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ELLINGTON Y BACH SE DAN LA MANO

MICHAEL ARBENZ Meets ANDY SHEPPARD, 
From Bach to Ellington - Live (2025)

Hace unas semanas hablábamos de música clásica y jazz cuando escuchamos las nuevas Recreations Tímbriques de Sergi Sirvent y David Viñolas, un dúo poco habitual formado por piano y batería. Hoy escuchamos otro dúo poco habitual (piano y saxofón) que se inspira en dos pilares fundamentales de la música: Bach y Duke Ellington, o como dice la nota de prensa, "la elegancia atemporal de Bach y la belleza lírica de Duke Ellington". El pianista Michael Arbenz y el saxofonista tenor Andy Sheppard juegan con este maravilloso material, buscando una insólita simbiosis entre el contrapunto barroco y la síncopa jazzística para conseguir algo nuevo y limpio, inspirado en estas influencias clásicas y siempre dentro de la tradición del jazz.  

Andy Sheppard es un saxofonista británico con una larga carrera detrás. Artista de ECM en sus últimas grabaciones como líder y también como sideman de Carla Bley y Steve Swallow, tiene 18 discos a su nombre y 60 como acompañante. Ha tocado con nombres importantes como Lee Morgan, Peter Erskine, Gil Evans...  Michael Arbenz es una figura fundamental en el panorama actual suizo. Fundador del trío VEIN (con su hermano Florian), ha tocado con Ron Carter, con Dave Liebman, Greg Osby... Este álbum podría considerarse una continuación de otros trabajos de Arbenz como Reflections of D (a tribute to Duke Ellington) (2023) y Classicism – A Point of View (2024), aunque no deja de ser singular en sí mismo, tanto por la frescura de los temas como por lo insólito de  la formación dual.


Dicen los musicólogos que Bach fue el primer improvisador de la Historia de la Música, y estos temas están llenos de improvisación gracias a unas partituras que dejan mucho espacio para la creatividad de los músicos, esto es evidente, pero además porque el álbum fue grabado en vivo en el Bird’s Eye Jazz Club de Basilea. Las texturas y complejidades de los dos compositores encuentran un camino aparentemente fácil en manos de estos dos músicos. Es cierto que asoman retazos de Bach muy evidentes que apelan al oyente despistado, pero hay que profundizar en la experimentación para disfrutar de la sofisticación de estos temas que son, sin embargo, fáciles de escuchar, quizás por la honestidad con que se han interpretado, ajena a esas rupturas salvajes y estériles en que muchas veces se autolesiona el jazz moderno.

El dúo nos introduce en esta singular grabación con una versión lírica y contenida de "Melancholia" de Ellington, con fraseos muy melódicos y contenidos al saxo y un piano sutil y brillante, algo que se repite en las baladas del Duque, como "African Flower". "Psalm" es una composición original de Michael Arbenz, en la que juega con esquemas barrocos de la "Cantata BWV 146".  Esta es la parte más excitante del álbum, contrafacts y juegos musicales donde se mezclan épocas y estéticas ¡con naturalidad!, como cuando Sheppard entona el "Preludio nº1 en Do Mayor BWV 846" de Bach y Arbenz construye sobre esta base su tema "When It Springs Into Being", para llegar a un clímax intenso en el piano que el saxo devuelve al plano lírico. Los dos últimos temas son de Ellington: "Reflections", balada que aquí suena poco jazzística pero igualmente bellísima, y "Warm Valley", que se aleja sensiblemente de la que grabó el Duque con su orquesta o en Money Jungle. En ese álbum la hacía a piano solo y Mingus y Roach entraban en el último minuto. Es curioso porque Ellington adoptaba una pose de concertista clásico, dándolo todo al piano, con recursos muy apasionados, y aquí Sheppard le da (con la ayuda de Arbenz al saxo) un toque quizás más jazzístico.

Una amalgama fascinante y que no dejará indiferente a ningún aficionado. Recomendable. 



Más info: www.arbenz.biz 

UNA BÚSQUEDA Y UN HALLAZGO

PEDRO MOLINA, À procura (Porta-Jazz, 2024)

 

El contrabajista Pedro Molina es un músico murciano afincado en Oporto, donde se licenció en la ESMAE. Con una percepción personal del jazz como caleidoscopio, mezcla los ritmos negros con el rock, el pop y el free en su disco À procura, grabado el 28 de agosto de 2023 en el Centro de Alto Rendimiento Artístico de Matosinhos (Portugal) como fruto de un proyecto escénico que lleva paseando desde 2022 por los festivales de Loulé, Murcia, Criajazz, Out Jazz, Seixal Jazz o Guimarães Jazz. El cuarteto, premiado en 2023 como ‘Mejor banda’ en el 3º Concurso Internacional de Jazz de la Universidad de Aveiro, está formado por músicos emergentes de la escena portuguesa: Miguel Meirinhos (piano), Filipe Dias (guitarra) y Gonçalo Ribeiro (batería). 

Siete composiciones originales y muy personales donde Pedro Molina explora los caminos del jazz a partir de su propia percepción musical, guiándose por las direcciones que toman los temas con el interplay del cuarteto; composiciones que ha creado, como buen artista, de su observación del arte y del mundo, de los lugares y de las emociones, 

Crea un lenguaje propio, mestizo, donde fusiona sus influencias con sus objetivos, y su música con la personalidad de sus músicos, que se perciben libres en las continuas improvisaciones colectivas, encontramos temas que van de la fusión sin etiquetas a la especulación más libre. En el primer tema ("Reflexiones tardías") ya nos anuncia que, aunque sobrepasando las fronteras, su intención es emocionar. Su delicioso solo al contrabajo, introspectivo, casi poético, que desemboca en un momento intenso con todo el cuarteto, es perfecto. Él lleva la introducción del siguiente tema ("F(...)F"), plagado de solos especulativos (piano, guitarra...). 

Esta es la tónica del disco: la de un músico que ha encontrado su propia voz y, que, como compositor, consigue hacer brillar y poner en valor a un instrumento tan raramente protagonista como es el contrabajo. Además, sabe dar espacio a su cuarteto para improvisar y expresarse, tanto en los temas más rítmicos ("A salto de mata") como en los momentos más libres y disonantes ("Calma") o en los más líricos ("Não Há Nada a Fazer?").

Un disco recomendable y un músico que esperamos ver pronto en directo por España.


UN VIAJE INTERIOR (Y MODAL)

RAMIRO ZAYAS, Parte del viaje (Club del disco, 2024)

Entrar en Parte del viaje es entrar en un mundo de introspección donde las armonías sugieren historias por contar. El autor de este viaje es el compositor y pianista argentino Ramiro Zayas. Su propósito en su segundo álbum es narrar un viaje interior que trata del cambio y de las partes de uno que quedan cuando nos movemos, según cuenta. Y lo hace con siete composiciones originales, muy buenos músicos y mucha improvisación modal. 

Grabado en Basilea (Suiza) y mezclado en Buenos Aires (Argentina), el disco contiene temas compouestos por Zayas entre 2019 y 2022, temas pulidos a lo largo de conciertos y más conciertos por diferentes músicos y formaciones, provocando una evolución lógica, orgánica, hasta que llega el momento de grabar.

"Fiel a esta narrativa en evolución, decidí convocar a amigos nuevos y antiguos que refrescaron y aportaron una nueva visión a los temas, permitiendo la experimentación con diferentes instrumentaciones: Josh Schofield, Sebastian Greschuk, Yossi Itskovich, Joseph Bijon y Michał Skwierczyński", afirma Zayas.
Los músicos que acompañan al pianista en este disco son Isak Ingvarsson (saxo tenor), Lisa Hoppe (bajo) y Leo Gerstner (tbatería); pero, fiel a su objetivo de mostrar el cambio, utiliza a otros músicos según el tema (Josh Schofield al saxo alto, el trompetista Sebastian Greschuk, a la trompeta y fliscorno, el trombonista Yossi Itskovich y los guitarristas Joseph Bijon y Michał Skwierczyński, lo que produce un efecto caleidoscópico en el disco porque el sonido, como el grupo, cambia casi en cada tema. 

Temas hay muy interesantes en el álbum, como el que abre el disco, con su hipnótico riff de contrabajo (Hoppe), que da paso a un tema especulativo con un protagonismo especial del saxo alto y la guitarra, con el piano en segundo plano; el intimista "Winter Tales", también con el contrabajo de protagonista y con su sincopado solo de piano; o la grabación que cierra el disco, que suena como un homenaje a Duke Ellington, con formato de septeto y sinuosas orquestaciones que recuerdan a las suites del Duque (dentro de la modernidad, por supuesto). Pero, de todo el repertorio, habría que destacar el delicado discurso de Zayas al piano en "Circle Song", con sus cambios de ritmo y sus progresiones de acordes jugando con una melodía bellísima apoyándose solo en la sección rítmica (Hoppe y Gerstner) para después dar un paso atrás y acompañar sutilmente el breve solo de Ingvarsson al tenor. El juego vuelve a empezar y el discurso del piano continúa más complejo aún, para dar paso de nuevo al tenor... Algunos aires argentinos se dejan sentir en la melodía, redondeando el tema, que termina con una serena coda.


Ramiro Zayas es un joven compositor y pianista argentino. Dirige el ensemble Collector y forma parte del trío argentino-finlandés Narat. Parte del viaje es su segundo disco como líder tras Rio interior de 2019. Ha grabado este proyecto tras algunos años moviéndose por la escena musical de Berlín, un disco más que recomendable por su manera de utilizar los nuevos lenguajes del jazz sin artificios. 




ROMPER EL PROPIO MOLDE

MARCOS PIN TRÍO, A Week Ahead (2024)

Marcos Pin no es solo uno de nuestros guitarristas favoritos sino también un compositor inquieto y nada complaciente que mira siempre más allá, disco a disco. Su versatilidad le permite publicar álbumes de puro hardbop (Broken Artist, de 2016), llenos de fusiones (The Door o You Waited For It, ambos de 2022) o líricos e intimistas como Óstraka (2019), inspirado en un poemario de Luis Valle... pasando por experimentos en discos a dúo, cuartetos con cuatro guitarras o formatos grandes (como los diez músicos de Factor E-Reset), donde sus partituras muestran un mensaje diferente. Esta exuberancia creativa le obliga a veces a firmar con seudónimo (suele ser Marcos Stilton en algunos discos). Pues bien, toda esta versatilidad se amalgama en su nuevo álbum a trío, A Week Ahead, en el que encontramos desde momentos líricos hasta experimentaciones de todo tipo (atonalidad, free, juegos de ritmos inusuales...).

Estas composiciones acompañan la historia de alguien que emprende la difícil tarea de sacar un trabajo creativo semanalmente, dice en las notas del álbum.

Estructurado conceptualmente siguiendo los días de la semana, el álbum comienza con una intro lacónica y e intimista de Marcos, que se apoya en una percusión sutil (Sergio González). Todo sugiere  un discurso único pero el saxo (Pablo Castaño) irrumpe con su propio mensaje y el tema, minimalista, nos traslada a una atmósfera donde el diálogo entre los miembros del trío avanza con tensión contenida. La intervención final de la guitarra, improvisando en las notas más bajas es muy original, y nos devuelve al principio, dando sentido (circular) al tema. 




Con un comienzo tan rompedor (incluso para el siempre inesperado Marcos Pin), el oyente se queda con hambre de saber de qué va el álbum, y se va encontrando con temas líricos, gozosas improvisaciones de sonoridades acústicas ("This New World"), juegos rítmicos donde guitarra y saxo se divierten al unísono (""We Wed Weed" o "Sat 02 32", donde Castaño aprovecha para salirse de los cánones derivando hacia el free más crudo, baladas de gran belleza como "Sunday's Here" con un Castaño delicado en las líneas melódicas o "A Whole Life", que es todo un solo de guitarra técnicamente perfecto, también baladas no exentas de aventura sonora ("She Left On Tuesday"), virtuosismo en solitario ("Jump On It", cargado de blues), libertad, filosofía cambiante, atmósferas desconcertantes con melodías sugeridas pero nunca concluidas... El final minimalista redondea al álbum volviendo al comienzo ("Redial").

Con un diálogo constante entre los tres instrumentos y solos complejos (especialmente en el saxo, que roba protagonismo a la guitarra en este disco), Marcos Pin rompe una vez más su propio molde y desarrolla en A Week Ahed una narrativa experimental que no le habíamos escuchado antes y donde consigue, pese a lo sorprendente, abarcar un espectro de sonoridades que transmiten emociones, en algunos momentos las emociones de un bebop cercano al free jazz pero emociones, que es de lo que el jazz, al fin y al cabo, se trata. 



* Foto. Rafa Pasadas (www.rafapasadas.com)

UN SOLO DE BATERÍA INFINITO

RAMÓN PRATS, Solot (Sirulita Records, 2023)

Aunque está grabado en estudio (Estudis Ground en Cornellà del Terri), el disco de Ramón Prats destila toda la fuerza de la improvisación y del directo. Para empezar, porque no es un experimento sacado de la manga ni un capricho musical fruto de la improvisación (valga la paradoja) sino el final de un camino que Prats lleva recorriendo desde 2010, cuando, después de una estancia en Nueva York, se subió solo al escenario buscando perfeccionar su discurso como baterista. Siguieron algunos conciertos aislados hasta que en 2019 protagonizó una gira de un mes con conciertos diarios a batería solo, hazaña que repitió a principios de 2023.

Ramón Prats comenzó en el conservatorio Isaac Albéniz de Gerona estudiando flauta y solfeo, para descubrir la batería en Taller de Música de Bañolas y especializarse, posteriormente, en el Taller de Músics de Barcelona y en la ESMUC. Actualmente, es uno de los bateristas más demandados de la Península. Ha trabajado con músicos tan diversos como Jordi Rossy, Ernesto Aurignac, Agustí Fernández Liquid Trío, The Voodoo Children Collective, Enrique Oliver Quintet, Martin Leiton Big Band... y muchos más, incluyendo su propio cuarteto, con el que ganó los premios Disco del Año y Mejor Grupo del Año. 

Foto: Pablo Wayne

Tras la batería y en solitario, muestra todo su potencial en Solot, yendo siempre más allá, utilizando incluso partes de la batería que no deberían sonar, derrochando recursos que van del virtuosismo más delicado al ruido, de la repetición a los cambios rítmicos más sorprendentes, del expresionismo más intenso al discurso más abstracto. Los temas, compuestos e improvisados por el propio Prats, transmiten la elocuencia de quien sabe de lo que habla. Como en todo buen tema de jazz, se percibe un plan predefinido y también la improvisación sugerida por el mismo momento. 

Aunque no es un disco fácil de escuchar, Solot constituye una apuesta valiente y muy personal, y nos permite constatar que un batería de jazz, por muy generoso que sea, siempre se deja cosas en el tintero en los conciertos, porque es un instrumento mucho más versátil de lo que los profanos pensamos, y Ramón Prats lo demuestra tocando. Original e imprescindible.

El siguiente vídeo pertenece a la gira de 2019, que sirvió para construir la filosofía de este álbum. Es más alucinante si lo puedes ver:




* Más info: www.ramonprats.cat

MÁS ACÁ DEL JAZZ

Folkores caribeños, herederos de las músicas española y francesa, fueron algunas de las semillas que dieron a luz el jazz. El flamenco, las músicas judías, bálticas, orientales... se han fusionado con aquellos ritmos hasta configurar un universo del jazz en expansión que hoy nos trae, precisamente, a España. Hemos hecho un viaje (una escucha/viaje) por la fronteras del jazz. Sí, el jazz vive siempre y solo en las fronteras, pero hoy estamos transitando fronteras tan cercanas como poco transitadas.

TERRA MUSICAL ENSEMBLE

En esos límites está la música que desarrolla Terra Musical Ensemble, un combo que se define como "orgánico" y que es cambiante (trío, cuarteto, quinteto...). Sus músicos vienen de formación clásica y jazzística y, gracias a esta mezcla, en sus conciertos funde la música popular, la clásica y la improvisación libre con un resultado realmente original y conmovedor. Su repertorio incluye versiones de Mompou (precursor de la improvisación) y de otros músicos menos a la vanguardia, como Falla, Turina... actualizándolos en lo que pensamos que es una metamorfosis lógica ya que, al igual que el jazz asumió los folkores africanos y del Caribe hace cien años (y luego en España el flamenco), creemos justo que los músicos de jazz españoles miren hacia su propia tradición (ya sea popular o culta) a la hora de buscar inspiración para crear nuestro propio songbook


Las distintas formaciones de Terra Musical Ensemble están compuestas por el saxofonista tenor Daniel Juárez (The Machetazo, Jerry González), el pianista Mario Fierro (Voro García, Pedro Iturralde, Federico Nathan), el contrabajista Miquel Álvarez (Jim Rotondi Quintet, Vince Benedetti), el baterista Rodrigo Ballesteros (Román Filiu, Antonio Lizana), Pablo Kirschner, violín clásico, e Ismael Campanero, contrabajo clásico. A estos músicos jóvenes pero con un gran bagaje detrás se suma la voz de Carmen Lancho (Carmen sings Nancy, Manuel Borraz Quintet). 

Ya con una interesante trayectoria en festivales como el Clásicos en Verano de la CAM o Moncloa a Ritmo de Jazz, estarán el 17 de febrero en el Festival Jazz A Escena, que, en su tercera edición, deja atrás el Teatro Español para celebrarse en el Café Berlín, templo del jazz fusión por excelencia en Madrid. 



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* Festival Jazzaescena: jazzaescena.com


VÍCTOR CORREA, Movimiento (2022)

El trombonista y compositor Víctor Correa es un músico inquieto y versátil al que hemos escuchado tanto tocando hot jazz en la calle como en discos muy distintos, proyectos muy creativos e inusuales, que son, al fin y al cabo, los que excitan el oído del aficionado. En este proyecto de 2022 llamado Movimiento fusiona poesía, danza y música, explorando las tradiciones de su tierra y aportando su concepción del ritmo y la experiencia jazzística de su instrumento, todo ello en un trabajo sorprendente, personal, que lleva a los escenarios la universalidad de lo local.

De origen castellano (Segovia, 1977), formado en Madrid y afincado en la Sierra de Gredos, Correa lleva años formando parte esencial del panorama jazzístico madrileño. Con esta obra, vuelve a los orígenes indagando en la tierra. Versos de Machado, folkore, improvisación y muy buenos músicos (en directo también danza) conforman esta declaración de intenciones. Nanas ("Tormes-Gredos"), saetas con un toque de blues, canciones de segadores con aire cubano... Todo nos ofrece una mirada nueva a una tierra sin edad, donde el tiempo parece no transcurrir, dicho esto en una época de velocidad donde las modas son tan fugaces que el tiempo casi carece de sentido. En este orden de cosas, la mirada de Correa reafirma el valor (tanto musical como etnológico) de las tradiciones y, consecuentemente, de la esencia de lo humano. 

En Movimiento, Correa toca, compone, toca trombón, pandero, pandereta y canta. Junto a el, Victor Antón (guitarra, piano y voces), Violeta Díez (voz, violín, mandolina y percusiones), Javier Moreno (contrabajo), Adal Pumarabín (batería, percusiones y audio), Sergio López (gaita gallega y percusiones) y Pau Arnal (movimiento). Esperamos tener la oportunidad de verlo en directo.



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* Más info: victorcorrea.info/project/movimiento/

* Otras reseñas de Víctor Correa en el blog en este enlace.

¡GUITARRAS!

Hoy escuchamos a dos guitarristas muy distintos pero que encarnan la experimentación y la salud de la guitarra de jazz moderna. Uno de ellos español, Víctor Antón, y el otro italiano, Luca di Luzio, ambos con un interesante (y diferente) punto de vista jazzístico.

VÍCTOR ANTÓN GROUP, Centennial Light 
(Errabal Jazz, 2022)
   
El título del álbum resulta metafórico. La célebre bombilla que lleva más de 100 años encendida en Livermore, California, es un símbolo de la resistencia al consumismo y a la obsolescencia programada, pero también un símbolo de lo imperecedero; en este caso, de la música imperecedera. El jazz, como todo lo que se pueda vender, ha sufrido los vaivenes de la moda, pero es en esencia una música que se revitaliza a sí misma y que tiene sus raíces tan bien ancladas en el pasado que es imposible catalogarla de moda. El guitarrista zamorano Víctor Antón, reúne en su nuevo trabajo, titulado Centennial Light, nueve temas originales en los que destila influencias y experimentación subrayando la intención atemporal de su música. 

Inconformista, Víctor Antón marca distancias con su anterior Standards Sessions (2022) grabando nueve temas propios de espíritu contemporáneo pero de estética ajena a las modas. En su web expresa que se trata de temas compuestos en los últimos dos años, una recopilación que "pretende poner en valor la idea del arte como un proceso creativo inagotable que genera diferentes lecturas y sensaciones". En total, nueve composiciones que se mueven con el discurso elocuente de Antón y que fluyen con las improvisaciones de su grupo, formado por el pianista Juan Sebastián Vázquez, el contrabajista Javier Moreno y la siempre apreciable solidez de la baterista Naíma Acuña



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* Más info: victorantonmusic.com


LUCA DI LUZIO, Never Give Up (Jazzlife, 2022)

La propuesta del guitarrista italiano Luca di Luzio es muy distinta, un jazz de aire funk y calmado, pleno de influencias y con muchos momentos inspiradores. Desde el comienzo del álbum, con la sordina de Randy Brecker en un tema sereno pero optimista titulado "Second Life" hasta la coda, "A14", todo el disco destila una vitalidad casi almibarada, un positivismo enmarcado por los cálidos arreglos y por la forma en que Di Luzio canta con su guitarra, usando la improvisación como una forma de introspección.

Todos los temas están compuestos por el guitarrista, quizás porque quiere transmitir algo más que música: el título envuelve una filosofía del entusiasmo ("Este álbum, dice en el libreto, está dedicado a los que nunca se rinden; a aquellos que persiguen sus sueños, que escriben su destino cada día. Sobre todo, a aquellos que no se rinden ante los obstáculos, y continúan sonriendo y haciendo la vida más bella."). Quizás, en su conjunto, resulte una filosofía demasiado dulce y enmarcada en un jazz demasiado fácil de escuchar para los aficionados al jazz más rompedor, pero si el oyente sigue los temas compás a compás descubrirá un seductor aire mediterráneo, arreglos, recursos y pequeños momentos que dan valor al músico y a la escucha. 



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* Más info: www.lucadiluzio.it

QUÉ DÚO

FRED HERSCH & esperanza spalding, 
Alive at the Village Vanguard (Palmetto, 2023)

Fue a principios de 2008, cuando Myspace era lo más y Youtube daba sus primeros pasos, cuando escribí una breve (demasiado breve) nota en este blog alucinado por el primer álbum de esperanza spalding. La titulé La gran esperanza femenina. Desde entonces, se ha consolidado como una de las instrumentistas, cantantes y compositoras más personales del jazz moderno. Cambiando de estilo a placer, dominando dos instrumentos tan complejos y a menudo infravalorados como son el contrabajo y la voz, spalding es un nombre imprescindible y, si ya la habíamos disfrutado como cantante, nos quedaba oírla en un repertorio de standards y, por supuesto, no se nos ocurre mejor forma que acompañada únicamente por un pianista y, si ese pianista es nuestro pianista favorito de las últimas décadas, Fred Hersch, y el escenario es el espacio íntimo de un club (el Village Vanguard, la otra casa de Hersch, hogar también de grabaciones imprescindibles a lo largo de las décadas), ¿qué más se puede pedir?

Sería absurdo imaginar que Hersch se limitara a acompañar al piano a esperanza spalding. La creatividad vive en los dedos de Hersch. Lo hemos escuchado en todos sus discos, especialmente a trío o a piano solo, y aquí se convierte en un motor impresionante, lleno de color y recursos, con solos aplaudidos, que envuelven a la voz con todo su ingeniería. 


La musicalidad en la voz de esperanza spalding, con tu tímbrica y su descaro para improvisar y hacer reír al público, es puro oficio y no desmerece frente a las divas clásicas, transportándonos a aquellos buenos tiempos en que el jazz era más social y apasionante que intelectual. Y spalding juega constantemente con su voz y disfruta y hace disfrutar al público. Tanto si hace scat , como en "Loro" (Egberto Gismonti), o convierte un tema tan melódico como "But Not For Me" en un ejercicio de malabarismo vocal, todas sus intervenciones son un disfrute.

El disco, que saldrá a la venta esta semana, fue grabado entre el 19 y el 21 de octubre de 2018 en el famoso Village Vanguard sin partituras ni arreglos escritos de antemano, dos figuras muy diferentes del jazz actual que solo habían coincidido en los escenarios en pocas ocasiones y que aquí enfrentan sus diferentes formas de enfocar las canciones y que encajan de una manera gozosa en un evento único, dinámico y vivo, que agradecemos que esté grabado y disponible para escuchar.


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* Web de Palmetto Records: www.palmetto-records.com/artists

* Otras reseñas de Fred Hersch en este enlace.



UNIVERSO PARALELO

MARK WINGFIELD, JANE CHAPMAN & ADRIANO ADEWALE, 
Zoji (Moonjune Records, 2021)

La peculiar tímbrica del clavecín, un instrumento insólito tanto en el jazz como en la música improvisada actual, aporta una atmósfera poética, distante, como de universo paralelo, a las composiciones de este álbum. La responsable, Jane Chapman, es una de las más reconocidas intérpretes de clavecín (pueden llamarlo también clavicémbalo, gravicémbalo o simplemente clave pero seguirá sonándoles a barroco) del Reino Unido. Su repertorio va desde la música antigua hasta el avant-garde. Su presencia en un álbum de Mark Wingfield no debe sorprender a quienes le conocen. El inglés no solo escribe música. Escribe imágenes, siempre sorprendentes imágenes sonoras. Al menos, así es como se describe siempre en la carpeta de sus discos: Mark Wingfield, guitarra y paisajes sonoros. 

El trío lo completa el percusionista brasileño afincado en Londres Adriano Adewale. Compositor, educador y licenciado en percusión en la Universidad de Sao Paulo, es un músico explorador y versátil que aquí participa también en las voces. 

Los paisajes contenidos en Zoji van desde los ritmos especulativos, cambiantes, difusos, de "City Story" hasta la energía casi mágica de "Viaduct Road", tema con el que termina el álbum. En medio, escenas poéticas que recorren todo tipo de sentimientos a través de armonías contemplativas, desoladoras o simplemente expectantes. Un álbum de composiciones complejas e interpretaciones delicadas que es una experiencia sonora única.


La inspiración del álbum traspasa no solo las fronteras estilísticas musicales sino las geográficas. El título del álbum señala al que puede que sea el paso entre montañas más elevado del mundo: el Paso de Zoji, en el Himalaya. A este lugar está dedicado el tema "Zoji Pass", un tema muy descriptivo que crece hasta una intensidad abrumadora. Es asombroso cómo un sonido mil veces escuchado (el del clave), que a la mayoría nos puede traer a la mente a Bach o a Händel, se puede adaptar a influencias tan exóticas como la música persa. "Persian Snow Leopard" se mueve por armonías inspiradas en la música de Oriente Medio a partir del clave, al que la guitarra responde en el mismo lenguaje. Del mismo modo, es también curiosa la manera en que la maestría de Chapman consigue hacer sonar el clave como si se tratara de música electrónica ("Parallel Time").

En resumen, Mark Wingfield sigue creando discos únicos, siempre un paso más allá de lo que pueden esperar de él quienes hayan catado su extensa discografía. En Zoji presenta un álbum inusual que vale la pena explorar.  

Les dejo aquí otra versión de "Parallel Time" interpretada en directo y sin la presencia de Adewale. Está grabada en el Kings Place de Londres hace 8 años.


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IMÁGENES

NO-LAND TRIO, Irudiak (Errabal Jazz, 2021)

Las notas del libreto de Irudiak prometen "una aportación honesta y sin condiciones al arte en general y a la música en particular" y eso es lo que encontramos, jazz en el estado más puro, tres músicos en la formación que más libertad suele permitir, el trío de piano, tres músicos con solo unas propuestas sobre el papel y toda el espacio para improvisar. Y el resultado es un álbum complejo, lleno de momentos que fluyen con naturalidad, como debe ser, fruto de la complicidad entre los músicos y de su experiencia, sin límites estilísticos ni lineas rojas y, sobre todo, haciendo jazz que apetece escuchar. 

Los músicos del trío son el pianista alicantino Jorge Fernández, el contrabajista cordobés Juanma Domínguez y el baterista alavés Aitor Bravo, tres músicos con distintos orígenes que coincidieron en Musikene, esa gran fábrica de musicazos de jazz, y que ya grabó antes bajo el nombre de No-Land Trio un disco llamado así, No-Land Trio, en 2019, tomando como enseña sus orígenes mixtos. Ahora profundizan en esta filosofía de la improvisación y la heterogeneidad con una colección de nueve temas, casi todos originales, algún estándar y un tema popular. 

Una muestra:


Lo más interesante del disco es esta norma de que todo está improvisado a través de unas líneas pactadas o de la estructura de un estándar ("Stella by Starlight de Victor Young). La improvisación obliga a cada músico a escuchar y a responder de manera original, lo que ofrece continuos destellos de talento y permite apreciar la verdadera personalidad de cada uno de ellos, más que si estuvieran simplemente reinterpretando lo escrito por otro. Todo esto ocurre con una estética moderna que recuerda según qué pasajes a otros tríos, en algún momento a Brad Mehldau, en otros a Keith Jarrett, The Bad Plus o incluso a Bill Evans... 

La originalidad está en el uso que hacen de estas influencias y cómo las traen a la personalidad de cada uno. Hay síncopas monkianas en "Medio hombre con montera dise: hola", pero también apuntes foklóricos en "Nana de Sevilla", la canción popular que recuperó García Lorca, algún guiño flamenco, momentos que miran a la Tercera Vía al estilo de Bill Evans y, sobre todo mucho color.

Pero como en el jazz toda comparación es relativa (y casi siempre inútil), les recomiendo que escuchen el disco, con atención y, si es posible, en directo, porque la capacidad de No-Land Trio es la de una banda con ganas de decir mucho y la fuerza para hacerlo. En palabras de Juanma Domínguez, "el purismo no es más que miedo a lo deconocido."

Aquí un tema anterior, grabado en 2018 en vivo en el tristemente desaparecido Café Jazz Naima de Sevilla, donde se aprecia la comunión de los músicos del trío: 


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INTROSPECCIÓN ESPIRITUAL

THOMAS RÜCKERT, A Rose E'er Blooming (Riverside, 2020)

Cuando aún late el espíritu de la navidad dentro de casa (en España quedan por llegar los Reyes Magos), nos llega un álbum de jazz a piano solo que resume con un jazz moderno, lírico y ecléctico los conceptos espirituales del solsticio de invierno para los europeos. A Rose E'er Blooming es una plegaria, una declaración de fe sobre estructuras musicales sagradas alemanas de la época medieval que son reinterpretadas con la libertad de la improvisación y un abanico de recursos que hace apasionante su escucha. Su autor es Thomas Rückert, reconocido pianista y compositor de jazz germano que se define en su web como artista improvisador, inspirado por el lema "No toques lo que conoces" de Lee Konitz, con quien trabajó en Nueva York, donde grabó sus primeros álbumes como líder en formato de trío. 

Su biografía dice que de niño estudió piano, saxofón y percusión, decantándose por el piano y tomando sus primeros alumnos con 17 años. Su estilo, elaborado, sutil en los cambios de acordes, de improvisador natural, se nota en este disco, donde esas melodías medievales de las que hablamos fluyen con naturalidad en esquemas modernos, igualmente líricos, pero dentro de los cánones que espera el oyente de jazz actual. 


Producido por Ralf Kemper (Alan BroadbentJimmy ScottMike Herting) y grabado en los estudios Riverside de Colonia (Alemania), el álbum de Rücket despliega toda una serie de influencias sobre las melodías originales al servicio de la expresión, desde jazz, gospel, folk, el contrapunto de la música clásica occidental, incluso estructuras de las músicas hindú y africana; todo ello con la libertad de estar solo en el estudio frente a un Steinway D grand piano.  

El primer tema que suena en el álbum es "Early Shepherd", basado en un villancico tradicional alemán ("Ihr Hirten, erwachet!") de compositor desconocido que Rückert reinventa aquí con cambios de acordes inspirados en el Bill Evans más joven. Suena así. 


 

Esto da un idea de por dónde se mueven las exploraciones del pianista. Casi todos los temas son tradicionales de la música antigua alemana excepto, por ejemplo, "Malari Dumpa", donde mezcla dos temas, el hindú "Malari" y el tema austriaco, también de autor desconocido, "Es wird scho gleich dumpa", haciendo convivir armonías y melodías que se alternan en un diálogo fresco, festivo y también espiritual. En este orden de cosas, "Aumcara Mantra" es la recreación un mantra original de la comunidad Aumcara para invocar la presencia de Dios. Aquí comienza con unos acordes folk que derivan a una melodía apasionada y moderna. El disco termina con un villancico tradicional alemán ("Gottes Sohn ist gekommen"), titulado aquí "Transition", con una improvisación llena de blues.

Una obra que nace de lo personal y demuestra que la improvisación es la manera más personal de expresar lo espiritual. 


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* Web oficial: thomasrueckert.com

RIESGO EN MOVIMIENTO

VARIOS, Jazz On The Move (Vector Sounds, 2020)

Durante los últimos diez años, el sello Vector Sounds ha venido afianzándose en el mercado y convirtiéndose en un emblema del free jazz y la música improvisada. Nacido a partir de de la serie Vector de Clamshell Records, sello original, ha continuado promoviendo todo tipo de grupos que van de lo simplemente atonal a lo electrónico. 


Se han planificado dos recopilaciones para mostrar todo el catálogo de Vector Sounds. En la primera, Jazz On The Move. The First Compilation, podemos escuchar una vertiente más jazzística (free jazz, rock progresivo, nu jazz...), que incluye 11 grupos. El objetivo, según explica Pablo Correa, alma de este sello, es devolver al disco el papel que ha jugado en las décadas pasadas, como objeto de seducción, de colección, como un aporte artístico más al producto que significa una grabación.
La escucha de estos 11 grupos puede dar una idea de en qué direcciones y estéticas fluye el free jazz actualmente, pero el mismo concepto musical expresa una versatilidad inquieta y siempre inesperada. 

El disco comienza con un tema de UZ, una formación realmente atípica (saxo soprano, saxo tenor y tuba). Sobra decir que el riesgo se percibe en su música: es la tónica de todos estos grupos. El segundo tema es “Blue Nile”, aparente homenaje a Wayne Shorter y su "Black Nile", suposición más que probable por el uso que hace el grupo (Friktone) de las armonías de raíz africana. Es otra formación atípica con flauta/saxo, contrabajo y batería, inusual en este tipo de influencias. El trío Naima explora las posibilidades del trío de piano que van más allá de Meldhau o EST. El quinteto de la cantante Cova Villegas camina en los márgenes del jazz tomando influencias étnicas tan diversas como excitantes. October Equus Quartet, em cambio, se mueve en otra onda más progresiva, más rock, siempre dentro de la filosofía free. 


Grupos como Hidden Forces Trio, liderado por un clarinetista bajo (Gustavo Domínguez) pueden resultar demasiado radicales estéticamente para el público pero, dentro de esta recopilación, su música es tan contundente como indiscutible. Avanbrass, con su “El Torrent Dels Murris” revive armonías de las brass bands de Nueva Orleáns y ritmos heredados del jungle y del swing llevándolos al terreno de lo atonal y del free, con sonidos que van de lo festivo al caos post-festivo. De The Big Free Tongue escuchamos un tema muy ambiental que muestra su filosofía de improvisación y creación espontánea. Freelloa Ensemble, nacido, como su nombre indica, en el Jazz Filloa, aúna músicos con ideas y un espacio donde explorar alrededor del free jazz, el tango, el rock... sin límites (lo que quiere decir también, sin límite de miembros, cuyo número ha sido cambiante a lo largo del tiempo). Mole es un cuarteto franco-británico-irlandés-noruego se caracterizan por la improvisación, moviéndose a través de las fronteras de los géneros, desde el punk hasta el free con total impunidad y una potencia excitante. Akafree también fusionan géneros, con la particularidad de que exploran con ritmos africanos y caribeños. Su tema se titula "7 llaves para la libertad". 

Como se ve, la recopilación resume un variado catálogo que reúne todo lo posible dentro de las siempre cambiantes fronteras del free jazz, la marca distintiva de este catálogo independiente que es Vector Sounds. Una buena ocasión para profundizar en el repertorio y conocer no solo lo que de free se hace por estos lares sino hacia dónde camina el jazz moderno.


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* Más info: www.vectorsounds.com

EL SOSTÉN DE LA MEMORIA

KEVIN SUN, The Sustain of Memory (Endectomorph, 2019)

Al saxofonista Kevin Sun le conocimos como integrante de una formación avant-gard llamada Earprint, donde, en sus propias palabras, buscaba "escribir música difícil". Aquí viene como líder, presentando  un doble álbum publicado por el sello puntero Endectomorph Music que contiene tres suites. En ellas, los músicos se alternan en distintas formaciones: The Middle of Tensions en cuarteto, Circle, Line a trío y The Rigors of Love en quinteto; tres suites que nos muestran a un compositor inquieto y sin prejuicios que juega a deconstruir ritmos y a buscar la expresión en melodías complicadas, sin que ello le prive de encontrar cierta perfección y belleza en la atonalidad, esa rara belleza de lo inusual que tiene el jazz moderno.

Estas tres suites, grabadas Brooklyn y Mount Vernon, cuentan con un puñado de músicos jóvenes y con capacidad de improvisación radicados en Nueva York: Adam O'Farrill (trompeta), Dana Saul (piano), los bajistas Walter Stinson y Simón Willson, y los bateristas Matt Honor y Dayeon Seok, además del propio Kevin Sun, que hace las veces de compositor y que (junto al piano en dos de las suites) co-lidera el proyecto tocando el clarinete y el saxo tenor.

De esa belleza inusual de la que hablábamos encontramos un buen ejemplo en la quietud del tema con que concluye la primera suite ("The Middle of Tensions VI"), donde, sobre una base rítmica que detiene el tiempo, piano y saxofón apenas desgranan una melodía que solo podemos intuir. Dentro de la complejidad de la suite, la versatilidad armónica de Dana Saul aporta color y diversidad a los distintos temas de la suite. Una revisión del cuarteto clásico de saxo y piano que merece la pena una escucha.

A trío (Sun, Stinson y Honor) la suite Circle, Line busca sus mensajes en piezas más breves, en ritmos sincopados, repeticiones y momentos de swing desestructurado. Para mí, la suite más recomendable de las tres que componen este trabajo. 

La última, a quinteto, es quizás más compleja armónicamente, con momentos más cercanos al mainstream y otros muy especulativos y ciertamente originales. Quizás la más fácil de escuchar (en ciertos pasajes). Sin embargo, a lo largo de sus tres extensos movimientos (suman 48 minutos), podemos escuchar al grupo explorando las posibilidades tímbricas de sus instrumentos desde una óptica ellingtoniana en la que buscan la vanguardia y la originalidad desde su sonoridad natural, sin más artificios que los necesarios para establecer las fronteras que el compositor quiere imponer. "The Rigors of Love II" tiene ciertas reminiscencias mingusianas pero heredadas, a su vez, de Duke.  


Puede que no quede nada de la negritud de Nueva Orleáns en el jazz que hace Kevin Sun, pero domina ese factor tan importante como es la improvisación y el inconformismo, buscando más allá de las fronteras del jazz su propio sonido inventando, jugando... Sobre jugar, aparece en la carpeta del disco un texto muy interesante de Andrew Katzenstein, que cita a la inglesa Penelope Fitzgerald a propósito del juego y la niñez:

La ambición de todos los niños es que sus juegos se tomen en serio.

Si esto es un juego (y el jazz debe serlo para que sea excitante), hay que tomarlo en serio, del mismo modo que en todos los juegos hay que conocer sus reglas pero, si algo tienen de especial los niños, es que son capaces de inventar, de crear sus propios juegos y sus propias reglas, y Kevin Sun las reinventa en cada tema. Esto es lo que hace al jazz interesante. Y, pieza a pieza, fragmento a fragmento, estas tres suites conforman un mosaico minimalista que merece la pena ser paladeado poco a poco pero, en conjunto, suman un total abrumador.

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* Más info: www.thekevinsun.com

* En Bandcamp: https://thekevinsun.bandcamp.com/album/the-sustain-of-memory

EL DISCO DE JAZZ MÁS ODIADO DE LA HISTORIA

MILES DAVIS, On the Corner (Columbia, 1972)


Hay momentos en los que, hastiados de novedades, sentimos la necesidad de volver la vista atrás. En este mismo blog he citado algunas veces la utilización que hago de Ellington como medicina. Rebuscar en la propia discoteca de casa es tan sano como escuchar discos nuevos cada semana porque el jazz (el jazz bien escrito o bien improvisado) admite tantas escuchas como uno quiera: siempre hay algo nuevo que escapó a nuestra atención o que suena nuevo en un momento nuevo. Hoy me ha dado por recuperar un disco de los más atrevidos e ignorados de Miles Davis. On the Corner, lanzado en 1972, es un ejemplo de la fase final de Miles, cuando recolectaba músicos jóvenes constantemente y los alimentaba con una idea para después dejarlos improvisar (a veces, durante un cuarto de hora) para intervenir sólo cuando la inspiración se lo imponía. Miles estaba en pleno periodo eléctrico y este venía después de tres álbumes elogiados por la crítica (In A Silent WayBitches Brew y A Tribute to Jack Johnson), a pesar de los cual, On the Corner se convirtió en el álbum más odiado del jazz, como lo renombró The Guardian, masacrado por la crítica de la época e incluso repudiado por algunos de los músicos que trabajaron en la grabación. Un artículo detallado al respecto se puede leer en esta web.

"Partitura" sobre la que trabajaron
los músicos de On the Corner
Quizás Miles pensó que podría seguir la estela improvisadora de Jack Johnson. Según su biógrafo, Ian Carr, en aquella época Miles mantenía largas conversaciones sobre música contemporánea con un chelista inglés, Paul Buckmaster, quien le descubrió la música de Stockhausen y le propuso la idea de experimentar con música temporal no regular (con pasajes fuera de tiempo), tal como había hecho en algunas composiciones Stockhausen, combinándola con música de la calle y la percepción de la ciudad que Miles tenía desde su lujoso apartamento. La idea no era mala. El jazz como testigo de la calle.


Lo malo es que la idea se cristalizó en algo tan simple como aburridas piezas de funky de duración indeterminada, apoyadas en grooves de bajo y batería, y basadas en un solo acorde. Monótono para muchos, impensable para otros, no consigue su objetivo a pesar del increíble plantel de músicos que trabajaron en las sesiones (Corea, Hancock, McLaughlin, DeJohnette, Liebman...). Quizás fue ideado como uno de esos discos rompedores que hacen crujir los cimientos del canon de vez en cuando... pero se quedó a medias.



Más valorada por los críticos con el paso de las décadas, en 2007 se publicó The Complete On The Corner Sessions, una caja con 6 CD's sólo apta para coleccionistas recalcitrantes, 6 CD's que recogían todas (imagino) las tomas de las tres sesiones de grabación (1 y 6 de junio, 7 de julio de 1972) pero tal cantidad de música (casi 7 horas) en lugar de aportar información sobre las improvisaciones en el estudio, provocan el efecto contrario, hastiando al oyente con una cantidad de música (en palabras de Dave Liebman, que participó en el álbum) "bastante caótica y desorganizada", aunque, en defensa de Liebman hay que decir que, cuando llegó al estudio, lo metieron en una cabina desde la cual apenas podía distinguir el ritmo discontinuo entre tanto percusionista, y que la única directiva que se le dio fue la de tocar en mi bemol. 


Mi problema con Miles es que hay entre nosotros una tensión dramática no resuelta. A pesar de que mis discos preferidos son los que van desde Kind of Blue hasta las últimas sesiones de Prestige, siempre vuelvo a los discos eléctricos. ¿Por qué? No los entiendo, y eso hace que los investigue una y otra vez, que regrese a ellos con tanta frecuencia que, a veces, creo que los escucho más que a los que prefiero. Cosas de aficionados. Y, en este sentido, On the Corner es una pieza esencial que pide ser descifrada dentro de su compleja simplicidad.

Miles y su productor en esa época, Teo Macero
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* En carpeta del LP original no constaban los nombres de los músicos que participaron en el álbum, quizás para despistar a los críticos. Según distintas fuentes, estos son los que participaron (alternándose en distintas formaciones):

Miles Davis, trompeta amplificada con wah-wah
Carlos Garnett, saxos soprano y tenor
Dave Liebman, saxos soprano y tenor
Bennie Maupin, clarinete bajo
Chick Corea, Fender Rhodes, teclados
Herbie Hancock, Fender Rhodes, teclados
Harold Ivory Williams, teclados
Cedric Lawson, órgano

Dave CreamerReggie Lucas John McLaughlin, guitarra
Khalil Baladrishna y Collin Walcott, sitar eléctrico
Michael Henderson, bajo eléctrico
Don AliasJack DeJohnetteAl Foster y Billy Hart, batería
James M'tume, percusión
Badal Roy, tabla


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