UN PRESENTE CON FUTURO

DANIEL FERRUZ, Un presente (Underpool, 2025)

El pianista Daniel Ferruz, zaragozano afincado en la escena jazzística barcelonesa, publica este año su tercer álbum, Un presente, tras sus Noctis (Fresh Sound New Talent, 2019) y Miradas (Underpool, 2022). Con un lenguaje pianístico propio, que suena a jazz contemporáneo y en algunos momentos también a clásica europea (Schumann) y española (Falla), el nuevo disco de su cuarteto (Joan Mas al saxo, David Mengual al contrabajo y Adrià Claramunt a la batería) persiste en este lenguaje con temas compuestos por el mismo Ferruz, donde expresa, sin prisas y sin artificios, su manera de hacer música: falsas baladas llenas de inspirados fraseos al piano y al saxo, ambos protagonistas; experimentaciones híbridas donde se alimenta de influencias reconocibles (y no solo jazzísticas); vitalismo en temas casi cantabile... y canciones llenas de poesía (con la voz de Eva Lago).

Lo más fascinante de este músico es que tiene una voz ecléctica. Baste escuchar el primer solo de este álbum para percibir que su piano se mueve de una influencia a otra sin dificultad. Este plurilingüismo musical a veces solo se puede sentir, no se percibe de manera consciente, ya que Ferruz pasa de un lenguaje a otro con una naturalidad engañosa. Lo mismo ocurre con las composiciones, todas originales. "La escuela" es un tema contemporáneo, cantable, que, de repente, se engancha a un solo de piano perfecto, dentro de la tradición, empujado por una sección rítmica potente (ese walkiing bass repentino).

De los aires festivos y tropicales de "Leo" al lírico "Ms. Rossoff" hay un salto cualitativo, con aires líricos que impactan por su brevedad. Como compositor, Ferruz sabe cómo jugar con los sentimientos. En "Un presente", por ejemplo, las notas largas del saxo de Joan Mas nos llevan a terrenos nostálgicos que el solo de bajo alimenta a la vez que nos prepara para un solo de piano que crece a medida que va dejando ideas acorde por acorde. El disco contiene joyas que sacuden al oyente, como "Doce", un tema  a piano solo (hay dos más en el álbum) que se aleja del jazz y que, sin embargo, nos remite, de una manera apasionada, emocional, lírica, a aquellos conciertos a piano solo de McCoy Tyner publicó en los 90.

Ferruz captura en Un presente la necesidad de vivir cada momento, y su disco late en cada tema, en cada compás, en cada nota, con guiños, sorpresas, modulaciones y juegos que piden escuchar el álbum con atención. 

* Más info: www.underpool.org/releases/un-presente/

LA EVOLUCIÓN DEL GRUNGE JAZZ

NEVERMIND 4et, Boost Lau Gara (Errabal, 2023)

Alargada es la sombra que dejó aquel álbum de Nirvana que se llamó Nevermind. Su publicación dio un vuelco a las estéticas del rock derivadas del punk y del heavy, una revolución sonora que apenas hemos percibido en el jazz rock hasta que conocimos al cuarteto que escuchamos hoy (el saxofonista Julen Izarra, el guitarrista Jorge Abadías, el baterista Hasier Oleaga y el contrabajista Aritz Luzuriaga), una formación que bebe de esta estética rompedora en un cuarteto llamado, precisamente, Nevermind 4et. Pero la historia de este cuarteto viene de mucho más atrás, cuando en 2008 los tres primeros formaron, junto a la cantante Ainara Ortega un grupo llamado Nevermind People. Sin Ainara, quedó un trío que publicó en 2013 Tree Sustrai Barik, un álbum donde se sublimaban estas influencias de una manera patente y potente. Lejanos quedan los ecos de aquel álbum diez años después. Ahora, constituidos en cuarteto, recuperan esta filosofía para presentar 8 temas grabados en marzo de 2012 en los estudios Pottoko de Beasain bajo el (lógico) título Boost Lau Gara. 

Son cuatro y su sonido, sin abandonar la distorsión (Abadías), muestra arreglos más complejos y una revitalización de su filia por el grunge. El grupo se ha sofisticado para desplegar un jazz rock donde la energía se contiene en tiempos medios y en melodías definidas por la expresividad que, por momentos, nos lleva a un lirismo nostálgico ("Da Punisher" es un buen ejemplo pero no el único) sin dejar de ser rock con lenguaje de jazz. Baladas como "Artajona Films" nos llevan también al terreno del rock (afilado por el virtuosismo de estos músicos de amplio currículum). Los distintos solos de Abadías y de Izarra coronan temas que cambian de tono y de ritmo ("Puntijazz", "Toulousse the pappers"). En el punto más clásico, "Kañoi bola", un tema con un gran trabajo rítmico (especialmente del contrabajo, marcado por los cambios en la batería) donde guitarra y saxo desarrollan solos dentro de un canon bop. Hay, sin embargo, en el tema, una energía a punto de quebrarse, una intención grunge que no apela a la distorsión ni al ruido, lo que hace de este tema un tema destacable. 

Queda patente una interesante evolución en la composición, a cargo de Oleaga y Abadías, que se alternan para ir mostrando un disco cambiante y lleno de momentos. Nuevamente, Nevermind publican un disco donde las estéticas se funden sin complejos para que los músicos puedan expresarse sin límites ni fronteras. Muy recomendable, especialmente para oídos y mentes abiertas.

* Más info: https://hotsak.eus/es/product/boost-lau-gara/

HERENCIAS

GIULIO OTTANELLI QUARTET (Errabal Jazz, 2023)

El sello Errabal Jazz presenta en este disco al cuarteto ganador del concurso de grupos de la 46ª edición del Festival de Jazz de Getxo. El cuarteto, liderado por Giulio Ottanelli, se formó en el Conservatorio Nacional de París, donde este saxofonista  italiano se trasladó para estudiar arreglos para big bands y orquestas después de formarse en música clásica en Florencia y en jazz en Siena en la Accademia Nazionale del Jazz. Sus composiciones despliegan extensas melodías que fluyen como una narración que guarda secretos más adelante. Se apoya en su capacidad para el discurso y en un segundo saxo, lo que le permite complicar las melodías con un estilo muy barroco. 

En París coincidió con sus músicos: Jeremie Lucchese (saxo tenor), Cyril Drapé (contrabajo) y Émile Rameau (batería). Sus influencias jazzísticas van desde John Coltrane hasta Mark Turner y, en otros ámbitos, de Bach a Ravel, una curiosa amalgama que se traduce en un jazz moderno, lleno de formas clásicas pero donde es fácil verse arrastrado a melodías inesperadas que emulan esta herencia externa al jazz. 

El cuarteto solo había grabado un álbum anterior (The Paris Session) pero se percibe cierta química en ellos, algo complicado cuando el objetivo es una música tan ambiciosa que mezcle estilos. No debería ser orgánico y, sin embargo, sus temas seducen, especialmente cuando la intensidad requiere virtuosismo, como en "Metro Ligne 5", un tema descriptivo que utiliza el ritmo para describir un hecho físico como es un metro, algo que también hicieron otros compositores como Debussy con el mar, Strayhorn en "Take The A Train" o  (más onomatopéytico) Mingus en su versión de "A Foggy Day" de Gershwin. 

Quizás la fuerza de este cuarteto sin piano radique, además de en estas inesperadas influencias, en la sección rítmica, elegante y muy constructiva. Drapé, en el contrabajo, emprende imaginativos solos en algunos temas ("Troppi Gnocchi" o "Samba Em Preludio"), robando por unos segundos el protagonismo a los saxos. Rameau, a la batería, tiene un solo brutal que pone una coda espectacular al álbum/concierto.

* Errabal Jazz: https://hotsak.eus

REBOTANDO CON DEXTER

DEXTER GORDON QUARTET, Bouncin' with Dex

(SteepleChase, 2023)

Sería justo decir que, cada cierto tiempo, uno tiene que volver a Dexter Gordon. Con su música, atemporal y poderosa como ninguna, parece que nunca de hubiera acabado la época de los grandes tenores. Dexter tenía ese don peculiar de tocar con fuerza y sensibilidad al mismo tiempo. El tenor es un instrumento que necesita que lo dominen. Precisa fuerza. Y él la tenía. Durante toda la época de su exilio europeo, la vida y la condición física de Dexter se fueron viniendo abajo, pero no su capacidad para tocar grandes cosas. En París o en Copenhague no solo escapó del racismo de Norteamérica sino que hizo amigos y grabó muy buenos discos, algunos en el sello danés SteepleChase, álbumes que quizás no tuvieron la repercusión de sus discos de Blue Note, pero que son igualmente intensos y brillantes. Por suerte, SteepleChase reedita este mes (en LP de 180 gramos) Bouncin' with Dex, grabado en septiembre de 1975 en Copenhague con compañeros tan espectaculares como Tete Montoliu al piano, Niels-Henning Ørsted Pedersen al contrabajo y Billy Higgins a la batería. 

Esta fotografía es de 11 años años (1964), cuando ya cimentaban
su complicidad Dex, Tete y NHØP. El batería es distinto (Alex Riel).

Aunque volvió en varias ocasiones a América en los 14 años que vivió en Europa, aquí descubrió una forma de hacer jazz más cómoda y libre. Con músicos como Tete y NHØP muestra una comunión perfecta, como se aprecia en otros discos como Cheese Cake, editado en 1979 y, en este, desde el inicial "Billie's Bounce", con esa elocuencia tan potente que despliega. Todo el cuarteto (anunciado aquí como Dexter Gordon Quartet, haciendo justicia los sidemen) explota con este tema de Charlie Parker. NHØP, en particular, tiene un solo vibrante que se hace fugaz y apetece volver a escuchar. "Easy Living" es de esas baladas que hacen reconocible a Dex, con su capacidad para equilibrar potencia y delicadeza. Tete está perfecto en su papel de acompañante, con fraseos sutiles, aparentemente secundarios, pero marcando la diferencia, para después tener un breve solo. Otro ejemplo bebop (Dexter se quedó en el bop para siempre) es "Benji's Bounce", con un Dexter jugando desde el principio a llamada y respuesta con Tete y un derroche del cuarteto a tope de energía durante 7 minutos. 

En la cara B del LP, "Catalonian Nights", un tema compuesto por Dexter Gordon donde destila ritmos latinos que, desde su visión americana, le debieron inspirar las noches catalanas junto a Tete, otra dimensión del tenor con mucho color en sus poderosos e interminables fraseos. La sección rítmica juega aquí un papel algo estereotipado pero efectivo. Para terminar, uno de mis temas favoritos, el estimulante "Four", de Eddie 'Cleanhead' Vinson (aunque Miles Davis se atribuyó su autoría), un temazo que siempre me levanta el ánimo y que aquí, en directo, en esa noche danesa de final del verano de 1975, ofrece 9 minutos de delicioso hardbop.

The Dexter Gordon Society · Four (feat. Billy Higgins, Niels-Henning Ørsted Pedersen & Tete Montoliu)

Un disco, en definitiva, que no es solo nostalgia, porque demuestra lo cómodo que se sentía Dexter Gordon en Europa, especialmente en Dinamarca, donde encajó perfectamente y donde dejó huella en la escena jazzística local. 

* Más info: nils.winther@steeplechase.dk

SINERGIAS

FLAVIO LI VIGNI, XOSÉ MIGUÉLEZ, CÉSAR LATORRE, HORACIO GARCÍA, Nostos (2023)

Este es uno de esos cuartetos prodigiosos que el aficionado escucha y se pregunta qué fuerzas sobrenaturales se habrán conjurado para unirlos. Aunque, normalmente, solo es una cuestión terrenal, de sinergias y personalidades afines que dan (porque el jazz consiste en eso, en comunicación y sinergias) todo lo que tienen para crear un disco perfecto. Los cuatro en cuestión son el pianista César Latorre, el saxofonista Xosé Miguélez, el bajista Horacio García y el baterista Flavio Li Vigni, No hemos escuchado aún el disco perfecto, pero este Nostos se le parece mucho: está lleno de sensibilidad, ritmos placenteros, arreglos que transmiten, energía bien conducida... 

Si uno sigue a Xosé Miguélez en los últimos años se encuentra a un saxofonista y compositor tan prolífico como inspirado. A este álbum llega después de publicar dos álbumes casi consecutivos: Ontology (2019) y Contradictio (2022), ambos para el sello Origin, y de participar en proyectos tan radicalmente alejados como la Orquestra Galega de Liberación. Su fraseo elocuente pero preciso es su mejor arma. Al pianista César Latorre no le habíamos escuchado antes y su virtuosismo y su capacidad para desarrollar los solos nos ha hipnotizado, al igual que la sección rítmica, donde bajo y batería suenan como una maquinaria suiza. Horacio García (Jazzúcar, Jorge Vistel, Iago Fernández) tiene, además, varios solos donde muestra que su contrabajo puede hablar con delicadeza. El de "Two Friends" que es para escucharlo dos veces seguidas. Flavio Li Vigni, por su parte, es de esos baterías inquietos que añaden extras en cada compás. Es responsable del departamento de jazz del Morley College de Londres cuando no toca con propio su trío o cuarteto.

La estética predominante en Nostos es la de un jazz moderno que mira a la tradición, un jazz atemporal, complejo pero fácil de escuchar. Hay algún momento más libre, que rompe los esquemas del álbum y que permite escuchar el lado más atonal del cuarteto ("Her Triumph") y una versión: "Someday My Monk Will Come", donde retoman el clásico de Disney que enamoró a Miles y lo pasan por los esquemas rítmicos de Monk. Una joya. 

También hay momentos más líricos. Quizás el momento más perfecto del álbum sea la versión de "Contradictio", donde todos suenan con un sentimiento soberbio. "Nostos", la balada que da título al álbum, por su parte, tiene esos fraseos de tenor que hacen inolvidable una melodía y un solo de piano efusivo, lleno de nostalgias, aupado por una sección rítmica perfecta. El título hace referencia a una antigua palabra griega que viene a significar "regreso a casa". 

* Web de Xosé Miguélez: xosemiguelez.com

SIMBIOSIS

JAVIER ORTÍ & MIKKEL PLOUG QUARTET, Laguna llena 

(Rizoma Records, 2019)

El álbum Laguna llena es la materialización de un proyecto musical con el que dos músicos de la talla del saxofonista Javier Ortí y el guitarrista Mikkel Ploug venían girando por salas bastante tiempo. Aunque son músicos con lenguajes bien diferentes, consiguen fusionarse en un sonido moderno, tan complejo que suena sencillo, cercano, quizás por el uso de tiempos medios y lentos donde la expresividad es más arriesgada pero, al mismo tiempo, más colorida; una estética la de este grupo que supone una revisión crítica del sonido del cuarteto clásico de saxo y guitarra que merece la pena escuchar.

Músicos, compositores y educadores, ambos desarrollan carreras paralelas (y juntos) con una óptica moderna y especulativa. Ortí, integrante de la Andalucía Big Band, entre otras formaciones (Monk Experience, Actual Proof, Fried Neoronium), tiene dos discos como líder (Intrology y Enki), donde parece que encuentra una relación armónica perfecta con los guitarristas (ha colaborado también con Miguel Martins, Carlos Bermudo, Alvaro Vieito...) y viene del reciente proyecto  de C.O.M. Trio (con Trevor Coleman y Nacho Megina). Ploug, por su parte, tiene una extensa carrera con discos a dúo, trío, cuarteto (con Mark Turner), sus experimentos con música de cámara (Equilibrum) y un arriesgado disco en solitario (Alleviation). 

Juntos, el onubense y el danés despliegan un abanico de sonidos que van desde referencias al hardbop hasta la world music ("African Song" es el ejemplo más evidente, con reminiscencias de Sonny Rollins) y a la Third Stream, todo ello con una estética uniforme y coherente, creando atmósferas donde explorar e improvisar. Elegantes y altamente expresivos en sus fraseos, Ortí y Ploug parecen contar historias a dos voces, ya sea en temas más efervescentes ("Fish or Net", donde Ploug recuerda en ciertos momentos a esa fluidez improvisadora de Bill Frisell) y que exigen velocidad y virtuosismo, como en composiciones meditativas como "A Reverbs Goodbye", donde, cuando cantan al unísono saxo y guitarra, se produce una especie de catarsis, una explosión contenida de lírica jazzística. Una simbiosis compleja pero que aquí funciona de una manera orgánica y natural.

El álbum se grabó en los estudios Mikima Records, en Palomares (Sevilla) en un solo día (11 de Marzo de 2019) y, quizás por esto, expresa esa frescura de los grupos muy rodados, con un interplay natural y un sonido muy cálido. Contiene nueve temas que se mueven (casi todos) a poca velocidad, algo que entraña riesgo pero también favorece la expresividad y nos permite comprobar la personalidad de los músicos nota a nota. (la intro de "Rossette" . 

El cuarteto incluye también una sección rítmica de enorme nivel y muy personal. Al sonido sólido y vibrante de Joan Masana al contrabajo hay que sumar la versatilidad de Martin Andersen en la batería, uno de esos músicos que hacen directos para recordar. Dos españoles y dos daneses que se entienden y se expresan, cada uno en su propio lenguaje musical, con un resultado excitante, más aún en directo.

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* Javier Ortí: javierortimusic.com

* Mikkel Ploug: www.mikkelploug.com

* Foto cuarteto: Gracia Gata Montero (vía Facebook).

* Foto Mikkel Ploug: Cecilie Vincentz.

DISONANCIAS

CUARTETO FUERTE (Titanical Records, 2019)

Grabado en Sevilla por músicos radicados en Sevilla, este proyecto nace empujado por el bajista Juan Miguel Martín (Nat 'n Jazz Quartet, Malheur), con sus composiciones y con otros tres músicos de nivel y sólida experiencia en el jazz moderno: el guitarrista Álvaro Vieito (Boreas, Vieito-Delgado Dúo), el clarinetista Gustavo Domínguez (Proyecto Ocnos) y uno de mis bateristas favoritos, Nacho Megina. Jazz moderno, free jazz con influencias del cine y del rock, es una propuesta original que desborda cualquier expectativa... desde su carnívora portada hasta el último tema.

Todo ello arreglado para un original cuarteto liderado por ¡guitarra y clarinete bajo!, dos solistas cuya tímbrica se mezcla con el sonido del bajo eléctrico con resultados inesperados, experimentos que nos remiten, inexorablemente, a aquellos tiempos en que el jazz se libró por fin de los estereotipos y decidió ser cualquier cosa, como definió Miles Davis su tema de 45 minutos en el concierto de la Isla de Wight. Porque a pesar de su modernidad, de su sonido original (se pueden percibir influencias pero todo suena a algo nuevo), hay cierto sabor a aventura en los temas de Cuarteto Fuerte, ese sabor de los pioneros, el que percibíamos con la evolución de Max Roach hacia lo salvaje, o de Art Blakey, Sun Ra, Wayne Shorter, un regusto al jazz de los 70 con el sonido de unos estudios de 2019. 

Domínguez, Martín, Megina y Vieito

Imposible reseñar cada influencia que se puede escuchar en este disco. Desde pasajes de rock ("Sofocos" o la intro de "Hola, ¿qué tal estás?") mezclados con la libertad creativa, armonías de instrumentos reales que recuerdan a la música electrónica ("Spectrum"), y el lenguaje del clarinete bajo, que pensamos que podría sonar de conservatorio pero que, en cambio, aporta un toque estimulante (o introspectivo, como en "El trabajo"), incluso innovador, aportando su timbre en un paseo entre mundos, cercano a las travesuras de John Zorn.

Zorn es una de las influencias manifiestas del bajista y compositor, pero debo admitir que este cuarteto va mucho más allá del ansia rupturista de Zorn. Cuarteto Fuerte parece tener más una voluntad de construir que de destruir, una voluntad basada en lo atonal y las disonancias, es cierto, pero sus temas tienen sentido. ¿Free con sentido? Hay estructura, tema, coda... y cierta épica en algunos solos, lo que demuestra la intención de gustar, no de disgustar. Y ahí es donde creo que se diferencian de Zorn, a quien espero no nombrar más en este blog.

Tanta influencia (vertebrada hacia lo personal) convierte el disco de Cuarteto Fuerte en una especie de disco homenaje, una declaración de filias por parte del Juan Miguel Martín compositor, un disco de cultura musical.

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* Más info: https://www.facebook.com/CuartetoFuerte/

ZEN Y CASCADA DE IDEAS

Iñigo Ruiz de Gordejuela, Adrián Fernández, Noam Israeli, James Heazlewood-Dale, Urjauzia (Rara Avis, 2017)

Un pianista y un guitarrista lideran este disco de cuarteto, con la consabida complejidad de hacer convivir dos líderes con estos instrumentos. Ellos son Iñigo Ruiz de Gordejuela y Adrián Fernández, dos músicos jóvenes que, sin embargo, saben sacar partido de ello armónica y rítmicamente. Una sección de ritmo formada por James Heazlewood-Dale al contrabajo y Noam Israeli a la batería completan la formación.

Adrián Fernandez se graduó en el Conservatorio Superior de Navarra con matricula de honor en la especialidad de interpretación de guitarra de jazz, y posteriormente ha sido alumno de Chris Cheek, Aaron Goldberg, Jeff Ballard, Nitai herkovits, Peter Bernstein y Ben Monder. Por su parte, Ruiz de Gordejuela, perteneciente a una familia de músicos, hizo estudios de clásica en Vitoria y luego fue becado a Berklee, donde se especializó en Jazz Theory and Popular Song. Becado también por el New England Conservatory, estudió un máster y fue alumno de Miguel Zenon, Ethan Iverson, Jason Moran, John McNeil, Ken Schaphorst y Frank Carlberg.

Puede que Urjauzia sea un ejemplo más de eso que llaman ahora jazz global pero lo cierto es que es un ejemplo de inquietud y valentía creativas. Reminiscencias folk ("O Peio Peio") e infantiles ("Intro: Vamos a contar mentiras") sirven de base a estos cuatro músicos para hacer ese jazz que explora y no se hunde en ningún momento, demostrando que puede haber erudición y virtuosismo en la juventud, no en vano Urjauzia se presenta como disco ganador del premio BBK Jazz al mejor disco del año (*).

Grabado en Sonora Estudios de Vitoria el 22 y 24 de mayo de 2017, es una colección de temas que, independientemente del ritmo que escuchemos, fluyen en una corriente de calma y paz, quizás porque, como admite su creador Ruiz de Gordejuela, la idea nace de sus retiros alaveses cerca de la cascada de Goiuri, en el Parque Natural del Gorbea, de donde debe surgir la inspiración y toda esta cascada de ideas (el título, urjauzia, es el término vasco para cascada), como tampoco hay duda de que la inspiración de estos momentos zen aporta esa paz dentro de la  intensidad ("Recuerdos") y la tensión rítmica ("El que la sigue la consigue"), a la vez que añade, dentro de la complejidad, un ambiente bucólico e inspirador poco frecuente en el jazz. 

Un ejemplo de esa cascada de ideas podría ser la impro colectiva de "Urjauzia", el tema que da título al álbum, ejemplo casi global de lo que es el disco: jazz moderno, lleno de ideas, que gana con cada escucha y que pone en el panorama jazzístico nacional un nuevo punto de vista, fresco, complejo, pero de estimulante escucha.

Alberto Enguita (saxo alto) en dos temas y Marina Tuset (voz en "O Peio Peio") completan el elenco del álbum. 

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(*) Se da el caso de que Ruiz y Fernández están también en la formación que ha grabado el disco del saxofonista José Ángel Lorente, que ha ganado el premio Impulso de la sala BBK al mejor proyecto de jazz del año.

* Web: www.inigoruizmusic.com

POESÍA, ACORDEONES Y OTROS IMPOSIBLES

JAVIER LÓPEZ JASO & MARCELO ESCRICH QUARTET

Según el Diccionario de la Real Academia, aporía es un término filosófico que define como "Enunciado que expresa o que contiene una inviabilidad de orden racional". Sabemos que lo que, en apariencia parece inviable en música es muchas veces posible en ese milagro de integración que es el jazz, por eso no nos extraña que el acordeonista Javier López Jaso eligiera este término para uno de sus temas. 

Aporía es, también el título de su segundo trabajo con el contrabajista argentino Marcelo Escrich. Aporía, que viene avalado por el sello Errabal Jazz, es una colección de 9 temas que mezclan con inteligencia la vibrante sonoridad del acordeón con la inquietud de un cuarteto de jazz. Junto al guitarrista Luis Giménez y al batería Dani Lizarraga, el cuarteto crea paisajes cambiantes que fluyen a medida que pasan los temas, como paisajes en un largo viaje, construyendo imágenes distintas de ritmos distintos y que, a la vez, nos traen a la memoria influencias muy diversas. El resultado es erudito y, a la vez, inusual, ya que el uso del acordeón obliga a armonizar de una manera poco usada en el jazz. 

Pero que nadie se asuste. El resultado es tan cálido, los solos muy interesantes y el sonido brillante. No pierde intensidad ni en las baladas. No esperen melodías tradicionales ni desviaciones que les saquen del camino del jazz. Los temas fluyen y son fáciles de escuchar porque las melodías llegan, aunque son tan elaboradas que es difícil saber dónde acaban los arreglos y comienza la improvisación. 

El único elemento ajeno al jazz que aparece en el álbum es la poesía, pero ya nos hemos detenido muchas veces en este espacio para hablar de la fascinante relación entre las métricas del jazz y de la poesía y, en este caso, es muy acertada la intervención de la voz de Gerardo Fitanovich recitando en homenaje al poeta argentino Hugo Tabachnik y a su obra Volviendo a casa en el tema "Hugo vuelve a casa", donde también aparece otro invitado: Alberto Arteta en el saxo tenor. Me gustaría destacar también que Arteta tiene un solo muy clásico en el último tema del álbum ("Diálogos y secuelas"), un tema que comienza con un diálogo bastante interesante entre el acordeón y la guitarra eléctrica a ritmo de jazz rock.

Resulta fascinante la manera en que el acordeón se integra en la base rítmica, comandada eficazmente por Escrich, con un sentido de la síncopa muy moderno y a la vez jazzístico, en especial cuando existe un contrapunto entre acordeón y guitarra. También fascina escuchar cómo López Jaso es capaz de tanta versatilidad. Sin enmarcarse claramente en el tópico fácil de estilos que la cultura popular asocia al instrumento, su  lenguaje deja traslucir la melancolía de músicas argentinas, francesas o del folkore vasco y, a la vez, es jazz, es improvisación. Es delicado y muy cantabile en temas como "Nene", dedicado a su hijo, lírico ("Aporía") o tremendamente rítmico y expresivo, como en el caso de "Donostia-Pamplona, Iruñea-San Sebastián", un tema compuesto por el acordeonista donde, paradójicamente, parece mandar el contrabajo, que marca el ritmo desde el primer compás y que tiene un solo hipnótico. 

Son músicos (y también compositores y profesores) que llevan años tocando juntos y eso se nota en la escucha de este trabajo donde vanguardia y tradición se mezclan con frescura. Un disco muy recomendable.

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* Javier López Jaso: www.javierjaso.com

* Marcelo Escrich: www.marceloescrich.com

INNOVACIÓN VINTAGE

RAFAEL BARRERA, Amser (2017)

Quizás un comienzo electrónico no parezca lo más adecuado para un disco de jazz, pero el "Galactic Blues" con el que comienza Amser, el álbum de debut como líder del pianista mexicano Rafael Barrera, resulta un sorprendente ejercicio de nostalgia de aquellos experimentos  electro-acústicos del jazz de los 70, un experimento que salva con nota el pianista con una melodía efusiva, cantable, que hace que el ruido redunde en belleza.

Dentro del jazz de Barrera, fluido, elocuente, orgánico, el elemento más sorprendente es la utilización de un sintetizador de vientos (EWI), que complementa al trío de piano y le da ese tono vintage o atemporal. Aunque la parte electrónica es mínima, esta es la filosofía con la que se podría definir casi todo el álbum: novedad, experimentación electrónica y rítmica, y una búsqueda de lo bello por caminos poco trillados.

Daniel Newberry se encarga del instrumento electrónico, Will Joy está en el bajo y James Edmunds a la batería. Con este disco grabado en el Reino Unido, el pianista Rafael Barrera se presenta como líder, solista y compositor de todos los temas (seis), en los que prima la expresión del piano como elemento rítmico, consiguiendo con los cambios de tempo y las repeticiones ambientes líricos y emocionales para el oyente, navegando en un territorio intermedio entre Wynton Kelly y algún ejemplo de música contemporánea y popular como Suzanne Ciani, cuyo lirismo está patente, por ejemplo, en "Relative Light", o Michael Nyman, quien también utiliza este tipo de estructuras repetitivas, obsesivas, que toca Barrera en temas como "Settling In" y "Van Gogh's Way To Madness", por ejemplo. Ecos de espíritus más libres (como Sun Ra o Chick Corea) y más cercanos al jazz (como Esbjörn Svensson o Brad Mehldau) también están presentes en la forma de tocar de Barrera. De este modo, crea un todo que es un jazz moderno, original, inspirado por la música contemporánea y también por el concepto pop de música contemporánea que hizo famosos a los músicos citados.

Hemos hablado con Rafael Barrera y ha tenido la cortesía de responder a nuestras preguntas. Transcribimos la entrevista. Como banda sonora, pueden escuchar el tema que abre el disco: "Galactic Blues".

ENTREVISTA

Jazz, ese ruido: ¿De dónde viene y a dónde va Rafael Barrera?

Rafael Barrera: Rafael Barrera es un artista que, a pesar de no venir de una familia de músicos, desde muy niño tuvo una conexión muy fuerte con la música, y sobre todo con la improvisación. Al descubrir el jazz como lenguaje y medio para expresar ideas de manera espontánea y libre, éste se volvió el vehículo - junto con el piano - para expresar la manera de cómo percibe la realidad y lo metafísico. Lo real y lo impalpable. Lo físico y lo abstracto. Ahora busca empaparse de experiencias que puedan enriquecer la música que interpreta y darle un sentido y un valor más amplio al poder empatizar con la vida desde ángulos distintos. 

J,ER: "Amser" es el término galés para "tiempo". ¿Se refiere al concepto temporal o se puede aplicar también al tempo en la música?

RB: "Amser" sobre todo hace alusión al concepto temporal sin dejar de considerar el tempo de la música misma. También es un juego de palabras que me parece interesante: "Am" del verbo ser o estar en inglés, y "-ser" del verbo ser en español. Esto, sin perder su significado en galés. 

J,ER: Háblanos de los músicos que han participado en Amser.

RB: El trio se conforma por Will Joy en el bajo de seis cuerdas, y James Edmunds en la batería. Will Joy es un joven músico inglés quien continua sus estudios universitarios en la universidad de Guildhall en Londres. James Edmunds, es un músico de Británico, que a pesar de su corta edad, tiene ya varios créditos en Nueva York y Londres. Como invitado especial en el EWI está Daniel Newberry, músico galés que continua sus estudios de jazz en el Royal Welsh College of Music and Drama y ha participado en festivales como el Brecon Jazz Festival. 

J,ER: El uso de un EWI en un disco de jazz es algo atrevido, si no rompedor... ¿Por qué lo elegiste?

RB: Si bien no es un instrumento común aún en el jazz contemporáneo, decidí elegir el EWI como un instrumento que aportara la textura galáctica, y ayudara a crear la atmósfera que buscaba concebir en la pieza "Galactic Blues". 

J,ER: ¿Cuáles son las influencias musicales de Rafael Barrera?

RB: Cuando descubrí el lenguaje del jazz algunos de los pianistas que más me inspiraron fueron Thelonious Monk y Chick Corea. Con el tiempo descubrí nuevos músicos que influencian mucho mi percepción y la creación de ideas como Alex Mercado, Hiromi, Tigran Hamasyan y Brad Mehldau. Estoy en un punto donde busco que no solo sean personas las que me inspiren, si no la vida misma. 

J,ER: Ahora que puedes mirar desde la distancia, estando afincado en el Reino Unido, ¿cómo ves la escena jazzística mexicana?

RB: Veo a la escena del jazz en México creciendo rápida y exponencialmente, haciendo propuestas sobre todo originales, lo cual siempre es bienvenido. Veo también que hay una audiencia ávida de escuchar este género que cada vez es más común en el país. Sin embargo, algo que puede mejorar dentro de la escena es estar más abierto a las nuevas propuestas musicales y entender que el jazz es un lenguaje en desarrollo y que tiene la habilidad y responsabilidad de expresar el "hoy". 

Agradecemos a Rafael Barrera sus respuestas. Les dejamos con un clip donde se aprecia lo innovador de su estilo y la visión avanzada del jazz que presenta en su álbum Amser. Que ustedes lo disfruten.

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* Para escuchar más: https://rafaelbarreramusic.bandcamp.com/releases

* En Youtube: www.youtube.com/channel/UCkAHVsVfYWf8Ur7oQEFJDxA

RITMO PAN-EUROPEO

LÓPEZ & KADZIELA, Augmentation (Jazz Activist, 2017)

Carlos López es uno de los bateristas más modernos e interesantes del panorama nacional. Ex-alumno del European Jazz Master, ha recorrido los conservatorios de París, Copenhague, Amsterdam y Berlín y, al igual que en su anterior Letters From København de 2015, en el que ya estaban el polaco Maciej Kadziela y el pianista Xan Campos, nos presenta, bajo el nombre de López & Kadziela, un nuevo cuarteto pan-europeo que completa el bajista Johannes Vaht. 

En la mismo línea y grabado también en la capital danesa (más concretamente en la Royal Danish Academy of Music en octubre de 2016), Augmentation es una colección de temas de corte moderno donde podemos escuchar la confrontación entre dos personalidades distintas: la compleja fluidez del saxo alto de Kadziela y las tensiones rítmicas creadas por este batería tan intenso que es López. Dos músicos, uno gallego y otro polaco, que llevan varios años explorando sus propias fronteras y las de los escenarios de media Europa y que, en la grabación que tenemos en las manos dibujan una amalgama de colores musicales distintos donde podemos escuchar vestigios de folk del norte, groove inspirado en el rock, influencias del jazz europeo de la última década y a cuatro músicos de diferentes culturas tratando de construir un jazz global (o universal, si prefieren el término).

Foto: Antonio Porcar

Destacan temas intensos donde la batería manda, imbuyendo al grupo de una intensidad tremenda (qué vehemente Campos en "Buenos Aires", empujado por López), otros más introspectivos pero también llenos de momentos intensos (como "October" o "June") o más especulativos ("Augmentation"), donde ritmo y melodía (batería y saxo) se encuentran y se divorcian constantemente, y otros como "Konsternacja" donde el compositor (Kadziela) juega a engañar al oyente con un aparente esquema hardbop que se quiebra en excitantes experimentos rítmicos.

Los temas, todos originales, pertenecen la mitad a López y la mitad a Kadziela, salvo el último corte del disco, que está escrito por el contrabajista. Es la composición más breve del álbum, un tema titulado "Opop" donde Johannes Vaht desarrolla un vertiginoso y temprano solo que da paso a un tema alegre, vital, de ritmos que se rompen y reconstruyen, donde el piano y la batería juegan a desacoplarse y donde el saxo hace de elemento cohesionador en un final repentino.

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* Carlos López: www.carloslopez.info

* Jazz Activist Records: http://jazzactivist.com

REPÚBLICA CROMÁTICA

El jazz de Manolo Valls Quartet

Experimentar a partir de la tradición. Esta parece ser la consigna del primer álbum como líder del saxo tenor Manolo Valls, un músico, docente y compositor valenciano con una carrera tan dilatada que abruma. Escuchado sin atención, República Cromática (Sedajazz Records, 2017) puede parecer un disco mainstream, incluso un disco fácil, pero una escucha atenta desvela en las composiciones de Valls trazas de Mingus, de Monk, sutiles referencias al blues y al free jazz, a Charles Lloyd, y algún aire coltraniano. Como en el caso de los medicamentos o de los alergenos en los productos de alimentación, esto está debidamente advertido en la etiqueta. 

Formado en el Casino Musical de Godella y tras pasar por infinidad de formaciones de jazz, Valls es profesor de saxofón, iniciación al jazz, lenguaje musical y música de cámara en el Conservatorio Profesional “Pintor Pinazo” y director de la Big Band Casino Musical. Su cuarteto, formado en 2016, reúne a Iván Cebrián (guitarra), Oscar Cuchillo (contrabajo) y Rubén Díaz (batería); una formación que recuerda al cuarteto de Sonny Rollins, con esa versatilidad y frescura que da la guitarra al cuarteto sin piano. 

Foto: Antonio Sambeat

Manolo Valls es uno de esos tenores de fraseo inspirado. Uno no sabe si está improvisando o ha escrito la partitura con ese nivel de complejidad. Tiene frescura a pesar de dedicarse a la enseñanza (ya sabemos que tanto la rutina como un exceso de teoría debilita la inspiración) y muy buen gusto al elegir las influencias con las que dar color a su música. Del disco cabría destacar no un tema sino la homogeneidad resultante a pesar de la variedad de influencias.

Foto: Juan Ferrer

El disco comienza con "Nerjita", animado, hardbop feliz y dinámico, repartiendo protagonismo entre el saxo y la guitarra de Iván Cebrián, un diálogo de solistas clásico que aquí funciona muy bien, aunque queda patente que el peso de los temas lo lleva el tenor, versátil y con mucho que decir: las frases del saxo en "Inside This World", por ejemplo, son tan cantabile que casi parece pop. Con un arranque de blues coltraniano, "Blues for Esteban" cumple las expectativas fluyendo como un tema de la época hardbop de Coltrane. Si hubiera que elegir uno de los solos de Iván Cebrián a la guitarra sería el de este tema, fluido, natural, complicándose a medida que crece; excelente. "Crisis" entra con un bajo rebelde, muy Mingus, pero es un bebop al estilo de Bird, menos sofisticado, menos loco, pero donde Valls va desgranando recursos de una manera incansable. La canción tradicional sueca "Viejo Estocolmo" fue convertida en estándar de jazz por Stan Getz en 1959 como "Dear Old Stockholm" y, como en el caso de Getz, aquí vuelve a sonar a bossa. Volviendo a Coltrane, éste lo grabó en 1963 y aparece como bonus track en las reediciones de Impressions (Impulse!, 1987, por ejemplo). Valls frasea "Viejo Estocolmo" como hacía Dexter, con fuerza y delicadeza al mismo tiempo. Misterioso y adictivo el solo de Oscar Cuchillo al contrabajo.

En definitiva, Manolo Valls hace un jazz cerebral, complejo pero fácil para el oyente, y lo que es más importante: con muchos recursos interesantes pero siempre anclados en la tradición. 

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* Web oficial: www.manolovalls.com

NSQ4

Jazz desinhibido... y sevillano

Detrás del divertido nombre de NoSeQueQuartet se esconden cuatro músicos jóvenes, con muy buena técnica y ningún complejo. Su jazz construye una amalgama de sonidos que van de Nueva Orleáns a Sevilla, propuesta que puede sonar extraña pero no se nos olvide que el jazz en su base es un ser vivo, callejero, desinhibido y divertido: desde las bandas callejeras hasta los clubs más escondidos de Tremé, el jazz se canta por pura diversión, y la propuesta de NSQ4 encaja con todo esto. Que no nos engañe el acento sevillano de Alejandro Astola, cuando escuchamos "Tambaleando" nos recuerda al Kermit Ruffins más divertido... pero en español-andaluz.

NSQ4 son Alejandro Astola (guitarra y voz), Fernando Rodríguez (piano y melódica), Daniel Abad (contrabajo) y Ángeles Dueñas (percusión y voz). El 26 de febrero presentan su primer álbum en Sevilla con un concierto gratuito en la Sala Imperdible (Plaza del Duque, Sevilla). La entrada es libre hasta alcanzar aforo. Lo recomendamos y charlamos con Fernando Rodríguez sobre su original propuesta jazzística, apta para todos los públicos.

ENTREVISTA A NSQ4

JAZZ, ESE RUIDO: ¿Cómo definiríais la propuesta de NSQ4?

NSQ4: Somos un cuarteto sevillano que pretende explotar el jazz más clásico con pinceladas de otras músicas y un puntito de simpatía y descaro. Lllevar esta música a veces difícil de digerir a cuantos más oyentes mejor.

 

J,ER: Quiénes sois y de dónde venís. Y ya puestos, ¿a dónde vais? ¿Qué proyectos tenéis a corto y medio plazo?

NSQ4: Nuestra intención es, sobre todo, hacer música y divertirnos, pero también gustar a una buena cantidad de gente, desde los que más avezados en el jazz hasta los neófitos. Lo hacemos desde una formación clásica de guitarra, bajo, batería y piano en la cual dos de sus miembros, además, cantan. Somos Fernando Rodríguez (piano y melódica), Alejandro Astola (Guitarra y voz), Daniel Abad (contrabajo) y Ángeles Dueñas (percusión y voz). Todos somos músicos jóvenes, que se vienen dedicando a la música y al arte en general desde siempre. Nuestro objetivo es girar el disco que presentamos por cuantos más sitios mejor. En Abril nos vamos 7 días a Frankfurt (Alemania) a hacer una mini gira, y nuestra intención es captar contactos para seguir saliendo de España.

J,ER: Es obligatorio preguntar por vuestras influencias musicales.

NSQ4: Pues todo el Jazz que nos precede por supuesto. Autores como Bill Evans, Miles Davis, etc. Aunque la mayor influencia que tenemos son las calles de Sevilla, donde se cocina una música especial y diferente que hemos sabido aprender desde niños.

J,ER: El 26 estrenais en el Teatro Duque (Sala Imperdible) de Sevilla el disco con entrada libre. ¿Cómo les venderías a los lectores del blog el concierto para que acudan a disfrutar y sepan qué esperan?

NSQ4:  Pues es un sonido fresco y divertido el que presentamos con este disco, callejero y sutil al mismo tiempo. Tendremos varias colaboraciones de lujo en el repertorio y para rematar la faena es GRATIS!!!

J,ER: ¿Cómo veis la escena musical de Sevilla en cuanto a música en vivo y, más concretamente en jazz?

NSQ4: Pues la verdad es que Sevilla siempre ha sido cuna de grandísimos músicos y lo sigue siendo, y eso hace que sea bastante normal encontrar conciertos y jam sessions en cualquier esquina. Aunque últimamente parece que los locales cada vez apuestan y arriesgan menos en este tipo de evento, seguramente por esta “crisis” que nos aborda. En cuanto al Jazz en Sevilla, hay varios movimientos y asociaciones que lo fomentan, como son Assejazz o el mismo CICUS de la universidad de Sevilla, y pensamos que este tipo de cosas es lo que mantiene vivo el jazz en Sevilla.

J,ER: Para terminar, recomendadnos un tema del álbum.

NSQ4: "Desodorante".

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Pues les dejamos con una versión de "Desodorante" grabada en vivo en Jazz Roof. Escúchenla sin prejuicios y ya me dirán. Y si están por Sevilla el 26 recuerden: Teatro Duque (Sala Imperdible) a las 21:30, NSQ4 en vivo, con entrada gratuita hasta completar aforo.

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* Web: www.nosequequartet.com 

** Soundcloub: https://soundcloud.com/nosequequartet