Michael Arbenz, pianista, y Florian Arbenz, baterista, son dos hermanos gemelos claves para entender la escena del jazz suizo. En 2022 les escuchamos aquí mismo versionando a ritmo de jazz al mismísimo Beethoven en su trío Vein, y a uno de ellos, el baterísta, junto a Greg Osby en un potente proyecto cercano al free jazz. En esta Alpine Session les podemos apreciar en un formato de trío de piano rindiendo tributo a la verdadera tradición del jazz y, no solo en la estética, sino acompañado por uno de los pilares del contrabajo en las últimas décadas, Ron Carter, a quien ambos hermanos gemelos admiraban desde que, de niños, le oían tocar en los discos junto a Miles Davis.
El álbum, que sale a la venta el 21 de febrero, se grabó el año pasado, concretamente el 16 de marzo de 2024, durante una única sesión en un estudio en los Alpes Suizos.
La grabación contiene seis temas donde resuena la habilidad de Michael para crear sencillas pero bellísimas figuras musicales, y la capacidad multirrítmica de Florian, siempre rompedor, nunca estruendoso. Y... Qué podemos decir de Carter, uno de los bajistas más poderosos que se han podido escuchar en la Historia del Jazz? Su solidez como base rítmica es una garantía y sus solos ("Evolution", donde el contrabajo se convierte en motor y líder del tema) son brutales. ¡Qué joven sigue sonando a los 87 años! Destacables "It Don't Mean A Thing", elegante, sobria, y "Lullaby", una balada basada en la "Canción de cuna" ("Guten Abend, gut' Nacht") de Brahms. En "Lullaby" la sección rítmica va conteniendo el tempo mientras el piano elabora delicados fraseos que sugieren y reinventan la melodía. Una delicia. Especialmente arrolladora es la versión de "All The Things You Are", donde el trío fluye con fuerza y con la naturalidad que tendrían si llevaran tocando una década.
En resumen, un disco fascinante donde se fusionan de manera alquímica la energía inagotable del maestro Ron Carter y el pensamiento moderno y europeo de estos dos suizos nacidos en 1975. El resultado es un jazz atemporal, lleno de ideas y de un ritmo que rinde culto a la tradición y engancha. Muy recomendable.
Empírico es el jazz por definición, pero el título del nuevo disco del saxofonista alto Roberto Nieva es una declaración de intenciones. A lo largo de sus 8 composiciones originales, nos propone un viaje vital, lleno, como todo en la vida, de ensayos y errores, como declara en las notas del álbum: "Doy gracias a la vida por brindarme este camino, aprender de la experiencia, de la percepción, de la gente que me he encontrado, en el último tiempo, de los viajes y de cada instante de imaginación". Parte de esa gente son los tres musicazos que conforman el cuarteto con Nieva: Xan Campos al piano, Thiago Alves al contrabajo y Francesco Ciniglio a la batería (en uno de los temas aparece otro saxofonista alto, Román Filiu).
Foto: Luis Javier González
Con este plantel, encara composiciones originales y muy originales, con un sonido de jazz moderno lleno de influencias que pasa por momentos más virtuosos ("Reivilo" o ese final de "La ventana de la ventana"); llenos de sutileza (esa melodía parada de "Three-Dimensional", que da pie a un solo de contrabajo muy narrativo de Alves); especulativos (esos ritmos de "Two-Dimensional", que parecen no avanzar, creando una tensión constante); expresionistas, como el lacónico "El fuego diminuto de un planeta", donde la melodía avanza en el saxo con esfuerzo, como un canto de dolor, para desembocar en un solo igualmente grave de Xan Campos al piano, un músico que nos encanta y que pensamos que es uno de los mejores compañeros de viaje que podría haber elegido Nieva para este proyecto.
Roberto Nieva es un saxofonista alto y compositor que comenzó su formación en el conservatorio de Ávila para luego pasar por Musike, hacer un máster en Investigación musical en la Universidad Internacional de Valencia, e, incansable, asistir a clases magistrales de músicos como Branford Marsalis, Loren Stillman, Roman Filiu, Bob Mintzer o Immanuel Wilkins. Galardonado como solista y como compositor en distintos festivales de jazz (Castellón, Getxo, Valencia), su estilo es moderno y a la vez melódico, con fraseos complejos que apelan a la sensibilidad del oyente y ajenos al exhibicionismo que otros consideran necesario. Sus composiciones, como se aprecia en este disco, nacen sin corsés y con la avidez de expresar, de conectar con las emociones, y eso es algo que pocas veces se escucha en el jazz contemporáneo.
BILL EVANS, Bill Evans In Norway - The Kongsberg Concert(Elemental Music, 2024)
Como viene siendo habitual, el sello Elemental Music recupera y publica una nueva grabación perdida. En esta ocasión, un concierto de Bill Evans en el Festival de Kongsberg el 26 de junio de 1970. Salvando la calidad de sonido asociada a la época, podemos decir que se ha hecho una muy buena labor de conservación y restauración, y que Bill Evans suena glorioso con su segundo trío, el que más vida tuvo, aunque muchos prefieran sus discos con LaFaro y Motian. Dicen que el pianista no solía dar por adelantado el repertorio del concierto a sus músicos, y que se iba adaptando al público, a pesar de lo cual se nota aquí un gran trabajo de escucha y de interplay entre la sección rítmica y Evans, una comunicación que, por momentos, hace al oyente recordar por qué ama el jazz.
Foto del concierto, por Arthur Sand
El disco, también presentado en doble LP, contiene extensas entrevistas al pianista, al bajista Eddie Gomez y al baterista Marty Morell, así como a otros músicos como el pianista noruego Roy Hellvin, que asistió al concierto, y artículos de Aaron Parks y Craig Taborn, además de las notas de Marc Myers. Lo más interesante es una entrevista que Randi Hultin le hizo a Evans tras el concierto... a las cuatro de la mañana. En la entrevista, podemos leer a un Bill Evans sincero y sencillo. Celebra que haya un festival con figuras internacionales en un lugar tan pequeño porque, dice, "el jazz no puede existir sin alguien que trabaje por él con amor". También habla de sus preferencias por el trío de piano, admitiendo que su trío "no hace ensayos. No desde que comenzó. La cohesión sucede en el escenario o en el estudio. La música se desarrolla por sí misma en cada concierto". También habla sobre LaFaro, sobre lo difícil que le resultaba en aquella época llegar a países donde no había tocado y sobre sus influencias musicales.
La cinta en la que se grabó el concierto
De todos los temas del temas del álbum, nos gustaría resaltar la reinterpretación de "So What". Es simplemente sublime. Por supuesto, a nadie se le olvida que Bill Evans estuvo en aquella maravilla histórica que fue Kind of Blue, y que Miles le debe mucho de la genialidad del álbum, tanto en arreglos como en la discutida autoría de "Blue in Green", pero, guerras aparte, "So What" a trío de piano consigue una alquimia fabulosa al condensar las melodías del tema en las teclas y en las armonías de Evans ("Bill Evans creó su propio universo de armonía, melodía y ritmo", comenta Eliane Elias en el booklet del disco), y tanto Gomez como Morell brillan cuando el ritmo se dispara.
Un disco a tener en cuenta, no solo para devotos de Bill Evans. No es solo una cápsula del tiempo sino un concierto de esos en los que nos hubiera gustado estar.
Hemos hablado muchas veces en Jazz, ese ruido sobre la transversalidad en el arte, sobre discos o libros donde pintura o poesía se alimentaban del jazz y viceversa. Este juego de retroalimentación es el que juega The New York Second, la banda liderada por Harald Walkate, al inspirarse en la fotografía de Vivian Maierpara estructurar su nuevo disco. Walkate, pianista y compositor, afirma basar su filosofía creativa en la intención de "expresar lo inexpresable"y construye en este Room for Other People una bellísima música sin palabras para narrar las historias de estas fotografías que hablan con imágenes.
Vivian Maier, apodada "la niñera fotógrafa" o "la fotógrafa callejera" fue una niñera profesional que, entre la década de los 50 y la de los 90 del siglo XX, realizó unas 100.000 fotografías en las que capturó la crudeza y la humanidad de la posguerra en Estados Unidos, aparte de otras fotografías que realizó en Europa. Jamás mostró ni exhibió su trabajo. No tenía formación artística y, sin embargo, sus imágenes tienen una gran calidad, a la vez que resultan conmovedoras. The New York Second se ha inspirado en algunos de estos trabajos gráficos para convertirlos en música, en un jazz igualmente directo y conmovedor que aúna delicadeza y sutiles armonías.
En este quinto álbum, al septeto formado por Harald Walkate (piano), Tom Beek (saxo tenor), Mark Alban Lotz (flautas), Teus Nobel (trompeta), Vincent Veneman (trombón), Lorenzo Buffa (contrabajo) y Max Sergeant (batería) se une el vibrafonista Rob Waring, que aporta atmósferas inesperadas y de gran delicadeza.
Foto: Tom Beek
Walkate ha estado diez años trabajando en este proyecto, leyendo sobre Maier, hablando con fotógrafos, galerías, museos... y seleccionando las diez fotografías que inspiran este álbum, que comienza con "983 Third Avenue", un extenso tema que comienza sugiriendo el movimiento de la ciudad (con ese tren elevado) en un un obstinato del piano, que juega con el vibráfono a confundirse y que resulta una base fantástica para los vientos, improvisaciones a la batería y un final donde la ciudad parece fluir. "Florida 1957" es el retrato de un día cualquiera de ese año, donde un joven afroamericano sonríe como una imagen de la América optimista que acababa de firmar el Acta de los Derechos Civiles. Armonías contemplativas giran sobre sí mismas para no llegar a un solo de piano final que suena esperanzador. "The Collectors Corner" es otro retrato, el de dos niños que representan la inocencia. La melodía sencilla y el ritmo a medio tempo sugieren la sencillez de la vida a esa edad. En "The Class Photografh" el piano aborda una melodía cantabile, evocadora, que crece con ayuda de la banda. El solo de contrabajo (Buffa) subraya el mensaje. "Room for Other People" es otra melodía afortunada que el piano (y más tarde vibráfono y tormpeta) eleva a un plano emocional.
"We have to make room for other people. It's a wheel. You get on. You go to the end. And someone else has the same opportunity to go to the end. And so on. And somebody else takes their place.” (Vivian Maier)
Para "Safety Service Comfort", fotografía de una pareja feliz en un coche de caballos, Walkate ha compuesto un tema que alterna vientos en modo menor (representando la adversidad) con pasajes en modo mayor (más alegres, con las voces del piano y el vibráfono), quizás representando los vaivenes de la vida en común. "The White Dress" es la foto de la portada, la de una chica elegantemente vestida a quien no vemos el rostro. Esta incógnita suena musicalmente misteriosa, con un vibráfono que suena a cinema noir y unos vientos lejanos, sugerentes. Las líneas del piano (también su diálogo con el vibráfono) en "Location & Date Unknown" es pura nostalgia. "View of Ile de Saint-Louis" recrea la magia de este lugar de París. Vale la pena el solo del tenor, cargado de sentimiento. El ritmo lento de "Downstairs for Incoming Trains" nos devuelve acordes de películas de cine mudo donde la ciudad se agita estresada mientras el pianista del cine marca un ritmo triste. Esta paradoja podría muy bien ser el eco de una gran ciudad.
El álbum se cierra con un brevísimo reprise de "Room for Other People" que completa brillante este puzzle complejo, con armonías llenas de color, para estas fotografías en blanco y negro que parecen aún vivas con el jazz de The New York Second.
Tras dejarnos fascinados con su voz en Begin (Errabal Jazz, 2020), la cantante duranguesa Irati Bilbao ha vuelto a los estudios de grabación para regalarnos un nuevo álbum donde alcanza una madurez envidiable como vocalista y como compositora. En Bloom la acompañan Mikel Núñez al piano, Fran Serrano al contrabajo y Aitor Bravo (No-Land Trío, Iosu Izaguirre Sextet) a la batería.
Para los puristas, advertimos que Irati no solo canta jazz y no solo canta en inglés en este disco. Las canciones, con letras muy personales y sentidas, navegan sobre una base fluida y atemporal que no busca falsos efectos ni fuegos artificiales. Solo en algunos temas como su versión de "I Fall In Love Too Easily" se permite el lujo de hacer scat e incluso de jugar a llamada/respuesta con el grupo, para después regalarnos una intimista canción en castellano con letra bluesera y aire de bolero "¿Hacia dónde?" o joyas como "Places".
Desde "The Tree" (con ese solo de piano) hasta "Median Gora", pasamos por un repertorio original no solo porque es nuevo sino por el enfoque que Irati como compositora da a las canciones. Estilísticamente, el disco es impecable, bien arreglado y con un sonido brillante y elegante que asume por momentos otras influencias (la bellísima "Intimate" nos trae al oído irremediablemente a Norah Jones). Quizás derroche más recursos vocales y de improvisación en los standards (hace también una versión antológica de "Devil May Care") que en los temas escritos por ella, algo que quizá se deba al deseo de dar más profundidad y relevancia a las letras.
Irati Bilbao nació en Durango y se formó musicalmente en Musikene, lo que es toda una garantía. Antes de grabar su primer disco en 2020, ha formado parte de distintas formaciones (Swintronix, Ekuru, Reunion Big Band, Manixa Jazz Choir, Bilbao Lindy Band, The Gospel Six...). En Bloom reúne composiciones clásicas, versiones de standards, y canciones originales donde la palabra es tan importante como la música, lo que lo convierte en un disco perfecto para amantes del jazz vocal y de las voces nuevas.
Los lectores de Jazz, Ese Ruido conocerán Microscopi porque nos llegan continuamente producciones nuevas, algo inusual en un sello independiente. Su catálogo cumple 10 años sin dejar de crecer y con una nómina de artistas muy jóvenes y, en su mayoría, desconocidos. Explorarlo es una oportunidad para conocer voces nuevas y saber hacia dónde camina el jazz nacional. Repasamos algunas de sus lanzamientos más recientes, propuestas musicales originales y atrevidas que renuevan la estética del jazz con fusiones inesperadas.
GONZALO DEL VAL, Lamentos mestizos (Microscopi, 2024)
Esta es quizás la novedad más original de Microscopi este otoño. Después de su disco Tornaviaje de2022, Gonzalo del Val continúa explorando nuevos territorios geográficos y musicales construyendo su propio mapa sonoro. El álbum, protagonizado por la voz de Valentina Marentes, se apoya en un cuarteto que cuenta, además de con el baterista, con Paquito Cruz (piano), BenjamínGarcía al contra-bajo y Luis Giménez en la guitarra.
Maestro del ritmo y líder como solo un buen baterista saber ser líder se trate de la formación que se trate, Gonzalo del Val es dueño de una abultada discografía (a su nombre o en colaboración) y no necesita presentación. Baterista imprescindible, omnipresente en conciertos y festivales, nómada musical en Dublín y Nueva York, profesor de varios conservatorios... En Lamentos Mestizos se interna en la selva de la música cantada con la cantante mexicana Valentina Marentes. El resultado es un repertorio sorprendentemente enlazado con el jazz moderno. Canciones de raíz mexicana y jazz. No es una simbiosis tan fuera de lo habitual (ya habíamos escuchado antes lo bien que encajan armonías mexicanas y jazz), pero el disco va más allá. Desde el primer tema, Marentes demuestra que también domina el scat mientras Del Val es capaz de llevar la canción de José Alfredo Jiménez hacia ritmos flamencos sin despeinarse. Pero es solo el principio.
Entre tanta nostalgia (romántica o directamente rota) en las letras, sobresale la madurez de la voz de Marentes y contenida visceralidad; la versatilidad de Gonzalo en su acercamiento a cada tema de manera distinta y personal, su capacidad polirrítmica para hacer que fluyan como una historia y cambien, avancen, sorprendan... y, sobre todo, que haya espacio para unos buenos solos (Cruz al piano en "Farolito" o Benjamín García en "Tu recuerdo y yo", que también cuenta con un solo de guitarra eléctrica de Luis Giménez muy apasionado). Como en cualquier disco de un baterista, sorprende siempre la capacidad para lo sutil (siempre he dicho que en las baladas brillan más los bateristas por la dificultad y porque no hay fuegos artificiales) y en la versión que hace en este disco de "Por el bulevar de los sueños rotos" Gonzalo del Val está pluscuamperfecto, y arrastra al cuarteto en las "amarguras que no son amargas" de la canción de Joaquín Sabina. Para reforzar este argumento, el disco concluye con una composición instrumental original de Del Val cargada de lírica.
Recomendable para aficionados a las canciones dolorosas y para los asiduos a las fusiones bien construidas.
En este segundo álbum, el trompetista Gregori Hollis mezcla influencias y estéticas buscando un camino. Navegando por el siempre fluido universo del jazz, nos ofrece un jazz ambiental, sugerente, aflamencado en algunos momentos, acercándose al hiphop en otros... pero siempre manteniendo una voz propia que no necesita búsquedas, porque es identificable y muy personal, especialmente en el fliscorno.
El disco, grabado en directo estudio y postproducido con material electrónico y otros recursos, cuenta con la presencia del pianista Kevin Díaz, del bajista eléctrico Ferrán Rico y del baterista Christian Delgado, y muestra una gran inquietud creativa. "Un viaje de la complejidad a la sencillez", como expresa el propio músico.
Gregori Hollis (Barcelona, 1994) toca la trompeta y el fliscorno. Nació en una familia de músicos. De formación clásica, se graduó con honores en la ESMUC en Trompeta Jazz. Publicó su primer álbum en 2020 (Landing) y posteriormente el single I Fall In Love Too Easily. Es miembro fundador del conjunto de metales Hip Horns Brass Collective, con el que ha pisado escenarios de varios festivales de jazz y música urbana. En este segundo álbum cuenta con colaboraciones muy interesantes, como la del gaditano Chano Domínguez, una de las influencias de Hollis, por lo que el trompetista compuso este tema inspirándose en el New Flamenco Sound. El resultado es una bulería pasada por el filtro del jazz que es un placer escuchar. Más aventurero es su tema "Lo que me llevo", con la voz de Manuel Masaedo en una fusión jazz/hiphop que no desentona con la línea elegante y reflexiva del álbum, que la voz etérea de Rita Payés eleva a una atmósfera oníricaen "Futur".
Un disco recomendable con un sonido personal y distinto. El concierto de presentación de Now I Know será el 16 de enero en El Molino de Barcelona.
Este Supervival es el tercer álbum del pianista catalán Josep Suquet. Con una estética camaleónica que se mueve entre el jazz moderno y la fusión, se acerca por momentos a la música clásica post romántica y modernista sin abandonar una estética jazzística excitante. Con una clásica formación de trío de piano (Ot Granados al contrabajo y Rubén Bueno a la batería), donde se percibe una complicidad que redunda en un sonido redondo y fluido, nos ofrece una serie de composiciones equilibradas y llenas de color, muy contemporáneas.
Josep Suquet se graduó en piano jazz en el Conservatorio del Liceu de Barcelona tras pasar cuatro años en Berlín fogueándose en diversos proyectos musicales y artísticos. Anteriormente publicó Impressions (2021), donde incluía temas a trío y a piano solo, y el EP End of Summer (bajo el seudónimo de Jovyn), un proyecto ideado en Berlín junto al productor británico Kelvyn Hallifax, donde exhibía composiciones propias que iban del jazz al pop y a la electrónica. También ha compuesto la música para el cortometraje Köztes Pont de Melinda Szabó-Nyulász.
El título del disco, Supervival, apela a la resiliencia frente a la adversidad, y contiene composiciones llenas de vitalidad que se mueven sobre patrones rítmicos del jazz pero que apelan a influencias inesperadas. El postromanticismo musical, como citábamos más arriba, está presente en algunos temas, incluso alguna estructura pop muy cantable en algunas composiciones ("28", por ejemplo). Especial atención a temas como "8 d'abril" o los momentos introspectivos de "The Day of the Broken Mirror" o "Impressions Intimes". Recomendable.
Escuchamos el solo de contrabajo del primer tema ("Courage"), tan cantabile, mientras el piano se convierte en parte de la sección rítmica dejando al bajo el protagonismo, y repetimos una vez más que nos gustan los bajistas que hacen "cantar" a su instrumento. Melódico y muy, muy sólido como instrumentista, Avishai Cohen es también un compositor ecléctico, capaz de mezclar influencias folk y jazz en composiciones complejas y, sin embargo, accesibles. Su nuevo disco, que hace ya el número 21 de sus grabaciones como líder, es Brighlight, once temas en su línea habitual: bellos, descriptivos y, por encima de todo, emocionales.
En su nuevo disco viene rodeado de una impresionante nómina de jóvenes músicos. Alrededor de sus compañeros de trío habitual (el pianista Guy Moskovich y la baterista Roni Kaspi), ha reunido a músicos emergentes como Eden Giat (piano), Yuval Drabkin (saxofón), Ben Tovim (guitarra), Lars Nilsson (trompeta), Hilel Salem (fliscorno), Jakob Sollerman (trombón), Ilan Salem (flautas), Jenny Nilsson (voz) y el baterista Noam David, quien, junto con Kaspi, son capaces de domar los ritmos inquietos que las composiciones de Cohen exigen. Destacable "The Ever And Ever Evolving Etude" y también "Roni's Swing", tema que Cohen ha compuesto inspirándose en la capacidad y energía de esta baterista que, con tan solo 23 años, fue nombrada Best Jazz Drummer of The Year en 2023.
Virtuoso y ecléctico, Avishai Cohen lleva muchos años convenciendo a audiencias de todo el mundo. Su estética tiene un marcado acento de fusión que es el producto de absorber muchas influencias, un trabajo intelectual y compositivo que, sin embargo, suena siempre fresco, y no podemos evitar recordar su paso por Origin, la formación de Chick Corea (también en su New Trio) cuando le oímos improvisar.
Con ritmos que desafían cualquier cosa que hayamos escuchado antes en jazz, mezcla de rock, pop, folk de Oriente Próximo... la escucha de Brighlight se convierte en un tour de force para el oyente, que va a encontrar una repertorio en el que Cohen es fiel a sí mismo, intimista a pesar del ritmo, con solos de Cohen y de los pianistas que se alejan de lo habitual, en fin, nada que un oyente de Avishai Cohen no haya captado ya en sus anteriores discos, pero con el placer de disfrutar de nuevas y excitantes composiciones originales, un repertorio que remata con una curiosidad ("Liebstraum nr3", un tema de Franz Liszt arreglado por Moskovich) y dos temas clásicos ("Summertime" y "Polka Dots And Moonbeams").
MATT WILSON, Tree Jazz: The Shape of Christmas to Come
(Palmetto Records, 2024)
Un aire de rebeldía sobrevuela el árbol de navidad. Suena a bop deconstruido, a free jazz primigenio. Suena a travesura. Pero no es el Grinch sino el trío de Matt Wilson, que vuelve a mostrar su personalidad iconoclasta para (este año) reinventar algunos clásicos navideños. Y a nosotros nos gusta. Por eso aprovechamos que están próximas estas fechas para recomendar su álbum Tree Jazz: The Shape of Christmas to Come. El título nos transporta mentalmente a aquel 1959 en que Ornette Coleman atacó los cimientos del bebop (que, por entonces, era lo más rompedor) y fundó el free. Ahora es Wilson quien arremete contra los cimientos rítmicos y tradicionales de los villancicos para traernos, con humor, su visión particular del Espíritu de la Navidad. "Up On the Rooftop" es un homenaje directo a Coleman.
Con un repertorio navideño (y no tan navideño), Wilson se divierte con sus amigos Paul Sikivie (contrabajo) y Jeff Lederer(saxos). Un trío de saxo no es, precisamente, una formación fácil. En este caso, Wilson y Sikivie disputan el liderazgo del grupo a Lederer con unas dosis de ritmo impresionantes. Incansables, montan y desmontan bases rítmicas sin pudor, traspasando géneros (brutal "Mariah Parusha", brillantemente llevado "I Heard the Bells of Christmas Day").
Foto: Chris Pizzolo
Escuchamos clásicos navideños del songbook estadounidense desmontados con pericia, pero también hay temas de Puerto Rico como "Si me dan pasteles" y una canción de Hanuka ("Little Clandles") de aire sefardí, perfecta para jugar con la sección rítmica y la expresividad de Lederer al clarinete. También divertidos experiementos donde combina pop con canciones navideñas, como "Do You Hear What I Hear?", que aquí suena increíble con el riff de bajo de "Under Pressure" y que responde a la inquietud de Wilson por ese estrés que las Navidades producen en muchas personas, ese mismo estrés del que habla la canción de Queen y David Bowie. El resultado es sorprendentemente jazzístico y original. Lo más espectacular, "Rocker", que retoma el clásico navideño "Sleigh Ride" (Leroy Anderson) con un contrafact de Gerry Mulligan (magnífico Lederer sobre una base rítmica desbocada). El disco termina con un blues escrito por Lederer e inspirado en un poema ¡de Yoko Ono! Humor a tope.
Como cada año, nos gusta llegar a la Navidad con una recomendación festivo-jazzística que aporte calor, ritmo y calidad a vuestros hogares. Este año tenemos la inmensa suerte de que nos ha llegado esta propuesta del inconmensurable Matt Wilson, autor de grabaciones únicas, que no admiten comparación, como su Hug! de 2020 o su Honey and Saltde 2017, inspirado en la poesía de Carl Sandburg. Una vez más, es Matt Wilson y es recomendable.
Ya habíamos escuchado al baterista vasco Mikel Urretagoiena a trío con otros músicos en la formación Trezz, donde ya mostraba un gusto elegante por las fusiones. Ahora, como líder, presenta en Denbora una versión actual del trío de piano con Iñigo Ruiz de Gordezuela a las teclas y Dani Pozo en el bajo eléctrico. Jazz moderno y sin reglas que, sin embargo, suena natural, orgánico.
El álbum está plagado de melodías cambiantes marcadas por el acento de Iñigo Ruiz de Gordezuela, que mezcla en el piano armonías clásicas con elementos autóctonos muy cantabile y algún giro latino, acercando el trío a un sonido europeo, algo que ya le habíamos escuchado en otros discos. Por su parte, Dani Pozo es el complemento perfecto a la percepción polirrítmica que Urretagoiena tiene de las composiciones. Un buen ejemplo es "Nere Herriko Neskatxa Maite" (versión de un tema de Benito Lertxundi), con ritmos cambiantes, un tempo inestable que da una intensidad a cada giro, momentos de introspección y un ejemplo de cómo la batería lleva la batuta en un tema, además de mostrar hasta dónde puede llegar cada miembro del trío.
Dani Pozo, Mikel Urretagoiena e Íñigo Ruiz de Gordejuela
Pero el punto culminante del álbum es "Denbora", que da título al álbum, un temazo que comienza con pequeños pasos y que va creciendo a intervalos hasta que Urretagoiena da rienda suelta al ritmo con un derroche de recursos. Algo parecido ocurre con "Euri Danza", donde la batería carga de tensión una melodía que permite a Iñigo un solo fugaz y vertiginoso. También habría que destacar cada momento de introspección y/o de calma que hay en el álbum, algo que a los bateristas-compositores les resulta a menudo más extraño. Sin embargo, Urretagoiena, autor de todas las composiciones, encuentra con pericia el acento preciso en la percusión para narrar, con la misma solvencia, lo lírico.
La noticia de un nuevo álbum de Al Jarreau es tan sorprendente como lo es inesperada, y no es que no estemos acostumbrados a que productores o casas discográficas dediquen su tiempo a desempolvar grabaciones inéditas para placer de los aficionados sino porque no parecía haber interés en el mercado por este cantante tan único en los últimos tiempos, de modo que es todo un acontecimiento. Recordemos que su último álbum fue lanzado en 2014, tres años antes de su muerte. Este mes, gracias al sello aleman ACT, se ha recuperado una grabación de Jarreau con la NDR Bigband.
Los temas de la grabación pertenecen a dos conciertos (uno en la sala Paradiso de Amsterdam y otro en la Opera Garnier de Montecarlo) durante una gira europea de Al Jarreau con la NDR Bigband entre octubre y diciembre de 2016. La vinculación de Jarreau con Alemania es antigua, ya que fue allí donde consiguió sus primeros reconocimientos (un premio Echo en 1975, y otro al año siguiente). Es por eso que Jörg Achim Keller, director de la NDR Bigband, le sugirió una colaboración en la que homenajearían a Duke Ellington. La respuesta fue positiva y Keller elaboró una lista de unos 100 posibles temas ellingtonianos que versionar.
Foto: Dietmar Vogel
Y lo que nos ha quedado de aquella gira es una colección de 11 temazos en directo que incluyen imprescindibles como "Satin Doll", "Sophisticated Lady"... con un Jarreau pletórico, en la cima de su expresividad, a pesar de no estar en su mejor momento físico, volando sobre la potente base armónica de esta orquesta alemana ¡y conun repertorio del Duque!. Hace poco volvíamos a hablar de homenajes a Duke con el disco de Brian Landrus, y es que en el jazz todas las versiones son bienvenidas. Y más las de Ellington.
El disco comienza con una swingueante versión de "Drop Me Off In Harlem" donde ya se puede apreciar la comodidad con que Jarreau hace suyo el tema, su swing, su simpatía en directo... y ese final tan suyo con scat incluido. Conmovedor en "I Got it Bad (and that Ain't Good)" y brutal en "I Ain't Got Nothing but the Blues" con toda esa orquesta respaldándole. Inconmensurable en "Take The 'A' Train", con ese piano (Hans Vroomans) acompañándole (y esos vientos, más el solo de Tini Thomsen al saxo barítono). Las baladas también se prestan a sus juegos vocales, como la inmortal "Lush Life" o "Sophisticated Lady", una balada que me devuelve un momento de hace 40 años cuando cayó en mis manos, por insistencia de un amigo, su disco en directo In London, donde descubrí a Jarreau, y es ahora con otro disco en vivo donde puede despedirse de nosotros de una manera gloriosa.
Y es que glorioso es el adjetivo para esta grabación que aúna la experiencia y la sabiduría vocal de un cantante con más de 50 años de carrera donde ha pasado por el jazz, el pop, el r&b... demostrando que podía hacer con su voz lo que quisiera.
El disco está disponible en el sello alemán ACT, pero nosotros hemos rescatado estos vídeos de los ensayos de aquella gira de 2016. Que ustedes los disfruten.
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