VOCES EN LA CAVA

ORIOL ROCA TRÍO & LYNN CASSIERS, Live at Jazz Cava

(Underpool, 2023)

Este disco se grabó dentro del 24º Festival de Jazz de Vic, en Jazz Cava, local que da nombre al álbum. La noción de directo imprime una calificación mayor al proyecto, dada la dificultad que supone su estilo ajeno a los cánones, su heterogeneidad, sus cambios de ritmo y de tono dentro de cada tema... El proyecto, firmado por el percusionista Oriol Roca y la cantante y teclista Lynn Cassiers, nos deja una grabación única (y seguramente irrepetible), que va más allá de la improvisación, creando paisajes sonoros que sobrevuelan territorios como el jazz-rock, el prog-rock, el free jazz o la música experimental contemporánea.

Oriol Roca es un baterista catalán al que ya habíamos escuchado en otras grabaciones del sello Underpool (como el cuarteto de Iago Aguado). Formado en los Países Bajos, lleva tras de sí una carrera de más de 20 años en los escenarios en diferentes proyectos (Tàlveg, Mut Trío, David Mengual...). Este es su segundo álbum como líder, y viene acompañado por dos compañeros habituales: el pianista Giovanni di Domenico y el contrabajista Manolo Cabras, además de Lynn Cassiers, que se une con naturalidad al trío aportando su voz y sus teclados electrónicos. Esta cantante belga, que también estudió en el conservatorio de La Haya, ha participado en numerosos proyectos grupales (Octurn, The Brussels Jazz Orchestra, Tape Cuts Tape, Flying Nimbus...) convirtiéndose en una figura importante de la música contemporánea y de la improvisación en la escena europea. 

Alejándose en todo momentos de los esquemas clásicos del jazz (salvo en algún solo de Domenico), el repertorio del álbum cede todo el terreno a la improvisación y a las sensaciones producidas por las atmósferas creadas por la voz y la electrónica de Cassiers, a la que se subyuga la sección rítmica. Esto no es óbice para que la emoción surja en los momentos oportunos, especialmente en pasajes de gran intensidad ("Low") o de un inesperado dramatismo ("The Mutilated"). En resumen, el concierto es una sutil performance, donde el jazz justifica la improvisación y las letras y la voz de Cassiers aportan el mensaje. No es un disco para puristas pero sí para aquellos a quienes les guste salirse del camino habitual y gocen con discos únicos.

* Web de Oriol Roca: oriolrocamusic.com

* Web de Lynn Cassiers: lynncassiers.com

* Foto de Oriol Roca: Cedric Craps.

DEL FREE AL FUTURO

KAPELLE17, Die Wolken sind da, wo sie immer sind 

(Loumi Records, 2022)

Cuando algunos músicos como Herbie Hancock comenzaron a experimentar con la electrónica en los años 70, algunos todavía estaban intentando asimilar el free jazz. En la época actual, donde todas las estéticas coexisten en difícil armonía o en peligrosas simbiosis, escuchamos el tercer álbum de Kapelle17, un grupo de la escena emergente alemana que conjuga bien electrónica, ambient y free jazz. Desde su debut en 2018 con Music For Young Business People, han seguido la senda arriesgada de fusionar todo lo que llegaba a sus oídos. Influenciados por las vanguardias de los 60, por la música de la New Wave e incluso por el hip-hop, sus composiciones son el fruto de improvisaciones colectivas.

Kapelle17 son Benedikt Jäckle (saxofón, flauta y clarinete bajo), a quien ya escuchamos en otro grupo de fusión, también muy original, como es Neobiont; Johannes Mann (guitarra eléctrica y acústica);  Paul Janoschka (piano acústico y eléctrico) y una sección rítmica formada por Jakob Obleser al bajo y Jonas Kaltenbach a la batería, ambos componentes también del citado Neobiont. 

Con distintos momentos solistas a cargo de la guitarra ("Siblings"), del piano ("Metamorphosis") o del saxo en la mayoría de los temas, la estética va cambiando según el solista. Así, encontramos temas más especulativos como "Ma Beleza I", donde ritmos rotos y aparentemente inconexos sostienen el discurso errático del saxo, que frasea con libertad y una expresividad llena de un rara belleza; temas donde el piano parece detener el tema con su solo ("Metamorphosis"); o temas donde los sintetizadores procesan sonidos tan retros que recuerdan a aquellos primeros que usaba, por ejemplo, Herbie Hancock ("SKB"). Texturas, ambientes y expresividad parecen ser la base de su música.

Un disco recomendable por su sonido diferente y porque no suena absolutamente a nada conocido, si bien su espíritu nos trae el recuerdo de una época donde la vanguardia significaba algo (y no solo ruido). Porque las ganas de hacer cosas nuevas siempre han estado en el jazz. Como dice el título del álbum, las nubes siempre están donde están (Die Wolken sind da, wo sie immer sind).

Les dejo con este vídeo de "Abacaxi" que reúne en 6 minutos la estética ochentera con la audacia de las vanguardias de los 60 y el trabajo creativo conjunto de estos cinco músicos alemanes cuya juventud les concede la valentía para caminar en tierra de nadie.

____________________

* Más info: www.kapelle17.de

ALIENS

NEOBIONT, Neobiont (Loumi Records, 2022)

El nombre del grupo, Neobiont, significa literalmente "nueva vida", aunque se usa para definir a las especies invasoras, formas de vida de otros ámbitos que se instalan en otros ecosistemas. El jazz es, de por sí, un ecosistema que acepta y metaboliza todo lo nuevo que llega, y Neobiont es un grupo de músicos jóvenes con ideas nuevas que vienen a sorprender y, al mismo tiempo, aportar ese placer de descubrir nuevos sonidos dentro del jazz.

El propio nombre de la banda implica una cierta alienación. Los miembros del quinteto son Benedikt Jäckle (saxofones), Leandro Irarragorri (piano), Jakob Obleser (bajo), Jonas Esser  (batería) y Jonas Kaltenbach (batería). El hecho de contar con dos baterías proporciona unas sensaciones muy potentes en algunos temas como "Mar (live)", elaborando patrones rítmicos ciertamente complicados. Se trata de un personal muy joven que ha nacido en Alemania y Suiza pero que ha crecido musicalmente en Alemania, de ahí el nombre de Neobiont, que enlaza con el término inglés alien, que lo mismo sirve para designar a un extranjero que a un extraterrestre. La banda juega con este término en el primer tema del disco ("Alien Species I", y luego en "Alien Species II") de una manera muy curiosa: utilizando un motivo musical que creó John Williams para Star Wars. 

La estética musical de Neobiont es la de un jazz contemporáneo, con muchos elementos del siglo XXI que, sin embargo, enlazan con filosofías rebeldes como el bebop y el avant-garde de los años 60, lo que produce temas con esquemas atrevidos y armonías seductoramente inesperadas. Un ejemplo es la balada "Opuntia", que contiene elementos que van más allá de la típica balada, con aspectos rítmicos (a cargo del contrabajo) inquietantes y que plantean preguntas al oyente, acompañados por una línea de saxo de un misticismo hipnótico.

Además de destacar el sonido original y renovado de los conceptos de vanguardia y bop, que hemos comentado, me gustaría destacar el interplay en los músicos. Ignoro si llevan mucho o poco tiempo tocando juntos pero es evidente que la parte más interesante de los temas nace de la experimentación conjunta (aunque solo aparezcan tres de ellos como compositores en los créditos). También quiero destacar las voces de Benedikt Jäckle en los saxos (místico, expresivo y, por momentos, rompedor) y de Leandro Irarragorri en el piano de cola (con su lenguaje contenido pero elocuente), dos músicos que funcionan muy bien juntos y dicen mucho en cada intervención.

__________________

* Más info: www.benediktjaeckle.com/neobiont

INCONFORMISMO

JUAN SAIZ, Pindio II (Leo Records, 2022)

Ya hemos hablado aquí en otras ocasiones de Juan Sáiz a propósito de otras formaciones en las que ha participado, siempre muy bien acompañado (Dr. Bobô, Baldo Martínez/Juan Saiz/Lucía Martínez, Juan Saiz Trío) y siempre a propósito del riesgo de aventurarse, con un instrumento tan frágil como la flauta, en terrenos peligrosos que van del free a las fusiones cercanas al rock o a las melodías tradicionales. En esta ocasión, con motivo del lanzamiento de la segunda parte de Pindio (Leo Records, 2016), repasamos el ideario de Juan Saiz, que vuelve acompañado por Marco Mezquida al piano, Manel Fortià al contrabajo y Genís Bagés a la batería. 

Para quien no haya tenido la suerte de escucharlo aún, diremos que Juan Saiz, que toca aquí flauta y saxofón, es un músico formado en el conservatorio de Santander y que se especializó en jazz en la ESMUC y en el Klask Koninklig Conservatorium de Gante (Bélgica). Hasta hoy, ha grabado siete discos como líder o co-líder, amén de una amplia lista de grabaciones como acompañante en discos de jazz, flamenco, folk, música clásica e improvisación libre. 

En Pindio II y siguiendo con su estilo personal, Saiz pone sobre la mesa una serie de composiciones originales que abren ante nuestros oídos muy diferentes paisajes sonoros, desde momentos de frenesí ("Index Librorum Prohibitorum") hasta desconcertantes atmósferas oníricas ("Dogma I", "Dogma II").. En todos hay espacio para la improvisación colectiva y la expresión de cada uno de los solistas, capaces de pasar de una lírica cercana a la música clásica ("Aurora") a temas agresivos que rozan lo atonal, como "El grito", un tema con solos rabiosos de Saiz y una rítmica agónica, urgente, cercana al rock, que adquiere un aire onírico con los fraseos de piano de Mezquida. 

Audacia, violencia, desorden e inconformismo son las líneas que sigue Juan Saiz para sorprender a los curiosos y golpear a los aficionados bien pensantes. Es un camino cuesta arriba (como expresa el título en un vocablo muy cántabro) en el que, sin embargo, estos cuatro músicos parecen sentirse cómodos.

_________________________

* Web: www.juansaiz.es

* Disco: www.leorecords.com/?m=select&id=CD_LR_926

EL RAGTIME DESDE NUEVAS PERSPECTIVAS

BARCELONA ART ORCHESTRA, Ragtime Stories 

(Underpool, 2022)

Dentro del concepto moderno de orquesta de jazz y con un enfoque europeo cercano a la Third Stream, la Barcelona Art Orchestra explora las cercanías del ragtime desde perspectivas inusuales. Con 17 músicos y varios compositores, el abanico de sonoridades de la orquesta es apabullante, casi enciclopédico, y abre los oídos del oyente desprevenido como una caja de sorpresas cambiante y a cada momento sorprendente. 

El tema que mejor explicaría el concepto del álbum es "R.A.G.T.I.M.E.", un tema escrito por Joan Vidal dividido en pasajes, como una obra de música clásica (Ragged, Aufderheide, Grizzly bear dance, Treemonisha, Inmigrant Rag, Mississippi, End of an Era). que durante más de 16 minutos va explorando sonoridades del siglo XX que pasan por el impresionismo, ritmos de ragtime deconstruidos, orquestaciones que recuerdan a Stravinsky, Schönberg, al Cotton Club...; todo un repaso al primer cuatro del siglo pasado escrito con una sensibilidad versátil y convincente.

El margen de maniobra en el que se mueve el disco es tan amplio como el que va del ragtime al avant-garde. En medio, mucho jazz, sin restricciones. Un ejemplo, en "Ambidextrous". En un ambiente de ragtime salpicado de atonalidades contemporáneas, la orquesta se detiene en pasajes muy cinematográficos y aparece Lluc Casares al tenor con un solo muy neoyorquino, elegante e imaginativo... O "Mimosa Stomp", donde la orquesta recupera el swing de las big bands clásicas (con un solo delicioso del trompetista Álvaro Ocón) pero es solo una excusa para darle una vuelta de tuerca al género.

Hay también mucho sonido (digamos) cinematográfico, no en el estricto sentido de la palabra sino más bien como una sensación, no en vano prácticamente toda la música de cine del siglo XX es heredera de los compositores de música culta del primer tercio del siglo y también de los sonidos del jazz, que nacía paralelo al Séptimo Arte y que lo acompañó en los cines mudos en los primeros años, especialmente el ragtime. Quizás por todo esto, hay tantos pasajes en que nos suena a "música de cine". 

El álbum termina con una referencia también cinematográfica: una versión del tema bandera del ragtime, "The Entertainer", en el que Lluis Vidal y Néstor Giménez en un complicado dúo de pianos llevan a Scott Joplin a otro nivel sin perder la esencia del ragtime. 

Los compositores de los temas (y directores) son el baterista Joan Vidal (formado en la ESMUC y alumno también de Jo Krause y David Xirgu), Lluc Casares (saxofonista, flautista y clarinetista recién regresado de Nueva York, donde se ha formado con profesores como Wynton Marsalis y Kenny Washington), Lluís Vidal (Dave Douglas, Wynton Marsalis, Dave Liebman, creador de varios grupos y orquestas) y Néstor Giménez (pianista con varios discos publicados, muy influido por la música clásica del siglo XX y la cinematográfica). El resto de los músicos de la BAO son: Anna Pujol (flauta y piccolo), Gabriel Amargant (saxos tenor, alto y soprano), Jordi Santanach (clarinete, clarinete bajo y saxo barítono), Joan Mar Sauqué, Alvaro Ocón y Óscar Latorre (trompeta), Pau Valls (cuerno francés), Alba Pujals (trombón y trombón bajo), Apel·les Carod (violín), Marta Roma (violonchelo), Adrià Plana (guitarra), Pilar Subirà (vibráfono, marimba, lira y otras percusiones), Guiseppe Campisi (contrabajo).

No suelen aparecer en el mercado español proyectos tan originales e interesantes, de modo que confío en en que este proyecto tenga continuidad en el tiempo y nos permita seguir disfrutando de tanta creatividad y explorar, al mismo tiempo que sus músicos y arreglistas, paisajes conocidos desde nuevas perspectivas.

_______________________

* Barcelona Art Orchestra: barcelonaartorchestra.com

* Discográfica: www.underpool.org/releases/ragtime-stories

FREE EVOLUCIONADO

CUARTETO FUERTE, Últimeit (Sentencia Records, 2021)

Cuando escuchamos por primera vez a Cuarteto Fuerte (en 2019 con su álbum homónimo) tuvimos la sensación de que estábamos ante el eslabón perdido entre el jazz clásico y el free. Ese eslabón, que muchos fijarían en Ornette Coleman, contenía elementos procedentes de la tradición y una filosofía destructora de cánones. Cuando el bajista Juan Miguel Martín formó este combo en 2017 buscaba, sin duda, una investigación creativa en torno a ese momento del jazz. En este nuevo álbum, van más allá con un sonido más complejo y, a la vez, más accesible.

El cuarteto ha cambiado desde el primer disco, donde escuchábamos una formación insólita (cuarteto con guitarra y clarinete bajo), en este segundo álbum, además del bajista y compositor de los temas (Juan Miguel Martín) el cuarteto está formado por dos saxos (Javier Ortí al tenor y Bernardo Parrilla al alto) y Fernando Caro a la batería, todos andaluces y músicos de contrastada experiencia (Andalucía Big Band, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla...). El resultado es un sonido más contundente, reafirmando esa teoría del eslabón perdido. Momentos donde sobre una base rítmica aparentemente clásica suenan los dos saxos en "perfecta" disonancia confirman esta sensación, reforzada por todas las influencias de antes y después de la eclosión del free que se pueden percibir en el disco.

Grabado en directo en estudio, capta esta esencia a veces con un sonido brillante y otras con crudeza, mirando adelante y atrás, en esquemas que en momentos recuerdan a Ornette y en otros, más rompedores, a John Zorn. Para conseguir este sonido cercano al de un concierto sin amplificar, los temas se grabaron con micrófonos de ambiente en la sede de Assejazz (Asociación Sevillana de Jazz). Fue mezclado por Manuel González (Artisónica) y masterizado por Trevor Coleman.

Desde "Excrecencia de la evidencia" hasta "Il Giardino delle Delizie" (Ennio Morricone) que cierra el disco, cabe mucha creatividad y ninguna desentona. Ellos mismos definen los temas como free jazz, latin jazz disonante o psicodelia soul. Lo cierto es que uno encuentra en la escucha un sonido coherente a lo largo de los temas, sea cual sea la inspiración, lo que convierte a Cuarteto Fuerte en un combo de free evolucionado que apetece escuchar y al que deseamos continuidad. 

_________________________________

* Más info: facebook.com/CuartetoFuerte

* Para escucharles: sentenciarecords.bandcamp.com/album/ltimeit

VISIONES DE UN MUNDO CONFUSO

SUMRRÁ, 7 Visións (Clermont Music, 2021)

21 años y 7 discos avalan la carrera de Sumrrá. Ahora, tras su inspirador 6mulleres (Clermont Music, 2018), Manuel Gutiérrez, Xacobe Martinez Antelo y L.A.R. Legido nos traen una colección de temas de inspiración existencialista, cuyos motivos musicales especulan acerca del sentido de la vida. Siete visiones, como dice el título, que sirven de pretexto para profundizar en su búsqueda continua de nuevas rítmicas y armonías. 

Con ese sonido que los americanos llaman power trio, complejo y fresco al mismo tiempo, podemos escuchar en 7 visiòns temas con la fuerza de "Ra", abriendo el álbum, más expresivos pero igualmente intensos como "Periferia universal", meditativos como "O espazo interior" o "As forzas gravitatorias", dando siempre un poco más de lo que esperamos en unos músicos como Sumrrá.  

Mi prefrido, un tema que expresa a la perfección la modernidad dentro del jazz, "Asuán Alexandría 7 graos". Un ritmo clásico (el walking bass arrollador de Martínez Antelo, el ritmo sincopado de la batería y el piano acompañando) sirve para que Gutiérrez deconstruya en el piano la melodía, sublimándola a un estado gaseoso donde escuchamos las notas justas, ni más ni menos, como hacía Bird con el saxo alto, para conseguir así una tensión que hace crecer el tema de una manera impresionante. 

La elección por parte de Legido de objetos en la percusión convierte el ruido en parte de la musica. Algunos de estos elementos son tan singulares como cadenas y juguetes de cuerda. Esta alienación de la música en sí entronca con el mensaje de confusión social de la que "hablan" sus visións.

Les dejo con este vídeo de "Sapiens Sapiens" donde un cuarto miembro inesperado marca el ritmo del tema, con un desarrollo vertiginoso donde destaca el obstinato de Gutiérrez con la mano izquierda, que aporta una tensión casi dramática al tema y que resuelve con solos consecutivos y brillantes. 

__________________________

* Más info: sumrra.com 

LA DIVA DE LAS MIL CARAS

NINA ERNST, A Diva's Mind (Fina Flor, 2019)

En su segundo disco tras Nina Ernst canta Jobim, grabado en Rio de Janeiro, la cantante alemana Nina Ernst ha vuelto, años después, a colaborar con músicos brasileños para su dramático y sorprendente nuevo álbum, donde repasa, con un jazz muy personal de arreglos modernos y trasgresores, un songbook internacional (no exclusivamente femenino) relacionado con el jazz, la bossa nova y otras estéticas cercanas. A Diva's Mind, publicado por el sello brasileño Fina Flor, es sobre todo una lección de versatilidad, explorando todas las caras de una cantante de jazz, desde lo más clásico a lo más vanguardista.  

El proyecto comenzó con la idea de grabar el concept album de una probable comedia musical sobre una diva fracasada. La intención era que llevase canciones originales pero el resultado es una colección de clásicos que cuentan la historia. Con la colaboración del fotógrafo Gal Oppido (fotógrafo de Vogue, entre otras publicaciones) ha convertido el disco en un proyecto visual en el que las imágenes de los videos cuentan tanto como las grabaciones.

 

El disco fue grabado en Alemania con músicos de jazz avant-garde de Berlín como Max Hacker (saxo, clarinete y flauta), Kai Brückner (guitarra), Kelvin Sholar (teclados), Max Hughes (bajo), Andreas Weiser (percusiones) y Michael Kersting (batería), y ha sido producido por Max Hughes y Andreas Weiser.

Foto: Gal Oppido

La obra conceptual no se inspira precisamente en ninguna diva fracasada sino en figuras tan enormes como Sophia Loren, Carmen Miranda, Rosemary Clooney, Peggy Lee y Marlene Dietrich, mujeres tan diferentes que se espejan en los diferentes lenguajes musicales por los que Nina hace fluir las versiones de estos 14 clásicos, que incluyen sorprendentes versiones de "Quizás, quizás, quizás", "Whatever Lola Wants", "Come On-a My House", "Mambo Italiano"..., respetando las melodías originales pero construyendo una original amalgama que suena a jazz, rock, ambient y folk, y aportándoles su fuerte personalidad, su swing y una interesante carga emocional y dramática.

De todas, nos quedamos con su versión del clásico de Renato Carosone "Tu Vuò fà l'americano", que aparecía en aquella película que inspiró el título de este blog y que aquí suena con unos divertidos toques funk, aunque no tan seductora como el timbre juguetón de su voz en "From A Logical Point of View" (Hubert R. Charles/Don Raye), un calipso de aires caribeños.

Resumiendo, un disco trasgresor que, escuchado tema a tema, resulta un repertorio apasionante que ofrece catorce facetas de una cantante de jazz sin prejuicios. Un repertorio de amplia visión que bien podría servir para un ejercicio de casting en Broadway, por ejemplo, y que permite conocer a Nina Ernst desde muchos puntos de vista en una sola escucha.

El concierto de presentación será el 17 de septiembre de 2021 en la UFA Fabrik de Berlín.

____________________________

* Web oficial: www.nina-ernst.com

UNIVERSO PARALELO

MARK WINGFIELD, JANE CHAPMAN & ADRIANO ADEWALE, 

Zoji (Moonjune Records, 2021)

La peculiar tímbrica del clavecín, un instrumento insólito tanto en el jazz como en la música improvisada actual, aporta una atmósfera poética, distante, como de universo paralelo, a las composiciones de este álbum. La responsable, Jane Chapman, es una de las más reconocidas intérpretes de clavecín (pueden llamarlo también clavicémbalo, gravicémbalo o simplemente clave pero seguirá sonándoles a barroco) del Reino Unido. Su repertorio va desde la música antigua hasta el avant-garde. Su presencia en un álbum de Mark Wingfield no debe sorprender a quienes le conocen. El inglés no solo escribe música. Escribe imágenes, siempre sorprendentes imágenes sonoras. Al menos, así es como se describe siempre en la carpeta de sus discos: Mark Wingfield, guitarra y paisajes sonoros. 

El trío lo completa el percusionista brasileño afincado en Londres Adriano Adewale. Compositor, educador y licenciado en percusión en la Universidad de Sao Paulo, es un músico explorador y versátil que aquí participa también en las voces. 

Los paisajes contenidos en Zoji van desde los ritmos especulativos, cambiantes, difusos, de "City Story" hasta la energía casi mágica de "Viaduct Road", tema con el que termina el álbum. En medio, escenas poéticas que recorren todo tipo de sentimientos a través de armonías contemplativas, desoladoras o simplemente expectantes. Un álbum de composiciones complejas e interpretaciones delicadas que es una experiencia sonora única.

La inspiración del álbum traspasa no solo las fronteras estilísticas musicales sino las geográficas. El título del álbum señala al que puede que sea el paso entre montañas más elevado del mundo: el Paso de Zoji, en el Himalaya. A este lugar está dedicado el tema "Zoji Pass", un tema muy descriptivo que crece hasta una intensidad abrumadora. Es asombroso cómo un sonido mil veces escuchado (el del clave), que a la mayoría nos puede traer a la mente a Bach o a Händel, se puede adaptar a influencias tan exóticas como la música persa. "Persian Snow Leopard" se mueve por armonías inspiradas en la música de Oriente Medio a partir del clave, al que la guitarra responde en el mismo lenguaje. Del mismo modo, es también curiosa la manera en que la maestría de Chapman consigue hacer sonar el clave como si se tratara de música electrónica ("Parallel Time").

En resumen, Mark Wingfield sigue creando discos únicos, siempre un paso más allá de lo que pueden esperar de él quienes hayan catado su extensa discografía. En Zoji presenta un álbum inusual que vale la pena explorar.  

Les dejo aquí otra versión de "Parallel Time" interpretada en directo y sin la presencia de Adewale. Está grabada en el Kings Place de Londres hace 8 años.

____________________________

* Más info: markwingfield-moonjune.bandcamp.com

ABSTRACCIONES

KEVIN SUN, (Un)seaworthy (Endectomorph Music, 2020)

Cada vez que nos llega un nuevo disco del saxofonista neoyorquino Kevin Sun, debemos poner en modo on nuestra capacidad de sorpresa. Su tercer álbum, (Un)seaworhty mantiene alerta al oyente con una nueva entrega de sus teorías sobre un jazz abstracto y personal que, sin embargo, llega al alma sin pasar por el cerebro. Un trabajo que aparece un año después de su brillante y apabullante The Sustain of Memory de 2019, un disco doble que incluía tres suites conceptuales a trío y quinteto en las que expresaba su filosofía sobre la niñez, la ambición y la identidad.

Además de músico, Kevin Sun es licenciado en Arte por Harvard, su búsqueda de la estética perfecta se refleja no solo en la belleza inusual, rítmicamente compleja, de su música sino también en sus escritos en revistas digitales como Music & Literature y Jazz Speaks, así como en su blog (The Jazz Gallery) y, por qué no decirlo, en las portadas de sus discos. Armonías complejas más allá de lo atonal, ritmos aparentemente desestructurados, abstracción en el sentido más artístico de la palabra. 

(Un)seaworthy es un álbum breve, de apenas 35 minutos, cinco temas extensos que exploran las fronteras del ritmo, llegando a jugar con el tenor como si fuera otro instrumento de percusión, buscando siempre la tensión, esencial para capturar la atención y desencadenar la emoción. navegando por el mar de la improvisación, como dice Jacob Shulman en las notas del disco, "sin garantías de que la nave sobreviva al viaje". Pero, ¿no es ese el riesgo que debe asumir todo músico de jazz?

Su trío, con Walter Stinson al bajo y Matt Honor a la batería, tiene una media de edad asombrosamente corta. Quizás es este descaro, más propio de la valentía de la juventud que de la experiencia, lo que les permite improvisar sin límites, sin clichés preconcebidas. Tras tres discos, la sección rítmica dialoga con Sun con una complicidad envidiable dentro de la complejidad de las composiciones y lo que supone improvisar en este abrupto terreno. El resultado es un disco sorprendente, como todos los de Kevin Sun (incluyendo también sus otros proyectos, como Earprint, donde le escuché por primera vez), porque (Un)seaworthy es un álbum pasional, valiente y abierto a nuevas emociones en cada escucha.

Foto de Jessica Carlton-Thomas

____________________________

* Web: www.kevinsun.com

BLUES DEL SIGLO XXI

JEFF COSGROVE, JOHN MEDESKI, JEFF LEDERER,

History Gets Ahead of the Story (Grizzley Music, 2020)

Lo que comienza sonando como un blues flotando sobre un trío de guitarra y órgano, deriva en momentos atonales y free. El que avisa no es traidor. El disco protagonizado por el trío del batería Jeff Cosgrove, con el gran John Medeski (Medeski, Martin & Wood) al órgano y Jeff Lederer  (Matt Wilson Quartet) en los saxos y la flauta, es un potente experimento en el que el pasado suena a través del tamiz del siglo XXI con grandeza y, sobre todo, como buen blues, con sentimiento. La excusa, un homenaje a su compañero, el compositor William Parker.

Cabe destacar que es la primera grabación de la música de Parker sin que suene su bajo. Cosgrove ha arreglado y rediseñado el sonido de estas composiciones para un trío de órgano, saxo y batería. Pero Parker no es un compositor del siglo XXI. Su carrera se extiende a través de varias décadas desde que en 1973 formó The Music Ensemble, pasando por su proceso como músico experimental, su evolución, y sus últimas grabaciones, como Flower In a Stained-Glass Window (Centering Records, 2018), escrita en homenaje a Martin Luther King Jr. para 35 artistas entre músicos, actores y cantantes.

Braithwaite & Katz · Little Bird - Jeff Cosgrove

Foto: Joe Crocetta

Como se puede escuchar, el álbum es una versión más accesible de la música de William Parker, pero también una versión no exenta de riesgos. El sonido del blues en el órgano de Medeski va más allá de lo que le hemos escuchado antes y en los saxos de Lederer sigue viva esa rabia de Parker. Es difícil repetir o reproducir lo experimental, pero temas como "Wood Flute Song", sería otro buen ejemplo del disco, con esa percusión intensa, (aparentemente) errática, obsesiva, que Cosgrove revive tan bien aquí, patrones móviles de un avant-garde que va más allá del jazz y de la fusión, porque forma parte del espíritu y conecta directamente con el de los que escuchan. Intensidad, expresión y un virtuosismo cercano a una belleza convulsa son las señas de History Gets Ahead of the Story. 

Una puerta a la música de un compositor desconocido en España pero que también se puede escuchar como una obra autónoma. Pruébenla, si se atreven, sientan, disfruten y entiendan.

______________________________
* Web: jeffcosgrovemusic.com