SERGI SIRVENT & DAVID VIÑOLAS, Recreations Tímbriques de Satie a Mompou (Columna Música, 2025)
No es la primera vez que hablamos de Erik Satie ni de Federico Mompou en este blog, ni será la última en la que pianistas de jazz (Julián Solarz fue el último que apareció por este blog "hablando" de Mompou) se acerquen a su obra, pero cada visión particular de los temas de estos compositores, cuyo impresionismo y experimentación se acercó mucho al universo jazzístico, es acogida con tanto interés como veneración. El jazz nacía mientras Satie vivía los últimos años de su carrera. ¿Le inspiró? Podríamos afirmar que Satie inspiró a Francis Poulenc, quien a su vez fue una de las influencias de Mompou, que tanto ha inspirado a músicos de jazz...
Erik Satie
Pero hoy escuchamos algo diferente, distinto en el sentido de que no tenemos a un pianista a solas con su piano (como en los originales) ni a un combo de jazz reimaginando la estética impresionista, sino un dúo de piano y batería (compuesto por Sergi Sirvent y David Viñolas), algo muy poco frecuente. Si ya en 2009 Ximo Tébartransportaba la música de Satie al lenguaje de la guitarra de jazz con una decena de músicos, aquí la solitaria conjunción de piano y batería redunda en una tímbrica inédita, con momentos experimentales dentro del impresionismo y del miniaturismo de los dos compositores versionados, permitiéndoles jugar con lo que Mompou llamó "la música menos compuesta del mundo".
El álbum comienza por Satie y termina, de una manera lógica, con dos únicos temas de su "descendiente musical" Mompou. Desde la melancolía de "Gnossienne III" (Mompou) pasando por varias "Pieces froides" en las que la batería complementa sutilmente la expresividad de las repeticiones, hasta el lirismo de "El llac", podemos oír un abanico de sonidos especulativos que acercan las composiciones a una sonoridad cercana al jazz contemporáneo sin subvertir la intención original.
Foto: Xavier Esteban
Es un recorrido por distintas piezas de Satie y dos de Mompou con experimentos entre medias, como una composición original de David Viñolas titulada "Satiesmiles", que rinde homenaje a Satie sin imitarlo, con ritmos cambiantes, inestables, impresionistas, y dos temas compuestos por Sirvent ("El fet y la ficció" y el juguetón "Lirisme delirant", que son dos contrafacts de "Gnossienne II" y "Gymnopédie I", respectivamente) donde piano y batería conversan y convergen de una manera iluminadora.
Con esta grabación, realizada el 14 de julio de 2024 en el estudio de Albert Moraleda en La Garriga (Barcelona), Sergi Sirvent y David Viñolas convierten su colaboración en una trilogía después de haber publicado anteriormente dos Recreacions Tímbriques (De Mompou a Bartók y De Mompou a Bártok vol. II) en Selffish Records. Recomendable, tanto para entendidos como para excépticos.
Resonancia, Música de Frederic Mompou (Microscopi, 2023)
El argentino Julián Solarz es pianista, percusionista, compositor y arreglista. Alumno de, entre otros, de Guillermo Klein, ha dedicado buena parte de su carrera a la investigación, en especial en las conexiones del jazz contemporáneo con el folkore, ya sea argentino o afroamericano, así como su influencia en la música académica del siglo XX. En este apartado, llega a Federico Mompou, que es, tras Erik Satie, el compositor "culto" más versionado (y de una manera más interesante) por los músicos de jazz. Lo curioso es que Satie era la principal influencia de Mompou, cuyas piezas, habitualmente breves e íntimas, beben del minimalismo impresionista del francés.
Julián Solarz (Buenos Aires, 1977) retoma algunas piezas de Mompou buscando su conexión con el jazz (en las composiciones de Mompou hay mucho de improvisación) y encontrando la manera de orquestarlas para un sexteto de jazz. Julián Solarz ha sido compositor y arreglista de la Orquesta Sudamericana, ha participado en numerosas formaciones y ha publicado dos álbumes anteriores: "Tiempo vaivén", a dúo de piano y voz con la cantante Analía Sambuco, y "La palabra no dicha", a sexteto, donde presentaba composiciones originales y un primer acercamiento a Mompou, con el arreglo de una pieza ("Música callada, nº 6").
En Resonancia, el piano cede el protagonismo a otros instrumentos, lo que resulta paradójico en un disco de un pianista que versiona a otro pianista. Solarz ejerce casi todo el tiempo como compositor y sabe jugar con las tímbricas del grupo para aportar una dimensión más amplia a estas piezas. Se puede escuchar desde el tema inicial ("Música callada nª 1"), que comienza con clarinete y percusión (Solarz también es percusionista y da mucho protagonista a la batería de Carlo Brandán en este disco) hasta temas donde los vientos (también Lucas Goicoechea en el saxo alto) armonizan sin abandonar las atmósferas minimalistas. La guitarra (Juan Filipelli) también tiene su propio discurso en la lírica "Música callada nª 9". Solo en algunos momentos Solarz "reclama" el protagonismo del piano (como en las músicas calladas 9 y 11, por ejemplo), pero es solo una excusa para llevar al grupo al punto adecuado.
A pesar de la metamorfosis a sexteto, de la adaptación al lenguaje del jazz con toques de tango y música afroamericana, Julián Solarz consigue reproducir la intención intimista y meditativa de Mompou en estos temas, consiguiendo un jazz de gran belleza y de interés musicológico. Un disco contemporáneo, inteligente y recomendable.
DON BYRON & ARUÁN ORTIZ, Random Dances and (A)tonalities (Intakt, 2018)
Este no es un disco fácil de clasificar. El clarinetista Don Byron y el pianista Aruán Ortiz han recogido en estudio 10 piezas muy libres e imaginativas en las que improvisan sobre standards (Ellington, Golson), partituras clásicas (Mompou, Bach) y composiciones originales; todo ello con aires cambiantes y un resultado más fácil de escuchar que de clasificar, a medio camino entre el free jazz y la tercera corriente.
Byron, músico imprevisible y que se mueve en muy variados estilos (repasando su discografía oímos klezmer, musicales, bandas sonoras...) forma un inesperado dúo con el cubano Aruán Ortiz. Ambos se educaron en la música clásica y sus carreras caminan en ese territorio sin nombre que les permite alternar el jazz con otras músicas.
Tras ser invitado por Byron a acompañar a su cuarteto durante la gira "Music & Architecture" de 2014, Ortiz tocó con el clarinetista durante una serie de conciertos en los que tuvieron la oportunidad de conocerse y poner sobre la mesa sus puntos de vista, encontrando suficientes lugares comunes para decidir montar este improbable dúo en el que Cuba y el Bronx se unen en una relación cuyo aspecto más interesante es la desigualdad: es un dúo que no fluye a la par, donde no hay paralelismo, sino libertad y expresividad individual, lo cual lo hace mucho más apasionante. Mientras que Ortiz añade influencias multiétnicas a cada pasaje, Byron aporta esa elegante rebeldía suya basada, paradójicamente, en lo académico.
Foto: Jimmy Katz
Desde el comienzo del disco, un homenaje de Aruán Ortiz a Tete Montoliu ("Tete's Blues"), uno de sus referentes, el álbum derrocha originalidad en cada compás. Su revisión de Bach (aunque no sea la primera ni la undécima vez que se reinterpreta a Bach bajo el prisma del jazz) es algo más que erudita, es cautivadora, no menos que la etérea visión de un tema de Mompou ("Musica callada, Vol. 1 No. 5, Quarter Note = 54"). El tema que cierra el álbum ("Impressions on a Golden Theme") es una reinterpretación de "Along Came Betty" de Benny Golson, donde ambos músicos componen e improvisan admitiendo que, tras tocarlo de gira, el tema "evolucionó y evolucionó, yendo en una dirección dsitinta cada vez. De modo que decidimos sentarnos y tuvimos una conversación musical sin preocuparnos de cuál pudiera ser el resultado". Y con esta filosofía parece haber surgido este disco tan original. Incluso su recreación de "Black and Tan Fantasy" resulta excitante, convirtiendo el clásico de Ellington en una pieza aún más negra, más enigmática y llena de matices que el original. Puede parecer un comentario herético hacia el Duque pero Ortiz y Byron se mueven en otra dirección, igualmente especulativa, con la diferencia cultural y la perspectiva que proporcionan 90 años de diferencia.
Publicado por el sello suizo Intakt, Random Dances and (A)tonalities es un disco para paladares exquisitos que sepan degustar los temas momento a momento, una colección de sonidos que pasan de la libertad más absoluta al sonido más limpio y académico, con una ambición estilística que roza lo pantagruélico pero que, por momentos, se torna íntimista y lírica. Como dije al principio, más fácil de escuchar que de clasificar.
Folkores caribeños, herederos de las músicas española y francesa, fueron algunas de las semillas que dieron a luz el jazz. El flamenco, las músicas judías, bálticas, orientales... se han fusionado con aquellos ritmos hasta configurar un universo del jazz en expansión que hoy nos trae, precisamente, a España. Hemos hecho un viaje (una escucha/viaje) por la fronteras del jazz. Sí, el jazz vive siempre y solo en las fronteras, pero hoy estamos transitando fronteras tan cercanas como poco transitadas.
TERRA MUSICAL ENSEMBLE
En esos límites está la música que desarrolla Terra Musical Ensemble, un combo que se define como "orgánico" y que es cambiante (trío, cuarteto, quinteto...). Sus músicos vienen de formación clásica y jazzística y, gracias a esta mezcla, en sus conciertos funde la música popular, la clásica y la improvisación libre con un resultado realmente original y conmovedor. Su repertorio incluye versiones de Mompou (precursor de la improvisación) y de otros músicos menos a la vanguardia, como Falla, Turina... actualizándolos en lo que pensamos que es una metamorfosis lógica ya que, al igual que el jazz asumió los folkores africanos y del Caribe hace cien años (y luego en España el flamenco), creemos justo que los músicos de jazz españoles miren hacia su propia tradición (ya sea popular o culta) a la hora de buscar inspiración para crear nuestro propio songbook.
Las distintas formaciones de Terra Musical Ensemble están compuestas por el saxofonista tenor Daniel Juárez(The Machetazo, Jerry González), el pianista Mario Fierro (Voro García, Pedro Iturralde, Federico Nathan), el contrabajista Miquel Álvarez (Jim Rotondi Quintet, Vince Benedetti), el baterista Rodrigo Ballesteros (Román Filiu, Antonio Lizana), Pablo Kirschner, violín clásico, e Ismael Campanero, contrabajo clásico. A estos músicos jóvenes pero con un gran bagaje detrás se suma la voz de Carmen Lancho (Carmen sings Nancy, Manuel Borraz Quintet).
Ya con una interesante trayectoria en festivales como el Clásicos en Verano de la CAM o Moncloa a Ritmo de Jazz, estarán el 17 de febrero en el Festival Jazz A Escena, que, en su tercera edición, deja atrás el Teatro Español para celebrarse en el Café Berlín, templo del jazz fusión por excelencia en Madrid.
El trombonista y compositor Víctor Correa es un músico inquieto y versátil al que hemos escuchado tanto tocando hot jazzen la calle como en discos muy distintos, proyectos muy creativos e inusuales, que son, al fin y al cabo, los que excitan el oído del aficionado. En este proyecto de 2022 llamado Movimientofusiona poesía, danza y música, explorando las tradiciones de su tierra y aportando su concepción del ritmo y la experiencia jazzística de su instrumento, todo ello en un trabajo sorprendente, personal, que lleva a los escenarios la universalidad de lo local.
De origen castellano (Segovia, 1977), formado en Madrid y afincado en la Sierra de Gredos, Correa lleva años formando parte esencial del panorama jazzístico madrileño. Con esta obra, vuelve a los orígenes indagando en la tierra. Versos de Machado, folkore, improvisación y muy buenos músicos (en directo también danza) conforman esta declaración de intenciones. Nanas ("Tormes-Gredos"), saetas con un toque de blues, canciones de segadores con aire cubano... Todo nos ofrece una mirada nueva a una tierra sin edad, donde el tiempo parece no transcurrir, dicho esto en una época de velocidad donde las modas son tan fugaces que el tiempo casi carece de sentido. En este orden de cosas, la mirada de Correa reafirma el valor (tanto musical como etnológico) de las tradiciones y, consecuentemente, de la esencia de lo humano.
En Movimiento, Correa toca, compone, toca trombón, pandero, pandereta y canta. Junto a el, Victor Antón(guitarra, piano y voces), Violeta Díez (voz, violín, mandolina y percusiones), Javier Moreno (contrabajo), Adal Pumarabín (batería, percusiones y audio), Sergio López (gaita gallega y percusiones) y Pau Arnal (movimiento). Esperamos tener la oportunidad de verlo en directo.
Este debe ser un artículo necesariamente mínimo (y breve) sobre una obra muy breve, una suite para piano en cuatro movimientos que dura solo 7 minutos. Dicho así, podría parecer un capricho, la obra de un artista perezoso o incluso un chiste, pero no lo es. En esos 7 minutos hay tanto sentimiento, tanta luz, tantas referencias al impresionismo de Satie o las teorías de Mompou que se agradece la brevedad para poder escucharla una y otra vez, una y otra vez...
El artista "perezoso" es nada más y nada menos que Javier Bruna (Tudela, 1975), a quien todos conocemos como saxofonista (también flautista) y como compositor prolífico que ha transitado por terrenos tan movedizos como la fusión de folkore con jazz en su proyecto Bruna Sonora (Tarareando fue su debut como líder en 2018), la samba (Sambay), el jazz moderno (Jazz in Trio) o increíbles rapsodias llenas de influencia como su reciente Ritual de 2022, donde ponía sobre la mesa herencias musicales que iban de Manuel de Falla al swing, pasando por Cuba, la bossa nova, Gershwin...
En esta obra Suite mínima con un solo músico, la pianista Bea Montero, que asume con precisión y una conmovedora sutileza las ideas de la partitura, delicados acordes cambiantes, notas sueltas, impresionistas, que no eluden una búsqueda de la belleza y que nos llevan en algún compás a Debussy.
Puede que no sea jazz ni vanguardia, pero su belleza y valentía deja todo dicho... en 7 minutos.
