Reencontrarse con la creatividad de Albert Cirera es algo que siempre se agradece. En este nuevo trío en el que participa (The Acrylic Rib) forma equipo con el contrabajista Olie Brice y el percusionista Nicolas Field, una formación clásica que intenta derrumbar los pocos estereotipos que quedan en pie del free jazz. Power trío donde los haya, su energía golpea al oyente desde el primer momento. Es su primer disco juntos pero ya han tocado en Ginebra, Barcelona, Portugal... para conseguir llegar al estudio de grabación en noviembre de 2021 (en el estudio AMR de Ginebra) y conseguir que su trabajo vea la luz, por fin, esta primavera en el sello Fundacja Słuchaj!
Rociado el escenario con gasolina, solo es preciso que uno de los tres encienda el sonido para que todo salte por los aires. Ese momento fugaz, que apenas dura lo que tarda en emitirse una nota en el saxo, en poner a vibrar una cuerda del contrabajo, en golpear un parche de la batería, se extiende durante una hora de reloj. No se equivoquen, todo lo que parece discurrir durante ese tiempo está en realidad contenido en un solo instante. Es un big bang de energía musical que se expande pero que, en origen, es solo eso: una explosión, un resplandor fugaz, un átomo que contiene todas las posibilidades.
Así comienzan las notas del álbum (el texto es de Carlos Pérez Cruz, de Club de Jazz), dejando clara la filosofía del trío. Y entonces suena, contundente, el primer tema, como una revolución violenta (todas las revoluciones son violentas y casi todas tienen líderes cómodamente sentados en despachos, pero estos tres son guerrilleros) en la que todo explota. Su título es casi punk ("A Zipper Hidden in the Arm") y uno siente que puede pasar cualquier cosa.
El segundo y último tema (sí, solo hay dos temas pero de media hora cada uno) tiene un título más divertido y sarcástico ("By The Time You Finish Reading This It Will Be Over"). Ambos cortes están estructurados como suites (suites improvisadas pero con el mismo efecto dramático) en las que los tres músicos emprenden una aventura que se convierte en carrera (virtuosismo, contundencia, vértigo) o en tregua (lírica atonal, paz en la disonancia, especulación, búsqueda), invitando al aficionado a un viaje tan poco usual como gratificante. Eso sí, absténganse puristas.
Con riffs y juegos de palabras ("Riff i Raffe") comienza este disco que es como un juego de buscar y encontrarse. En él se unen viejos conocidos en este de explorar y encontrar: Albert Cirera, uno de los tenores más interesantes (y constantes) de los últimos tiempos, y Marcel·lí Bayer, siempre en sendas inexploradas, encabezan este grupo que es una sección de viento aumentada, un sexteto donde aparecen Vicent Pérez al trombón, los trompetistas Iván González y Pol Padrós (turnándose, pero juntos en algún tema), y una sección rítmica formada nada más y nada menos que por Martín Leiton, aquí con el bajo eléctrico, y el baterista Ramón Prats.
No es un disco fácil. Con una estructura de sexteto de hardbop, las armonías van mucho más allá, con improvisaciones que buscan siempre la atonalidad y con experimentaciones que van desde el ritmo hasta el uso de tímbricas inesperadas, que juegan a dialogar entre sí de una manera inusual (en "Musica celestial" o "Riff i Raffe", por ejemplo). Ningún purista diría que "On para l'eternitat?" está inspirado en la coral de Bach "Gib dich zufrienden und sei stille" BWV 510, pero si uno presta atención, la melodía está ahí... junto a las ganas de salirse de cualquier camino marcado.
Mientras que conocíamos la filosofía transgresora de Marcel·lí Bayer, en cada disco suyo más y más aventurado en la libertad expresiva, habíamos escuchado menos la faceta rompedora de Albert Cirera, que conduce aquí, sin embargo, este proyecto con solvencia, componiendo y consiguiendo, en conjunto, un lenguaje homogéneo y un mensaje claro, muy en la línea de Underpool, que publica este disco. Ambos en diálogo constante, utilizan todas las maderas posibles: tenor y soprano (Cirera), saxo alto, clarinete y clarinete bajo (Bayer), aunque la experimentación les lleva a momentos en que es difícil distinguir qué sonido es de qué instrumento, por lo que les recomendamos el vídeo siguiente donde se les ve tocar en directo en una versión sensiblemente más larga que la del álbum de su "Rosso & Cia".
Una breve reseña para repasar los últimos discos que estamos escuchando en lo que se refiere a free made in Spain. Cuatro grupos muy distintos, de diferentes puntos de la península, desde Galicia hasta Barcelona pasando por Sevilla, discos muy distintos y con filosofías que van del free a lo simplemente atonal, la improvisación libre y otras estéticas imposibles de etiquetar.
ORQUESTRA GALEGA DE LIBERACION, Na Loita (2021)
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación, el proyecto creado por Xacobe Martínez Antelo, se basa en la composición improvisada. Temas no escritos que se van creando en directo sin directrices ni pactos por adelantado. Su nuevo álbum, Na Loita (que se podría traducir como "en la lucha") fue grabado e improvisado en el Festival Jazz de Ría 2021. El resultado, obviamente, es muy distinto al de su primer disco, a pesar de contar con los mismos músicos en escena. En este nuevo disco resultan muy interesantes especialmente los experimentos ritmicos capitaneados por los percusionistas (Max Gómez y LAR Legido) o cuando el ritmo lo llevan instrumentos de viento, cuando utilizan los aplausos del público como parte del tema o el uso de las voces como si fueran instrumentos.
La filosofía de la Orquestra Galega de Liberación no parece ser la improvisación libre sino la exploración. Pero no una exploración sobre nuevos territorio sino una exploración introspectiva, dentro de los márgenes de la orquesta, donde cada músico busca los límites de su instrumento al tiempo que reacciona en tiempo real al lenguaje que están usando sus compañeros. Todo un desafío.
Como en el primer álbum, los músicos son: Xacobe Martínez Antelo (contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).
Este trío está radicado entre Madrid, donde toca y enseña el saxofonista alto Ricardo Tejero (Eddie Prévost, Dominic Lash, London Improvisers Orchestra) y Sevilla, donde el contrabajista Marco Serrato y el batería Borja Díaz colaboran en proyectos como Hidden Forces Trio o Proyecto Ocnos. Sputnik Trio leva funcionando desde 2013, Aparte de sus actividades individuales, Sputnik Trio es "un lugar temporalmente autónomo donde se encuentran de tanto en tanto". Son palabras extraídas de la carpeta del álbum y firmadas nada más y nada menos que por Phil Freeman, autor de Ugly Beauty: Jazz in the 21st Century, libro donde analiza el sentido y el camino del jazz actual.
Time Hunt es el cuarto álbum del grupo, un paso adelante donde consolidan su filosofía de jugar sin límites (aquí los ritmos son siempre exploratorios y los sonidos no se detienen en los esperado) y, sin embargo, resulta su disco más accesible de todos los que han grabado hasta la fecha. Sin hacer concesiones, es fácil de escuchar (incluso para los haters del free jazz, podría asegurar). Quizás porque los temas tienen un groove adictivo o porque, dentro de su filosofía free, se centran en hacer música y renuncian al ruido.
Dentro de la libertad deseada, los fraseos de Tejero y los ritmos de Serrato y Díaz arrastran (o sugieren) a menudo esquemas que laten en lo más profundo de la memoria colectiva, esquemas (a veces) difíciles de identificar pero que conectan de alguna manera esotérica y feliz con lo que espera el aficionado al jazz y, sin embargo, sorprende.
RICARDO TEJERO, COLIN WEBSTER, MARCO SERRATO, BORJA DÍAZ, Matadero (Sentencia Records, 2021)
Seguimos hablando de Ricardo Tejero, Marco Serrato y Borja Díaz. Matadero es el segundo álbum en el que los miembros de Sputnik Trio colaboran con el saxofonista británico Colin Webster, tras Spain is the Place (Raw Tonk Records, 2016), formando un cuarteto donde pueden jugar con otras reglas, lo que hace este proyecto muy interesante. En primer lugar, porque es un cuarteto con dos saxofones altos; en segundo, porque aquí existen menos reglas aún: la abstracción y el caos son el punto de partida.
El disco contiene solo dos temas, dos largas improvisaciones tituladas "Matadero" y "Azkoitia", de 20 y 16 minutos cada una. Los títulos vienen de que el álbum fue grabado en directo, potenciando así la crudeza del sonido, en el matadero de Azkoitia (Guipúzcoa) el 2 de junio de 2016.
Publicado en diciembre pasado por Sentencia Records, nos deja una interesante colección de sonidos y exploraciones que van de la introspección a la descarga de energía. Con referencias a la música industrial, pasajes que suenan casi cinematográficos por su dramatismo y expresividad (nadie se atrevería a dejar que sonara algo así en una película) y con una evidente libertad pactada para generar desorden y reconstruir el interplay. Con todo su caos y violencia sonora, Matadero nos deja más de una cuestión en el aire. ¿Hay realmente límites en el sonido de un instrumento? ¿Se han explorado ya todos los límites de la expresión en la música?
Es la primera vez que escuchamos a la pianista Clara Lai y su disco nos ha sorprendido y nos ha convencido. Creciente, en cuarteto con el trompetista Iván González, Albert Cirera al saxo y la percusión de Joan Moll, es un ejercicio de búsqueda de nuevos lenguajes que no deja indiferente al oyente. Fue grabado en directo el 19 de junio de 2021 durante el Estival de Jazz de Igualada, dentro de su apartado Carta Blanca, que, como indica su nombre, ofrece total libertad creativa a los músicos. Todo un lujo.
A lo largo de todo el álbum (en temas nombrados como las fases lunares), los músicos van explorando tímbricas imposibles en sus instrumentos, casi olvidando su condición de instrumento, como en la introducción del disco, donde rozan el concepto de música concreta, o descontextualizando los sonidos naturales de cada uno de ellos para conseguir efectos innovadores que podrían llamarse "un nuevo lenguaje". Lo cierto es que el resultado es tan original como prácticamente irrepetible, una mezcla de composición e improvisación totalmente ausente de inhibiciones que dice buscar la expresión de sentimientos y que, dentro del universo abstracto que se crea en nuestros oídos, deja entrever paisajes insospechados.
Muy interesante de escuchar. Con momentos hipnóticos.
La pregunta era insistente. Nelson Project. ¿Qué tiene este grupo del que todo el mundo habla? En 2006 habían grabado un curioso proyecto basado en The Blues and The Abstract Truth de Oliver Nelson tras ganar la la II edición de JazzMontjuïc. Lo titularon Full Nelson (New Mood, 2006) haciendo un juego de palabras con el título de Miles Davis. Ahora se inspiran en Joe Henderson para grabar su segundo álbum, Mode Joe. Como nos alegramos de que sigan apareciendo en el panorama ibérico combos de jazz que superen el cuarteto (seguimos celebrando el último disco de Marcos Pin) y que, además, miren a los clásicos con respeto (y capacidad), nos rendimos ante Nelson Project.
Si tuviéramos que buscar un adjetivo para clasificar este álbum, éste sería "profundo" porque Nelson Project excarba en el estilo de Henderson desde todos los ángulos, interpretativamente y en los arreglos, que han sido realizados por músicos solventes y diversos, a razón de uno distinto por cada tema, lo que aporta un punto de vista diferente en cada corte. Esto, sumado al estilo de Joe Henderson, heredero de Sonny Rollins (en su capacidad para los fraseos, su gusto por el blues y los cambios armónicos...) y herededo también del bebop, supone meterse de cabeza en un universo que intenta caber en un solo disco. Hay que escucharlo muchas veces para apreciar tal amalgama pero el resultado es, si no apabullante, sí enciclopédico. Vale la pena.
Lo paradójico es que algunos de estos temas, los más cercanos al bop, tienen una sonoridad cercana a los arreglos de Gil Evans para Miles Davis, aunque achaco este efecto más a la formación (cercana al noneto de Birth of the Cool) que a un enlace inconsciente con los primeros discos de Joe Henderson en Blue Note, pocos años después. Quizás sea sólo una apreciación sentimental. No incidiremos por si Joe nos observa...
De los músicos destacaríamos a Enric Peinado, compositor del primer tema (el único original del disco) y un guitarrista que aquí tiene algunas lúcidas intervenciones, muy cercanas a Kenny Burrell. Destacar también el trabajo de los saxos y, cómo no, el tenor. A Albert Cirera lo descubrimos en aquel fabuloso ejercicio de hardbop titulado Pin.Cirera.Legido.Martínez (Free Code, 2007), que aún hoy escuchamos a menudo. No continuamos. Todas las piezas del grupo encajan perfectamente y no deberíamos haber destacado ninguna individualidad. Quizás su mayor baza (aparte de los arreglos) sea el conjunto.
El disco está en formato físico y para descargar en bandcamp, pero esperamos verlos pronto en directo.
Los músicos: Albert Cirera, saxo tenor Pablo Arias, saxo alto Noé Escolà, saxo barítono Roc Albero, trompeta Enric Peinado, guitarra Federico Mazzanti, piano Manuel Krapovickas, contrabajo Pep Mula, batería Enlace a los discos del grupo: http://nelsonproject.bandcamp.com/album/mode-joe-vol-2
