ALIENS

NEOBIONT, Neobiont (Loumi Records, 2022)

El nombre del grupo, Neobiont, significa literalmente "nueva vida", aunque se usa para definir a las especies invasoras, formas de vida de otros ámbitos que se instalan en otros ecosistemas. El jazz es, de por sí, un ecosistema que acepta y metaboliza todo lo nuevo que llega, y Neobiont es un grupo de músicos jóvenes con ideas nuevas que vienen a sorprender y, al mismo tiempo, aportar ese placer de descubrir nuevos sonidos dentro del jazz.

El propio nombre de la banda implica una cierta alienación. Los miembros del quinteto son Benedikt Jäckle (saxofones), Leandro Irarragorri (piano), Jakob Obleser (bajo), Jonas Esser  (batería) y Jonas Kaltenbach (batería). El hecho de contar con dos baterías proporciona unas sensaciones muy potentes en algunos temas como "Mar (live)", elaborando patrones rítmicos ciertamente complicados. Se trata de un personal muy joven que ha nacido en Alemania y Suiza pero que ha crecido musicalmente en Alemania, de ahí el nombre de Neobiont, que enlaza con el término inglés alien, que lo mismo sirve para designar a un extranjero que a un extraterrestre. La banda juega con este término en el primer tema del disco ("Alien Species I", y luego en "Alien Species II") de una manera muy curiosa: utilizando un motivo musical que creó John Williams para Star Wars


La estética musical de Neobiont es la de un jazz contemporáneo, con muchos elementos del siglo XXI que, sin embargo, enlazan con filosofías rebeldes como el bebop y el avant-garde de los años 60, lo que produce temas con esquemas atrevidos y armonías seductoramente inesperadas. Un ejemplo es la balada "Opuntia", que contiene elementos que van más allá de la típica balada, con aspectos rítmicos (a cargo del contrabajo) inquietantes y que plantean preguntas al oyente, acompañados por una línea de saxo de un misticismo hipnótico.

Además de destacar el sonido original y renovado de los conceptos de vanguardia y bop, que hemos comentado, me gustaría destacar el interplay en los músicos. Ignoro si llevan mucho o poco tiempo tocando juntos pero es evidente que la parte más interesante de los temas nace de la experimentación conjunta (aunque solo aparezcan tres de ellos como compositores en los créditos). También quiero destacar las voces de Benedikt Jäckle en los saxos (místico, expresivo y, por momentos, rompedor) y de Leandro Irarragorri en el piano de cola (con su lenguaje contenido pero elocuente), dos músicos que funcionan muy bien juntos y dicen mucho en cada intervención.



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JAZZ CON SABOR A PARÍS

MARTA SIERRA, Paris Connection (Temps Records, 2022)

El violín es siempre un instrumento sorprendente en el jazz, por su fluidez, su cadencia y ese aire de bohemia. Quizás sea porque hemos conocido los mejores violinistas de jazz tocando en la orilla izquierda (Stéphane Grappelli nació en París, la misma ciudad donde murió Didier Lockwwod), por lo que no es extraño que las referencias que arman Paris Connection, el disco de la barcelonesa Marta Sierra tengan que ver con todo esto.
Marta Sierra lleva varios años recorriendo con éxito los escenarios de Barcelona y París (incluyendo La Chope des Puces, icónico local para los amantes del gypsy jazz), teniendo la oportunidad de tocar con nombres como Dorado Schmit y Costel Nitescu. Hace un jazz manouche lleno de nostalgia pero también de técnica. No es un estilo que exija mucha limpieza pero la ejecución de esta violinista es tan impecable que añade una belleza especial a las melodías gitanas de standards como "I Can't Give You Anything but Love" o el ineludible "All of Me". 


El disco, grabado en Barcelona y en Les Sables d'Olonne (Francia), muestra a un cuarteto bien engranado y que suena sin estridencias ni artificios inútiles, un cuarteto donde acompañan a la violinista el clarinetista Fredrik Carlquist (al que tuvimos el enorme placer de escuchar en directo acompañando a Sharon Clark), el americano Stuart Grant (ambos afincados en España) y el guitarrista Maxime Bousquet, en quien Marta Sierra puede decir que tiene su propio "Django", porque tiene el swing, tiene esa soltura traviesa y el color necesarios para construir esos acompañamientos manouche y esos solos excitantes.

A la hora de destacar un tema, hemos dudado entre el delicioso vals manouche con el que arranca el álbum ("Indifférence") o este "Exactly Like You", escrito por Jimmy McHugh y que, con la letra de Dorothy Fields cantaron, entre otros, Nina Simone y Diana Krall. Aquí, en la versión instrumental de Marta Sierra, tiene un swing delicioso, adictivo, que crece con los solos de Carlquist, Sierra y Bousquet, otra vez Carlquist y el clímax final de Sierra.

Una violinista y un disco recomendables para todos los oídos. 



* El disco está disponible en todas las plataformas: https://orcd.co/n37vq82

DOS TRIBUTOS

Hoy nos ponemos en los auriculares dos discos lanzados con muy poca diferencia de tiempo y que suponen sendos tributos a otros artistas de indudable influencia en el jazz actual. La más conocida de los dos es, sin duda, Carla Bley, a quien Lluís Vidal y David Xirgu dedican un tributo que suena muy bien. El otro disco está dedicado a Sean Levitt, guitarrista americano que vivió sus mejores dias en España y de quien, aunque murió en 2002, seguimos encontrando seguidores. Como Rai Paz. 


LLUÍS VIDAL, DAVID XIRGU, Carla Bley Songbook 
(Underpool, 2022)

Experimentar sobre lo experimental. Esta es la sensación que produce la escucha de Carla Bley Songbook, un disco firmado por el pianista Lluís Vidal y por el baterista David Xirgu, dos músicos que han demostrado suficiente en sus carreras individuales y que aquí, juntos, ponen sobre la mesa en qué les ha influido la música de Carla Bley. Porque en todo tributo hay una parte heredada y una parte personal donde escuchar qué nace de la influencia.

El disco comienza con "Wrong Key Donkey", que podría ser un buen ejemplo de ello, pero si tuviéramos que destacar algún tema, nos quedaríamos con la belleza de "Jesus Maria", un tema que originalmente grabó Carla Bley con el bajista Steve Swallow y The Partyka Brass Quintet en su disco navideño Carla's Christmas Carols (ECM, 2009).


Batería y piano son dos instrumentos que rara vez se complementan de una manera total, dejando vacíos que, mire usted por dónde, aportan una belleza rara a los temas de este songbook.

Lluís Vidal y David Xirgu en acción

Qué parte de estos temas pertenece a Bley y qué parte a estos dos musicales es quizás el aspecto más interesante del proyecto y pertenece a sus seguidores analizarlo. Nos limitaremos a dejar constancia de que la sofisticación de Bley en la búsqueda de nuevos sonidos encuentra aquí una nueva dimensión, más cruda y (quizás por eso) más elocuente. 


RAI PAZ QUARTET, Return | The Music of Sean Levitt
(Underpool, 2022)

Como ya escribimos en su día a propósito del documental sobre Sean Levitt Retrato de una memoria, fue un músico que siempre mantuvo su guitarra enfocada hacia el bebop. De su clasicismo da prueba el que Cifu lo invitara a uno de los programas de Jazz entre amigos . De la influencia que dejó su paso por Barcelona (dio clases en el Taller de Músics) y por Madrid (1986 a 1991) deja constancia este álbum, firmado por Rai Paz, en el que rinde tributo a la energía de Levitt, a su manera de ejecutar los solos tan sincopada, con fraseos originales que no suenan a nada ni a nadie anterior porque, hay que decirlo, Levitt era un espécimen único, un original.

Rai Paz, a quien escuchamos recientemente versionando el musical Gipsy en un álbum lleno de creatividad, asume aquí el papel de actor y se enfunda el estilo de Levitt con soltura y mucha erudición tras recuperar, con la ayuda del trompetista Benet Palet y de Carmen, compañeros de Levitt, sus partituras manuscritas, algunas inéditas. Se nota que lo ha estudiado a fondo y que, como decimos, la sombra de Levitt en Barcelona es alargada.


Como se puede escuchar en el tema que suena en el vídeo ("Mr. Henderson"), Rai Paz hace suyo el virtuosismo de Levitt, imprescindible para entender este tema donde, como contrapunto, escuchamos a un Toni Saigi brutal al piano. Tampoco desmerece el resto del cuarteto formado por unos incansables Pau Sala al contrabajo y Joan Moll a la batería. Puro bebop.

El disco incluye solo composiciones de Sean Levitt con el añadido de una canción. Se trata de "From Paris With Love", escrita por Stella Levitt. En esta grabación, Carme Canela pone la voz a esta balada. 

Return | The Music of Sean Levitt no es solo un disco para puristas. Es una delicia que redunda en aquel jazz imaginativo, exquisito, que supuso el bebop una vez pasada su primera época salvaje y que un músico americano, que había heredado de su madre la pasión por el jazz, continuó tocando toda su vida hasta iluminar a músicos actuales, algunos tan virtuosos como Rai Paz.

HONESTIDAD MUSICAL

THE MACHETAZO, Searching Hard (Errabal Jazz, 2022)

Con este título, Searching Hard, el quinteto The Machetazo tiene la honestidad de admitir que un músico siempre camina buscando, especialmente buscando su propia voz, por muy conseguido que lo tenga. Para este combo, es el tercer álbum después de 1290 Prospect Place (2017) y A Vision In A Dream (2019). En la nota de presentación del álbum, se habla de búsqueda, de magia y del arte de crear lo que aún no es como sublimación de la esencia individual o colectiva. En este sentido, podemos afirmar que el quinteto camina con buenos pasos hacia lo sublime.

The Machetazo son Daniel Juárez (saxo tenor), Nacho Fernández (guitarra), Jorge Castañeda (piano), Dario Guibert (contrabajo) y Mikel Urretagoiena (batería). Juntos, hacen un jazz contemporáneo enmarcado en la belleza. Con un interplay a todas luces alimentado por la convivencia y la experiencia conjunta (el grupo se creó en Nueva York, donde estudiaban, tocaban y compartían apartamento), crean ese sonido que busca los momentos. Y eso gusta. 

Buenos solos y momentos de improvisación (Castañeda en "El Hombre Melancólico" o en "Reset", Juárez y Fernández en ""Searching Hard") redondean un disco inspirado y de sonido cálido a pesar de su modernidad. Con sutiles cambios de estado de ánimo, intensos como "Dueño del Fuego" o "Reset", basados en la rítmica y el tempo, o baladas preciosistas ("Bedland"), el disco fluye con melodías originales, compuestas por los miembros del grupo, y que, sin embargo, suenan familiares desde el primer momento. Este sonido orgánico se ha conseguido grabando en directo en el estudio y con una masterización de diez. 

Que el repertorio del disco tenga cinco compositores diferentes ayuda a percibir la amplitud de la visión de The Machetazo. Hay búsqueda en todos los temas, melódica, armónica y rítmica, sin transgresiones ni ruidos ni efectos especiales, solo inspiración e improvisación (que viene a ser lo mismo pero más arriesgado); honestidad, al fin y al cabo. 



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OBITUARIO DEL 17 DE JULIO: BILLIE HOLIDAY

Billie sigue viva 

Murió un 17 de julio, como hoy, en 1959, en el Metropolitan Hospital de Harlem. Un mes y medio antes la habían encontrado desmayada en su casa y la habían ingresado en coma. Una enfermera encontró heroína en la mesilla, escondida en una caja de Kleenex, y la policía la detuvo allí mismo, esposándola a la cama. Finalmente, le dieron el alta y la dejaron en libertad bajo vigilancia dado su estado. El 10 de juliio empeoró, entró en coma y murió el 17. 

Su voz sigue sonando, recordándonos que la belleza sobrevive en las peores circunstancias, buscadas o no. En este vídeo, la vemos cantando el inmortal "My Man" (Yvain/Pollock) acompañada de Jimm Rowles, una de las mejores versiones de este tema que podamos escuchar.

Sé feliz, Billie, allá donde estés. 

LA MALDICIÓN DEL RITMO

 TELMO FERNÁNDEZ & THE LATIN SOUL BEAT, 
El Maldecido (Color Red, 2022)
Suelo escuchar pocos discos de música latina por un tema pasional que me hace mirar hacia Nueva Orleans (aun siendo del sur) y porque pocos discos de ritmo latino me han enganchado como el que hoy estoy escuchando. El guitarrista gallego Telmo Fernández ha compuesto en El Maldecido una serie de temas cargados de sentimiento y ritmo (¿qué otra cosa es la música latina?) que mezcla en este inesperado repertorio con temas tradicionales. Digo inesperado porque solo conocía a Telmo de discos de jazz y soul grabados con otros músicos. Aquí, cambiando The Soul Jazz Beat por The Latin Soul Beat y manteniendo la misma filosofía de poner en el álbum todo lo que se puede aportar, nos ofrece un discazo de música latina con tantas lecturas como oyentes pueda tener.

Maldecido por el ritmo, Telmo Fernández es un explorador incansable, como se puede escuchar si lo seguís en redes o en las grabaciones que hace con otros artistas. Lo que no sabíamos era que componía y ha elegido un terreno tan alejado del jazz (y tan cercano) como estos aires caribeños que mueven El Maldecido. Porque Telmo ha compuesto y ha escrito letras con un sabor auténtico, llenas de sentimiento y mensaje, y además de la guitara toca el tres macho y hasta hace coros. Todo un cubano (y no hablamos del puro).

Lo mejor del disco son los arreglos. Ahí Telmo se ha dejado la piel. El disco está lleno de referencias, arreglos cambiantes, de los que no aburren y sorprenden a cada nueva estrofa. Suena a bolero, a rumba, a guajira, pero también a a jazz, a funk y a hiphop ("Mis Hermanos Latinoamericanos")... con una sutileza y una solvencia que parece que hubiera nacido al otro lado del Atlántico en lugar de Galicia. La influencia africana suena nítidamente en "Asojano (Arará)", que refleja la persistencia de la tradición africana en los ararás cubanos, o el tema "La Palma", un homenaje a la que es quizás la conexión más clara entre nuestro país y Cuba, de ida y vuelta: África - Cuba - Canarias... 

El guitarrista y educador Rodney Jones alaba la complejidad compositiva y armónica de Telmo Fernández con estas palabras:

His compositions has the modern harmonic sense of a Herbie Hancock with the soulfulness of Stanley Turrentine. A rare combination indeed.
El disco necesita muchas escuchas para captar en profundidad su valor. Del chachachá a los temas más festivos, Telmo Fernández confirma que, dentro de las músicas improvisadas, las músicas latinas tienen mucho que decir (¡qué solos los de "Nereida, La Facultosa" y el bolero "Tierras de Bibijagua"!). Y aplaudimos su creatividad. 

Además de Telmo Fernández, aparecen en el disco los cantantes Yuvisney Aguilar (que también toca timbal y batá), Orisbely Laugart, Piter Carri “El Carri”, Kirenia Martínez y Yadira Ferrer; el trompetista Jorge Vistel; Alejandro Escalera, flauta; Escandaloso Xpósito al saxo alto; Arnaud Desprez al saxo tenor; el trombonista G.B “Mandela” Bell; Ton Risco en el vibráfono; Angelito Herrera a los bongos; Juan Viera a la conga; el pianista Harold Rey; el bajista Yarel Hernandez y Christian Delgado en la batería. 

Un disco muy recomendable al que solo podemos añadir que merece la pena escuchar el tumbao con el que viene Telmo Fernández esta temporada.

JAZZ COMO EL OCÉANO

HUGO FERNÁNDEZ, Ozean (Origin, 2022)

Nos ha encantado conocer a Hugo Fernández. Su jazz está tintado de tantas referencias que es imposible no dejarse seducir. Ozean, grabado con su cuarteto alemán New Grounds en los estudios Greve de Berlín, utiliza la metáfora del océano como elemento de unión y comunicación entre todas las tierras, también culturalmente hablando. Porque su jazz es así, una amalgama de sonidos que , dentro de la estética del jazz contemporáneo, absorbe y cataliza elementos e influencias que van desde la música folk latinoamericana hasta esquemas roqueros que lo hacen muy accesible al público profano.

Hugo Fernández es un guitarrista mexicano radicado en Berlín tras diez años en Madrid. Formado en el Berklee College of Music y con un master de jazz de la Universidad de Nueva Orleans, ha vivido en distintas partes del mundo, teniendo la oportunidad de compartir escenario con músicos de los que ha asimilado las sonoridades que aportan el color de sus composiciones. Ozean es su cuarto álbum como líder, después de Orígenes (2012), Cosmogran (2015), Naualli (2018) y un disco a dúo con la recordada Celia Mur (Amerikanda, de 2012)



Los músicos de su cuarteto alemán son Christoph Titz, trompeta y fliscorno; Martin Lillich, bajo eléctrico; y Jesús Vega, batería; una mezcla cultural que se suma a este jazz que fluye con naturalidad por las diferentes estéticas que la alimentan.

A lo largo del disco encontramos momentos llenos de intensidad, como el grandioso chorus que hace Titz en "Birdhouse" al que responde la guitarra de Fernández con un discurso elocuente, inspirado, casi en voz baja. Estos matices, que aportan profundidad a la composición, flotan sobre un sonido brillante, bien producido, que resalta la voz de unos músicos de fraseo limpio y sin estridencias. Sobre todos ellos destaca Hugo Fernández como líder pero también como elemento aglutinante, que da sentido a todo lo demás y que en algunos temas tiene unos solos muy inventivos ("Undercurrent", "Neptune Grass").

Un guitarrista y compositor a tener en cuenta. 



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UN PIANO OBSERVA EL MUNDO

MAX AGNAS, The More I Let The World In 
(Loumi Records, 2022)

El título del disco ya induce a la introspección. Su autor, el pianista sueco Max Agnas, medita sobre  nuestra relación con el mundo y con la soledad. Tomó la inspiración para el título de un graffitti que vio en Lisboa y cuyo mensaje hacía referencia al mundo que vivimos (More I let the world in, less I take in it). Esta es la filosofía de su tercer disco, una obra soberbia y madura con un sonido propio a caballo entre la Third Stream y el  mejor jazz moderno que se publica en Europa. 

El disco, pensado para su descarga digital a través de un código QR que aparece en el breve pero bellísimo libro que lo acompaña, está dividido en tres partes. En la primera, encontramos al músico en estado puro, a piano solo, lírico y meditativo de una manera intuitiva y natural a pesar de las complicadas armonías, de los cambios de ritmo y de su aparente no-ir-a-ningún-lado. Especialmente interesante es "Call Me Medieval", donde rinde homenaje a la música medieval en un juego compositivo que, en las manos de un pianista de jazz, suena excitante.


En la segunda parte, encontramos un dúo peculiar formado por el pianista (que aquí también usa sintetizador) y el cantante Salvador Sobral (sí, el mismo que ganó Eurovision en 2017), donde la música de Agnas se hace palabra. Aunque las letras las ha escrito Sobral, se inspiran en recuerdos de Agnas, mezclándose, de manera natural, la personalidad de los dos músicos, sus nostalgias y su sentido de la musicalidad, tan cercano. De alguna manera, me traen a la memoria la manera especial en que otros compositores como Cole Porter o Stephen Sondheim "juegan" con las notas y las palabras. Hay que decir que Agnas formó parte del grupo que acompañaba a Sobral, y que conectaron ahí. También hay que mencionar especialmente la manera en que la voz de Sobral encaja, de una manera muy personal, en lo que uno espera de un crooner. Y no defrauda. Su melancolía y su manera de usar las melodías enamoran.

En la tercera parte del álbum, piano y sintetizador se apoyan en la percusión de Nils Agnas, primo de Max y cómplice musical desde pequeños, para crear nuevos juegos rítmicos y melódicos no explorados en la primera parte del disco, construyendo temas que aportan una vitalidad y un optimismo que contrastan positivamente con el resto del álbum, y que aportan alguna especie de esperanza a modo de conclusión. 

Para escuchar con calma y empatía.


Y una muestra de la primera parte del álbum, a piano solo:



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* Web: maxagnas.com

FUSIONES CONTEMPORÁNEAS

MATTHIEU SAGLIO QUARTET & GUESTS, 
Live in San Javier 2021 (Pulpito Records, 2021)

A menudo escuchamos un jazz que mira hacia la música clásica o bebe de ella. En el caso del  francés Matthieu Saglio, hablamos del caminoi inverso, de un músico híbrido (deberíamos decir mejor políglota) que se formó en un instrumento tan anclado a la música culta como el violonchelo y que, después de recaer durante el ejercicio de otra profesión en Valencia, descubrió ese semillero musical y fecundo que es la costa mediterránea. Así, en 2002 fundó junto a Ricardo Esteve y Jesús Gimeno Jerez-Texas, un trío que introducía por primera vez el violonchelo en el flamenco. Riesgos así son los que amamos los que amamos el jazz, y por eso recomiendo su último disco, grabado en vivo nada más y nada menos que en el siempre interesante Festival de Jazz de San Javier, en formato cuarteto y con invitados, todo un lujo para oídos exquisitos que les permitirá descubrir, con la energía del directo, esta amalgama de sonidos que van desde la lírica clásica del chelo hasta las improvisaciones más jazzísticas.

Pero, en realidad, la fusión de sonidos que se puede escuchar en este concierto va mucho más allá, con referencias a la música latina ("Cositas del querer") o al tango, con ese acordeón de "Bolero triste" (Carlos Sanchís), que recuerda a aquellas fusiones pioneras de Piazzola (aunque ya Ellington lo había usado en los dedos de Joe Cornell Smelser), además de acercamientos a la música coral, al flamenco y a la música árabe.

Foto: Ana Guimaras

El estilo de Matthieu Saglio es el de un músico rebelde (lo que encaja perfectamente como perfecto para el jazz) que no se conforma con la tímbrica de su instrumento ni con las limitaciones estilísticas marcadas por la tradición. Su versatilidad como compositor asume todos estos riesgos con solvencia y el resultado es tan original como brillante. 

Este disco es una continuación de su álbum anterior, El camino de los vientos (ACT, 2020), con algunos temas nuevos. Fue grabado en directo el 23 de julio de 2021 en el Festival de Jazz de San Javier con una formación multicultural (estéticamente hablando) que comienza por su cuarteto (el pianista Christian BelhommeLéo Ullmann al violín y Steve Shehan en la percusión) y a la que añade como invitados al citado Carlos Sanchís en el acordeón, Isabel Julve (castañuelas y baile) y en las voces su hermano Camille Saglio y a Abdoulaye N'Diaye.

Este verano está de gira por España y Francia. Si pueden, no se lo pierdan.



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* Web: www.matsag.com

* En Spotify: open.spotify.com/album/0cUfI702W5pzyOcDKpCnTp

INCONFORMISMO

JUAN SAIZ, Pindio II (Leo Records, 2022)

Ya hemos hablado aquí en otras ocasiones de Juan Sáiz a propósito de otras formaciones en las que ha participado, siempre muy bien acompañado (Dr. Bobô, Baldo Martínez/Juan Saiz/Lucía Martínez, Juan Saiz Trío) y siempre a propósito del riesgo de aventurarse, con un instrumento tan frágil como la flauta, en terrenos peligrosos que van del free a las fusiones cercanas al rock o a las melodías tradicionales. En esta ocasión, con motivo del lanzamiento de la segunda parte de Pindio (Leo Records, 2016), repasamos el ideario de Juan Saiz, que vuelve acompañado por Marco Mezquida al piano, Manel Fortiá al contrabajo y Genís Bagés a la batería. 

Para quien no haya tenido la suerte de escucharlo aún, diremos que Juan Saiz, que toca aquí flauta y saxofón, es un músico formado en el conservatorio de Santander y que se especializó en jazz en la ESMUC y en el Klask Koninklig Conservatorium de Gante (Bélgica). Hasta hoy, ha grabado siete discos como líder o co-líder, amén de una amplia lista de grabaciones como acompañante en discos de jazz, flamenco, folk, música clásica e improvisación libre. 


En Pindio II y siguiendo con su estilo personal, Saiz pone sobre la mesa una serie de composiciones originales que abren ante nuestros oídos muy diferentes paisajes sonoros, desde momentos de frenesí ("Index Librorum Prohibitorum") hasta desconcertantes atmósferas oníricas ("Dogma I", "Dogma II").. En todos hay espacio para la improvisación colectiva y la expresión de cada uno de los solistas, capaces de pasar de una lírica cercana a la música clásica ("Aurora") a temas agresivos que rozan lo atonal, como "El grito", un tema con solos rabiosos de Saiz y una rítmica agónica, urgente, cercana al rock, que adquiere un aire onírico con los fraseos de piano de Mezquida. 

Audacia, violencia, desorden e inconformismo son las líneas que sigue Juan Saiz para sorprender a los curiosos y golpear a los aficionados bien pensantes. Es un camino cuesta arriba (como expresa el título en un vocablo muy cántabro) en el que, sin embargo, estos cuatro músicos parecen sentirse cómodos.

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* Web: www.juansaiz.es

* Disco: www.leorecords.com/?m=select&id=CD_LR_926