Nos encanta descubrir voces y sonidos nuevos.Hoy escuchamos tres álbumes de April Records que tienen algo en común: son fusiones inesperadas de instrumentos que nunca habíamos escuchado juntos o de estéticas que parecían imposibles de emparejar. En ellos las tímbricas de los instrumentos se adaptan al diálogo y en todos surgen sinergias que dan sentido a la música.
LIS WESSBERG, Twain Walking (April Records, 2024)
Twain Walking no es un disco de jazz electrónico sino un disco de jazz donde, en ciertos pasajes, la electrónica (Rhodes, Moog, sintetizadores) suma capas para favorecer la expresividad del trombón. Bajo y batería siguen formando una sección rítmica típica del jazz. La trombonista danesa Lis Wessberg resulta un gran descubrimiento con este álbum, donde mezcla con habilidad paisajes sonoros electrónicos con un jazz seductor e hipnótico, un paso adelante, una versión contemporánea del cool jazz que lleva tocando 30 años.
Como el cool, que se mueve entre lo salvaje del bop y lo sereno del pop, el jazz de Wessberg flota entre la tradición hot jazz y la frialdad nórdca. Llevando más lejos la metáfora, sus composiciones están a medio camino entre la experimentación de Miles Davis y la serenidad de la trompeta de Miles Davis.
Con composiciones propias y rodeada de los músicos Steen Rasmussen (Fender Rhodes, Moog, sintetizadores, piano), Lennart Ginman (contrabajo, electrónicas), Jeppe Gram (batería) y la voz de Karmen Rõivassepp, nos ofrece un valioso repertorio que va de los paisajes ambientales, casi cinematográficos, a otros donde el groove nos empuja sin remedio, como es el caso de "Trapestry of Life", donde los sintetizadores crean una energía cercana a las improvisaciones espirituales de Miles Davis al inicio de su época electrónica. Dicho sea sin ánimo de comparar.
El caso del percusionista danés Emil de Waal plantea una experimen-tación dentro de la experimentación. A sus singulares composiciones suma la complejidad de hacer un disco a dúo, pero no un disco a dúo con otro músico sino con uno distinto en cada tema. Concebido en principio como un disco en solitario (ya que afirma que en sus disco anteriores las decisiones fueron colectivas y aquí son personales), este Fire Øjne (literalmente, cuatro ojos) explora las posibilidades conversacionales con otros instrumentos, además de experimentar personalmente con ritmos y con electrónica, programación, flauta, agua y, por supuesto, percusión.
Algunos de estos dúos a destacar son, por ejemplo, "Regnvejrssang", una vieja sintonía de dibujos animados de los años 70 que De Waal interpreta aquí junto con Fredrik Lundin en la flauta baja, reforzando una poderosa intención melancólica; "Paradigme", donde juega con el sonido del agua como si de un instrumento de percusión se tratara, mientras el piano electrónico crea ambientes inquietantes; "Generøs", en el que Cecilie Strange presenta un tema bastante libre al saxo, lleno de inquietantes giros que De Waal amplifica con la percusión... Aunque quizás la fusión más interesante sea la de "Halvfirs Ferms", donde la percusión obsesiva de De Waal se une a la guitarra de Rasmus Oppenhagen Krogh, que realiza un trabajo casi netamente rítmico, conformando un tema hipnótico. Dos temas con raíces menos experimentales son "Limbo Jazz" de Duke Ellington, donde establece un ritmo muy crudo mientras el saxo barítono de Lundin revive la festiva melodía elliingtoniana, y "Silence", una composición de Charlie Haden que ya interpretaron Chet Baker y Don Cherry, y que aquí, con el sonido que Susan Alcorn extrae de su pedal guitar, cuyos largos fraseos suenan casi a órgano, toma el carácter de un himno sagrado. El único tema en solitario es "Logistik", una enorme improvisación de batería que resulta más narrativa que explorativa. Tema contenido y sinuoso, deja la sensación de haber escuchado un tema completo, no un solo.
La kora es un instrumento de 20 o 21 cuerdas, pariente lejana del laúd y del arpa. Traída de Gambia y países limítrofes, no se nos ocurre un instrumento menos habitual en el jazz. Pero ahí está Live in Turku, un disco de música improvisada con tintes de world jazz cuyo principal responsable es Dawda Jobarteh, un músico gambiano, hijo y nieto de músicos, que vive en Dinamarca. Su cómplice es el percusionista Stefan Pasborg,
Tras el seductor comienzo a tempo lento, con la percursión manteniendo un ritmo intrigante y la kora anunciando una melodía aparentemente plácida, el disco estalla en una explosión de energía más similar al jazz rock que al folklore africano o al afro jazz. De hecho, lo que toca Jobarteh en este inicio es una versión eléctrica del instrumento tradicional. No podemos eludir que el disco es pura energía, energía llena de melodías exóticas donde ambos músicos se complementan y suenan como si fuera una banda completa, gracias a las propiedades armónicas de la kora y al trabajo polirrítmico de Pasborg.
El álbum, grabado en directo en el Festival de Jazz de Turku (Finlandia) en abril del año pasado, contiene cinco temas originales de Jobarteh y de Pasborg, una versión de un tema del baterista Ed Blackwell ("Togo") con un comienzo poético e improvisaciones tremendas, y alguna referencia clásica, como una versión de "Better Git It In Your Soul", que Charlie Mingus publicó en su Mingus Ah Um (Columbia, 1959) y que aquí suena más potente y más africana que nunca con las armonías de la kora. ¡Y con el brutal solo de batería de Pasborg!
En resumen, un disco singular, una inesperada fusión de armonías africanas con la energía de un jazz-rock hijo de Miles Davis, pero también de psicodelias herederas de Hendrix o McLaughlin con la Mahavishnu.
Creo que la palabra belleza se queda corta para describir la maravilla que va desplegándose alrededor de nuestros oídos cuando escuchamos el álbum The Golden Sèkèrè de la cantante nigeriana, establecida en Los Angeles, Douyé. El álbum, a priori, no es más que otra colección de standards, pero la voz de Douyé hace milagros con las melodías del Great American Songbook, convirtiendo en un asunto personal cada tema. Sus fraseos, su timbre y el color con que interpreta las canciones convierten un repertorio conocido en algo realmente nuevo.
Tras la sorpresa inicial, una versión cantada de "Cherokee", algo que pocas veces se escucha, asistimos a una re-invención de unos temas que conocemos y reconocemos, pero que vienen cargados de polirrítmias que delatan el origen africano de Douyé y que aportan muchos niveles de interés. "Speak Low" o "Green Dolphin Street" son buenos ejemplos. Incluso la lacónica "The Very Thought of You" contiene en su lentitud ritmos inéditos.
Merece una mención aparte la versión con big band de "I've Got You Under My Skin", donde festivas cadencias africanas dan a la canción un ambiente mestizo que nos recuerda que estos ritmos llegaron (distorsionados) a los músicos de jazz (Sonny Rollins podría ser un buen ejemplo) a través de la música caribeña, que había sintetizado estas tradiciones de manera secular.
El guitarrista Lionel Loueke interviene en dos temas, aportando esa sutil fluidez de su guitarra. Dapo Torimiro, cantante y multi-instrumentista nigeriano nacido en Lagos (Douyé hizo el camino inverso, naciendo en Nigeria y estudiando en Lagos) interviene en el original enfoque de "Afro Blue", que aquí suena más afro que nunca gracias a los arreglos en las percusiones. Los arreglos del disco son de Bada Ken Okulolo, Tosin Aribisala y Zem Audu. Entre los músicos, el guitarrista Dokun Oke y el percusionista Najite Agindotan. Como invitados, los citados Loueke y Torimiro, además del trompetista Sean Jones, que pone un toque más cercano a Miles que a Chet en “My Funny Valentine”. Destaca el contrabajista Buster Williamsen "Devil May Care", donde la voz de Douyé juega con los ritmos que le proponen percusión y bajo y reinventa así, de esta manera excitante, la seductora melodía de esta canción.
The Golden Sèkèrè (el sèkèrè es un instrumento) es el quinto álbum de Douyé, y una buena excusa para conocer su perculiar y bella manera de hacer jazz. En este caso, sobre standards a los que aporta su sello personal. Muy recomendable.
XIMO TÉBAR, A-Free-Kan Jazz Dance Big Band (Omix, 2019)
Pionero en muchos sentidos, formado en Valencia y Nueva York, investigador constante... el guitarrista y compositor Ximo Tébar ha explorado a lo largo de su enorme carrera el bop, el flamenco, el funk, el impresionismo de Satie, los ritmos latinos y la música negra en general. Su estilo personal y su eclecticismo explotan en su último álbum como un gran fin de fiesta (es un decir porque parece tener cuerda para mucho) en el que pone toda la carne el asador: big band, bailarines y cantantes traídos de distintos puntos del planeta, entre los que se incluye Vinx (Cassandra Wilson, Sting, Herbie Hancock).
Pero el proyecto va más allá del álbum. Un gran espectáculo con 30 personas sobre el escenario (entre músicos y bailarines) celebra la raíz africana del jazz. Lo podemos ver en el DVD que acompaña al disco. Un setlist heterogéneo reclama este vínculo entre la tradición africana y la exploración implícita en la esencia del jazz, una idea que nació hace diez años en el IVAM, de donde surgió una "orquesta de jazz interétnico residente del museo". Retomada para celebrar en Alginet el Día Internacional del Jazz de 2019, Ximo Tébar decidió grabar el concierto en audio y vídeo para inmortalizar lo que define como "un canto a la hermandad".
Entre los temas, himnos del African pop como "Pata Pata" de Miriam Makeba, versiones de standards como "Summertime" o "Peter Gunn" (qué potente versión y qué bien traída al contexto de este proyecto), temas que, de repente, reciben un acercamiento a las raíces africanas, y también hitos de la carrera de Tébar, como su visión de "Footprints" (Wayne Shorter), que aquí toma una nueva dimensión, más profunda y racial, algo que, por otro lado, ya buscaba Tébar en su A Jazzy World Christmasde 2010.
Mención especial merecen los standards presentes en el disco. Como "Caravan Nazarí", donde las armonías orientalizantes de Ellington reciben una vuelta de tuerca con aires árabes más auténticos. Los arreglos los fusionan con ritmos africanos con un resultado excitante y sin perder de vista las posibilidades de tener detrás una big band. Los solistas tienen también un papel destacado en este tema. David Pastor hace un poderoso solo a la trompeta que construye de una manera original y rabiosa, casi racial.
El otro estándar más que recomendable es "Con Alma". El tema de Dizzy Gillespie, que ya aparecía en el anterior trabajo de Tébar, Con Alma & United (Omix, 2018). Anunciado en el libreto como "pseudo-bulería", mezcla ritmos de aquí y allá con un resultado inesperado pero coherente. Por destacar, el mejor solo de Ximo Tébar y, aparte de la guitarra, la percusión (y, dentro de la gran sección rítmica, a Nathaniel Townsley). Si Dizzy llegó a África a través de Cuba, este es el tema que justificaría todo el proyecto: las múltiples y complejas relaciones del jazz con sus raíces nos devuelven, con A-Free-Kan Jazz Dance Big Band, una mirada nueva y personal a estos vínculos, un acercamiento necesario y que sirve, además, para reafirmar una carrera, la de Ximo Tébar, como la de un músico y un investigador incansable. Que no pare el jazz.
Algunos temas del disco fueron grabados en vivo en el LXIV Festival de Jazz de Albacete y del Día Internacional del Jazz de Alginet. Que ustedes lo disfruten.
El personal del disco es el siguiente:
Ximo Tébar, guitarra, arreglos y director;
Baterías: Héctor Gómez, Nathaniel Townsley, Vicente Climent, Donald Edwards.
Bajos: Xavi Alaman, Nacho Mañó, Luis llario.
Piano: Mariano Díaz.
Piano/órgano/teclados: Will Martz.
Saxos: José Luis Granell, Víctor Jiménez, Roque Martínez, Pepe Calatayud, Javi Forner, Lara Canet, Carmen Calatayud, Mari Cruz Lozano, Aure Company, Jaime Pérez.
Trompetas: David Pastor, Juan Luis Crespo, Ángel Girón, Lorenzo Atencia, Ferrán López, Voro López, Richar Aguado.
Trombones: Ferrán Verdú, Israel Soriano, Frank Liza, Dimas Rubio, Salva Sánchez, Aron Beltrán.
Flauta: Andrés Belmonte.
Cello: Matthieu Saglio.
Voces: Vinx, Kwamy Mensah.
Percusión y coros: David Gadea, Mortalla Gueye, Dauda, Ibu, Aboo Zeze, Samuel, Harol Martínez.
Bailarines y coros: Mohammed Senne, Adama Dieng, Diakhere Samb, Julie Abitol, Magat Sene, Adji, Moussa.
Sinouj viene siendo la sensación de los escenarios madrileños (y de allá donde tocan) desde hace casi una década. Liderado por el saxofonista alto Pablo Hernández Ramos, fusiona en sus temas todo tipo de estéticas jazzísticas con músicas mediterráneas, entendiendo por este término todas las fronteras del mar, de norte a sur y de este a oeste. En su nuevo trabajo, Labu, la electrónica y un toque africano más profundo proporcionan una nueva perspectiva de su original estética.
Responder a la pregunta de qué sería del jazz sin fusiones es una idea tan absurda como intentar definirlo. Muchas veces, quienes se aventuran en la corriente de un jazz demasiado moderno se creen en posesión de la única verdad sobre el jazz moderno. Todos se equivocan. No existe una verdad absoluta sobre el jazz y menos sobre lo que se pueda considerar moderno o futuro; todo es una mezcla, todas las fronteras del jazz son dignas de ser exploradas y Sinouj, con sus viajes a un lado y otro del Mediterráneo, es la prueba.
Sinouj en el Bogui
Pongamos como ejemplo "Cosmic Shake" con ese contraste entre el agresivo bajo y los vientos de aires folk centroeuropeos, con improvisaciones electrónicas, o la última parte de "Trop", sonidos que parecen retroceder hasta la pasión por la ciencia ficción de los 70, inspiración cósmica brillante que (por suerte) no llega a las paranoias interestelares de Sun Ra,. Por ejemplo.
Porque el elemento que más sorprende de esta nueva grabación es la mayor presencia de la electrónica, electrónica en el sentido más crudo del término, un elemento que consigue atmósferas oníricas (o siderales, según de donde venga la inspiración del oyente). Además, podemos escuchar en Labu ritmos reggae ("Nuba (Part I") y su habitual (y, por tanto, menos sorprendente) don para profundizar en los ritmos y armonías de tradiciones de oriente (y también del oriente europeo) consiguiendo fundirla en ese melting pot que es el jazz como concepto. El elemento de cohesión es, una vez más, el saxo versátil de Pablo, que, como veleta, mira hacia América o hacia Oriente con la misma pasión, adhiriendo sus temas (todos originales) al jazz o marcando la diferencia... según fluya la inspiración.
Los invitados en este álbum son Kaveh Sarvarian (ney, flauta, zorna y voz) Miron Rafajlovic (trompeta), Munir Hossn (guitarras y voz) y Luis Taberna (percusión oriental). Los miembros de Sinouj son: el extremeño Pablo Hernández Ramos (saxo alto), Larbi Sassi (violín, voz y percusión), Sergio Salvi (teclados), Javier Geras (bajo) y Akin Onasanya (batería, percusión y voces).
"Essaouira" es el vídeo de adelanto del álbum. Cantos que nos remiten a la África ancestral, electrónica, improvisación, sonidos urbanos, el violín árabe que es una constante en Sinouj, armonías de Oriente Medio, tímidos ritmos reggae...; una mezcla que profundiza en el sentido de la cultura global que vivimos y que amenaza con derribar con sus trompetas los muros de la intransigencia. Puede que Sinouj sorprenda a los puristas del jazz, pero no decepcionará a ningún amante de la buena música.
Cuando descubrimos a Sinouj ya iban por su segundo disco (Were) y nos dejamos deslumbrar por su coherente amalgama de sonidos mediterráneos (en toda la amplitud de la palabra) pero, pasada la sorpresa inicial, el oyente se siente tentado de analizar y descubre que más allá del sentimiento y del experimento hay técnica, inspiración y unos temas construidos sobre fusiones imposible que, a pesar de todo, funcionan en lo que deben funcionar: en dar placer al escuchar y ganas de repetir. Música que tiene raíces en Nueva Orleáns, en Argelia y en la India, pero que también tiene alas para llegar a todos los oídos.
Sinouj se autodefinen como Afromediterranean Jazz y ésta bien podría ser una etiqueta válida, pero no es más que una determinación geográfica y ya sabemos que no se puede definir a un artista por su lugar de procedencia. En las fusiones de Sinouj abundan la libertad y la improvisación,
síncopas que provienen del Mississippi o del Magreb con igual valor. Para no ofender a los puristas del jazz que leen el blog, diremos que el universo al que Sinouj pertenece es el de las músicas improvisadas, ese en el que las fusiones dan lugar a músicas mavarillosas capaces de llegar al alma.
En su nuevo disco (La Fiche) aparece un buen número de músicos de todas las nacionalidades. Al quinteto formado por el saxofonista alto Pablo Hernández Ramos (España), el violinista Larbi Sassi (Túnez), el teclista Sergio Salvi (Italia), Javier Geras (España) y el percusionista Akin
Onasanya (Nigeria) se unen invitados de renombre, como el mejor músico de jazz europeo, Jorge Pardo, o Javier Paxariño (ambos estuvieron en Were), y otros músicos de gran calidad como la guineana Alana Sinkëy (voz), el hindú Niraj Singh (tabla y kanjira), el cubano Ariel Brínguez (saxo tenor) y la argentina Emilse Barlatay (flauta).
El tema que sigue es el que abre el álbum: "Indica", uno de los que más nos ha impactado, por su espectacularidad y
por su rítmica, amparada sobre todo en los teclados. Es uno de los temas cortos del
álbum, con 7 minutos cortos, y utiliza sonidos afro-mediterráneos
(flauta, violín, también saxofón) de una manera descaradamente hard-bop.
Hablemos de los temas que más nos han gustado. En "Ouahdub" podemos oír a Jorge Pardo improvisando sobre una melodía árabe que, a su vez, se desliza sobre un colchón rítmico sincopado y muy jazzy. El saxo alto de Pablo Hernández pone el contrapunto. El tema que da título al álbum ("La Fiche"), cantado por la guineana Alana Sinkëy, cantante de Cosmosoul, se abre como un tema pop con rasgos de drum & bass, quizás una reminiscencia trip-hop... Todo esto puede sonar abstruso para el purista del jazz pero a medida que el tema crece el Rhodes (como si fuera una guitarra de rock) se apodera del tema y el pop va evolucionando hacia un sonido más duro, y la fusión entre jazz y rock va dejando paso a impactantes momentos de libertad e improvisación en los que el saxo es el protagonista. Fusión o free por momentos, dramatismo y serenidad en dolorosa alternancia, música a la que es imposible poner nombre, como a todos los sentimientos que nacen de las sensaciones.
Finalmente, "Flashback" suena para despedir el álbum con un ritmo acid-jazz muy a contrapunto que resulta agradable y tierno hasta que aparece Javier Paxariño (flauta y piccolo) y el tema comienza a ponerse interesante. Buena improvisación, diálogo con el saxo y un cambio de ritmo que demuestra las ganas del grupo por terminar el disco con un tema espectacular. Y así es.
Los temas cantados y la valentía al introducir disonancias y otros deslices free marcan la diferencia de este disco con el anterior de Sinouj, dicho sea para los aficionados a comparar. La mayor abundancia de estilos lo convierten casi en una enciclopedia de cómo se puede o debe hacer un disco que venga de todas partes y llegue a todas al mismo tiempo. ¿Jazz? ¿World music? ¿Qué más da? Dejemos las etiquetas para los empleados de las tiendas de discos (donde queden tiendas) porque a nosotros sólo nos interesa la música para disfrutar.
"Para pasar por la consulta del Dr. Bass sólo hay que disponer de oídos bien abiertos", escribe Javier de Cambra en las notas del libreto de Tierras lejanas, el tercer disco del bajista camerunés afincado en Madrid Apolo Bass. Nos recuerda aquella afirmación de Geoff Dyer de que hay muchas puertas para entrar al jazz y cualquiera de ella es perfectamente válida. Pero el que llama Dr. Bass (además de músico se dedica realmente a la medicina) se trajo consigo hace veinte años parte del secreto de la magia de aquellas Tierras lejanas, una alquimia que le permite mezclar ritmos y armonías tan distintas y tan comunes como el jazz y la música africana para crear una fusión singular que suena auténtica y que, sobre todo, posee una belleza que merece ser disfrutada.
Cuando hemos hablado en Jazz, ese ruido de otros bajistas, como Kin García, valorábamos el hecho de que sostuvieran estructuras como el trío sin convertirse en protagonistas absolutos. En este disco ocurre lo contrario. No es que Apolo Bass se erija en dictador instrumental, pero deja claro en cada pieza (todas compuestas por él) que es un disco rítmico y que su base es el bajo. Los temas no están compuestos para piano o para trompeta, no; están compuestos con el bajo en la mano. Esto, que podría parecer un error, sirve para mostrarnos un disco con toda la esencia del jazz: el ritmo. Como dijo Miles Davis, si no se te mueven los pies no es jazz.
A pesar de esto, todos los músicos del álbum tienen su momento de gloria, algunos fabulosos, en forma de solos o intervenciones en grupo. Esto, parece, se debe a la cantidad de músicos que intervienen en el disco y que parecen elegidos con buen tino. Por poner un ejemplo, se alternan dos pianistas, dos percusionistas, dos saxofonistas, tres guitarristas... y todo ello en formaciones de dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto... según las necesidad de cada tema, incluso hay uno ("All Rhythms Together") en el que intervienen dos bajistas, ya que Apolo Bass se hace acompañar de Vicky Edimo, el bajista camerunés del que dice haber aprendido desde pequeño transcribiendo sus solos.
De todos estos músicos, destacaría el intenso solo de Jorge Vistel (trompeta) en "Victory". También el piano de Mariano Díaz en "Madrid Jazz", muy sincopado y temperamental. A la intervención de Mariano Díaz le sigue un solo energético de Andy Lima a la guitarra, de esos solos que te devuelven la fe en la guitarra de jazz después de tanto guitarrista de vanguardia. Bien distinto es el que hace Sacri Delfino en "All Rhytms Together", más preciosista, quizás más técnico también. Gino Maleta (piano) sostiene en "Caminando" todo el peso del trío para no desperdiciar una melodía intimista que, por momentos, se tiñe de blues. "Autum Leaves", el único tema no original del disco, compuesto por Joseph Kosma, adquiere aquí, en formato cuarteto, la vitalidad de un himno, con un Jorge Vistel de nuevo glorioso (y festivo) a la trompeta y un solo de Santiago Reyes a la guitarra que vale la pena escuchar más de una vez por la forma en que aúna swing e improvisación con una belleza espectacular. Por último, destacar a Apolo Bass no en los temas más melódicos sino en los que se acerca más a influencias como las de Stanley Clarke ("Madrid Jazz" y "Etnoblues") o Jaco Pastorius ("Tierras Lejanas"), en las que el sentido del ritmo brilla funky o étnico ("Makossando") y, por qué no, en el tema estrella, el más intenso, "Victory":
Seguro que más de uno habrá escuchado en el disco más influencias de las reseñadas. Por si no hubieran quedado claras sus influencias, dejamos aquí otro vídeo, grabado en directo:
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