The Choco's Hot Seven recrean esa manera festiva de disfrutar del jazz que se aleja de complejos para hacer prevalecer el placer de la música, lo que no excluye la necesidad de cierto virtuosismo para defender estos ritmos incansables. La banda acaba de sacar su primer álbum en Blue Asteroid Records con el título de Spanish Tinge. (que viene a significar "tinte español", algo que nos devuelve a la Nueva Orleáns que vio el nacimiento del jazz hace más de cien años y donde, entre otras influencias musicales, prevalecían los ritmos que venían del Caribe y que, a su vez, eran herederos de los ritmos africanos y de las tradiciones de los colonos españoles. Como Luis Escalante Ozalla nos comentaba en una entrevista a raíz de su libro Nueva Orleáns 1717-1917, sexo, raza y jass:
Los esclavos que llegaron a Nueva Orleans no procedían de África sino del Caribe, y muchas de sus islas estaban bajo dominio español por lo que estos trabajadores forzosos ya venían con una música influenciada por la española, de ahí que Jelly Roll Morton expresase que el verdadero jazz debería de poseer algo de “spanish tinge” (tinte español).
Y esa es laesencia de The Choco's Hot Seven, un jazz desde la raíz, el que se podía escuchar en aquel momento glorioso de surgimiento, sin posteriores intelectualizaciones ni fusiones forzadas. Los temas no son breves pero se nos hacen fugaces, con la necesidad de escucharlos de nuevo, y se suben a la cabeza desde el primer acorde. El uso de los mismos instrumentos que se usaban en aquella época convoca el espíritu de aquellos fundadores del jazz y garantiza un sonido crudo y auténtico: tuba (Daniel Abad), banjo (Mario Pousada), tabla de lavar (Álvaro Blas), corneta (Nacho Botonero), trombón (Israel Lino), clarinete (Ernesto Naranjo) y claqué (Samuel Rigal).
En cuanto al repertorio, pocas sorpresas y muchos temas imprescindibles. El banjo nos da la bienvenida a este disco con una canción que es toda una declaración de intenciones: "Old Fashioned Love" (el cantante invitado es nada menos que Marcos Padilla, de O Sister!) y todo a partir de aquí nos sonará viejo, viejo con el lustre de lo verdaderamente valioso y que vale la pena preservar, temazos que han sobrevivido a todo un siglo a las modas pasajeras, como "St. Louis Blues" (que escribió WC Handy y a la que dio su forma inmortal Louis Armstrong), aquí con unos solos fabulosos a la corneta (con un toque español) y al trombón; "Makin' Runs", atribuida a Buddy Bolden; o esa pieza imprescindible que es "It Don't Mean a Thing" con sus sucesivos solos, siempre al límite, y su juego de llamada/respuesta entre la tabla de lavar y el claqué. El final es una gloriosa versión de "On The Sunny Side of Street" que comienza con un tempo lento, perezoso, que sugiere ese calor de Louisiana, y que conduce a un final lírico, inspirador, a un final estimulante.
Aquí les dejo un medley, pero lo mejor, sin duda, es escucharlos en directo, ya sea en concierto callejero o en los formatos que ofrecen de concierto dramatizado o concierto didáctico. No se los pierdan.
La primera vez que escuché tocar al guitarrista onubense Mario Pousada tenía 18 años y un virtuosismo hipnótico. Era un sitio pequeño y tocaba gypsy jazz a una velocidad endiablada. Ahora que debe rondar los 25 avalan su estilo una buena cantidad de grabaciones, la experiencia de los escenarios y una licenciatura en Jazz y Música Moderna en la Universidade Luisiada de Lisboa.
El disco comienza con "Perdido", el clásico de Juan Tizol. Un chorus redondo, a tempo medio, donde participa el saxo tenor de Pablo Inda, sirve de pie a Pousada para hacer vibrar su guitarra durante cuatro minutos hasta una conclusión en la que guitarra y saxo cantan al unísono en un juego excitante y divertido. Todo el disco es así, una colección de standards llevados al terreno del jazz manouche en el que la voz de la guitarra acústica llena prácticamente todo. Pero no es todo gitano, hay múltiples influencias que se perciben a lo largo del disco y que aportan capas, guiños y ese tipo de tesoros que buscan los buenos aficionados al jazz.
El fraseo de Mario Pousada, limpio, preciso, alternando punteo y acordes, arrastra al oyente a través de síncopas picantes, una variada ración de notas de blues, baladas movedizas como "Polka Dots and Moonbeams", donde borda la melodía con una sensibilidad inesperada (con la colaboración de la sordina de Carlos Garrido), colores inesperados ("Mambo influenciado" de Chucho Valdés), notas rotas muy al estilo del maestro Django Reinhardt (por ejemplo en una increíble versión de Charlie Parker: "Segment"), virtuosismo a toda velocidad ("Lady Bird" de Tadd Dameron en tono gypsy)...
Fuente: Facebook
El disco concluye con "Interplay" de Bill Evans, un tema lento de arreglos gypsy donde el saxo alto de Sebastián González pone un contrapunto muy interesante al aportar con su solo un estilo muy neoyorquino, nada manouche, un tema con chorus al unísono donde se funden los estilos. Quizás el tema más interesante del álbum.
Pero la historia no termina aquí. Si quieren profundizar en las capacidades de este guitarrista, les cuento que en 2021 publicó otros dos discos, ambos inspirados por su amor a la música étnica del Este de Europa, que conjuga siempre con conceptos y armonías del jazz moderno: Doroga, junto al violinista ucraniano Marian Yanchyk, donde también toca el contrabajo, y Teneré, formando parte de Murat Project, junto al músico italiano Mario Loi. Cualquiera de ellos es recomendable, pero lo es más verlo en directo. Créanme.
