición. Sería tan absurdo compararle con los clásicos como negar que tiene influencias de los vibrafonistas que van del swing al hardbop pasando por el West Coast. Hay un rígido esqueleto de jazz clásico en todo lo que toca (sin negar que su sonido es moderno y brillante), pero Navas demuestra en cada tema que tiene una voz propia e identificable. 

Para todo esto, cuenta con un cuarteto de nombres muy valorados: Juan Galiardo al piano, Bori Albero al contrabajo y Dani Domínguez en la batería, a los que se suma en cuatro temas Enrique Oliver, nombre que suena cada vez más gracias a que va demostrando todo lo que puede dar de sí. 

En Fresh Start, como en su anterior Finally In My Hands (2016), hay temas especulativos, donde ritmo, repetición y progresiones armónicas buscan nuevos sonidos ("Vivir para mirar", "Cuando fuimos estrellas"). Otros temas del álbum fluyen más como baladas clásicas ("She Was Right"), especialmente donde aparece Oliver ("Sail Away" de Tom Harrell, el único tema del álbum que no ha sido compuesto por Navas). Hay algún tema más acelerado, como "El ritmo nos gobierna", exigente y donde el virtuosismo se une a la velocidad, o "Llegada imposible",  donde destaca Oliver en un solo tremendo. Pero, en general, Javier Navas demuestra durante todo el disco que dominar el ritmo no tiene nada que ver con la velocidad sino con la expresividad y la técnica. 

La cercanía y la diferencia entre dos instrumentos armónicos de percusión como vibráfono y piano se pone de manifiesto en el diálogo constante entre Navas y Galiardo, tanto cuando uno de los dos hace de acompañante como en los solos. La base rítmica del piano en "El buscador" es perfecta para la sonoridad del vibráfono y para el solo enorme que desarrolla Javier Navas con las mazas. Le sigue, como no podía ser de otra manera, un solo potente de Galiardo, como si hubiera recibido un desafío... 

En resumen, otro disco recomendable de Javier Navas, un músico que merece la pena escuchar con atención y, siempre que sea posible, en directo.





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* Foto de la web de Javier Navas: www.javiernavasmusic.com

JAZZ SIN INSTRUCCIONES

JORDI SANTANACH, Instruccions: clavar per la línia de talls
(Underpool, 2020)

Vivimos tiempos de introspección, de soledad, con lo positivo que esto tiene también a veces. En el maldito año que ha pasado, nos han llegado (y nos siguen llegando) discos de músicos que han entrado solos al estudio (pianistas como Fred Hersch, el celebrado álbum de Alberto Vilas, el sueño de la naturaleza de Scott Dubois), pero nunca nos había llegado un disco de un clarinetista. Es el caso de Jordi Santanach y su cautivador Instruccions: clavar per la línia de talls. Las grabaciones de músicos en solitario suponen un riesgo total para el músico. Pero el jazz es siempre una música de individualidades, individualidades que suman y se entienden en una relación que Wynton Marsalis llama música democrática porque todos importan y todos escuchan. En el disco en solitario, el músico nos permite apreciar en toda su crudeza y su valentía sus capacidades para improvisar y para expresar.
 
Foto de Jaume Olivet
El título sugiere la dificultad, muchas veces, de seguir las instrucciones que se nos dan, muchas veces por la falta de lógica de quienes las dictan y otras por algún defecto de comunicación en las mismas. Sean instrucciones de la autoridad local, de un mueble de Ikea o del juego al que juguemos, no hay lugar donde es más placentero saltarse las normas que en el jazz. Y, aunque la música de Jordi Santanach solo se acerca al jazz en el carácter de libertad e improvisación, creo que podría ser un buen ejemplo para muchos músicos. Santanach, que también es artista plástico, ilustra esta filosofía con el poema visual que le sirve de portada y que es parte esencial de la obra, un álbum que no se vende en CD sino en formato lámina. La lámina de este poema visual viene impresa en A3 y papel Fedrigoni Splendor Gel de 230 gramos en una edición limitada de 100 ejemplares, incluyendo, como es lógico, un código de descarga digital. 


Los temas del disco, variaciones sobre la idea de la imposibilidad, juegan con este concepto y, sobre esa idea, los títulos de los temas juegan con las posibilidades de las letras y los significados como Santanach juega con las llaves del clarinete: a "Untitled" (sin título) le siguen "Unlited", "Unttiled", "Unitlted", "Unittled", "Unltited", "Unlitted" y, finalmente, un "Epilogue". Es más que un juego de palabras, es una advertencia para el oyente desprevenido o incluso escéptico que pueda pensar que todo va a sonar igual. 

Ningún disco con un solo músico es fácil de escuchar, pero Santanach derrocha recursos e imaginación para conseguir un álbum que expresa, que transporta al oyente, que hace que uno olvide que solo hay un músico sonando. Los temas se grabaron en dos días en el estudio Underpool sin pistas adicionales ni efectos. Solo el tema "Unltited" tiene dos capas adicionales de clarinete y clarinete bajo tocadas también por Santanach, y el tema que cierra el álbum ("Epilogue") es una improvisación sobre una nota para afinación (La) generada por el metrónomo y que suena de manera continua durante todo el tema. Como decíamos antes, originalidad. 


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* El álbum está disponible en: underpool.bandcamp.com

ORIGINAL STANDARDS

STORIONE-ROSSY-SCHÜRMANN, 
This Time The Dream's On Us (TCB Records, 2021)

Estamos escuchando el potente álbum del trío formado por el pianista de Basilea Yuri Storione, el contrabajista también suizo Dominik Schürmann y el barcelonés Jorge Rossy a la batería, una formación clásica de trío con ideas modernas que expone en este álbum una colección de temas originales que suenan a standard. Bebop sin estridencias, muy bien construido, que ofrece la posibilidad de disfrutar de un sonido clásico que suena a nuevo.

A sus 27 años, Yuri Storione destila amor por lo clásico pero su estilo sofisticado y su fraseo brillante denotan una gran formación académica y una sensibilidad moderna. Formado en la música clásica desde los 4 años, Storione ha tocado en festivales de jazz desde Andalucía hasta Dinamarca, acompañado siempre de músicos con un perfil moderno y avanzado (Larry Grenedier, Jeff Ballard, Mark Turner, Perico Sambeat, Esen Aydin...) configurando un estilo que no defrauda en ningún momento. Su forma de expresar las melodías y sus progresiones armónicas producen un jazz rico en contrastes, lleno de momentos. 


Publicado por la discográfica TCB de Montreux, el álbum contiene solo dos standards reales. Son "Ruby My Dear" de Monk, que suena aquí lento y dulce, también apasionado, mucho más fluido sin las síncopas monkianas, igualmente conmovedor, y el tema de Harold Arlen (al que luego puso letra Johnny Mercer) "This Time The Dream's on Us", que da título al álbum. El resto de los temas que componen el disco, compuestos cuatro por Storione, cuatro por Schürmann y dos por ambos, podrían pasar igualmente por piezas del American Songbook para un oyente despistado y, para uno atento, son una delicia realmente intemporal. Jugando con las palabras, como en el titular, han fabricado nueve nuevos standards inspirados en la tradición pero con una sensibilidad moderna y avanzada, muy europea.

Tanto en baladas, donde el piano parece cantar ("Violeta"), a veces a dúo con el contrabajo ("Ms. G.R."), como en otros donde hace suyas las estructuras ajenas ("Viva Bud Powell!") o se deja llevar por la síncopa ("Holding Line"), el sonido de Storione marca una personalidad fuerte, llena de swing y expresividad. El espacio que los temas ofrecen al trío es suficiente para apreciar que la sección rítmica se mueve en la misma línea.  



YURI STORIONE, 
Where Do We Start-Live at Bird's Eye (Sedajazz, 2019)

Si This Time The Dream's on Us sorprende al ser un tercer álbum muy maduro para un pianista de 27 años, no podemos dejar de recomendar la escucha de Where Do We Start (Live At Bird's Eye), el álbum que le precede en la discografía de Yuri Storione como líder. Publicado dos años antes por Sedajazz Records, merece la pena escucharlo para entender a este pianista más allá del trío, ya que en este disco suma un saxo (nada menos que Perico Sambeat). 

Grabado en el mismo Bird's Eye Jazz Club donde se grabó el álbum de Miguel Zenón del que hablamos hace una semana, en este álbum los temas son más largos, amparados en la libertad del directo. Basta escuchar el que abre el disco (un tema lento con un lejano aire de bolero titulado "Oblivion") donde muestra ya una versatilidad que va de la sutileza a la expresividad más patente, o "Málaga", también compuesto por Storione (todos los temas son suyos salvo "Un Poco Loco" de Bud Powell) donde juega con el ritmo constantemente. 

Según manifiesta en las notas del disco, Perico Sambeat era ya una influencia para él. Con Perico al lado, tiene que jugar un papel de acompañante más a menudo, fusionándose con la sección rítmica, dialogando a veces, siempre presente. 

Aparte de Sambeat y Storione, el cuarteto está formado por Stephan Kurmann al contrabajo y Marton Juhasz a la batería. Hay una grabación en vídeo de algunos de los temas de este álbum en un bolo en el valenciano Jimmy Glass, también con Perico Sambeat pero con otra sección rítmica. Este que suena es "E Waltz".


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