LA ISLA DEL GYPSY JAZZ

MARION & SOBO BAND, Gomera (GLM, 2024) 

La isla de La Gomera ha sido la inspiracion de Marion Lenfant-Preus y Alexander "Sobo" Sobocinsky para su tercer disco.  Ambos son músicos y viajeros, y han pasado por Colombia, Cuba... para recabar en varias ocasiones en las Islas Canarias. El particular colorido de su naturaleza agreste inspira una colección de 13 temas que incluyen composiciones originales a la vez que repasan algunos clásicos del jazz manouche e incluso alguna habanera... La banda completa son Marion Lenfant-Preus (voz), Alexander "Sobo" Sobocinski (guitarra), Frank Brempel (violín), Stefan Berger (bajo) y Jonas Vogelsang (guitarra).

La voz de Marion tiene esa dulzura juguetona (llamémosle traviesa) que se adapta tan bien al swing y aporta esa personalidad típica del gypsy jazz, tanto cuando juega con los versos como cuando hace scat. En cuanto a la guitarra, protagonista indiscutible de la estética manouche, habría que destacar la versatilidad de Sobo. Puede hacer swing divertido y salvaje con un virtuosismo arrollador y pararse a acompañar una chanson con la delicadeza que merece ("Amour Supreme" o "Que reste t-il de nos amours?") con un estilo casi pop pero nunca exento de swing. 

Foto: Alessandro de Matteis

En este sentido, el disco es (afortunadamente) muy heterogéneo y alterna temas muy al estilo de Django Reindhart (versiones como la loca y clásica "Puttin' On The Ritz" o la chanson convertida en swing "Les Listes") con otros de influencias balcánicas, como "Opa Cupa" (qué bien encaja el folklore balcánico en el jazz manouche) o brasileñas ("Promesse") e incluso una versión a ritmo de gypsy jazz de una habanera (la clásica "Veinte años", que escribieron Guillermina Arambury y María Teresa Vera, que la popularizó mucho antes de que la versionaran Omara Portuondo o Buena Vista Social Club). Habría que destacar en "Veinte años" no solo la apasionada interpretación vocal sino también los solos, en especial el de violín (Brempel) y el del bajo (Berger). 

Con continuos homenajes a la isla ("Epina Swging", "Playa de vueltas"), el disco termina con "Les yeux noires", versión peculiar de la versión que en su día hizo Django Reindhart de la vieja canción rusa. Comienza como un poema, lenta y dulce, para transformarse en una apasionada locura a ritmo de swing manouche y dejando al oyente la sensacion de necesitar volver a empezar para capturar toda la amalgama que ha pasado por sus oídos. Un disco muy recomendable, tanto para aficionados al jazz manouche (se atrevan a bailarlo o no) como para quienes busquen un jazz complejo, inteligente, pero fácil de escuchar.

* Más info: marionandsobo.com

FREE BEATLES

PHIL HAYNES & FREE COUNTRY, My Favourite Things 60/69 

(Corner Store Jazz, 2018)

Grabado los días 12 y 13 de diciembre de 2014, ve ahora la luz este trabajo del baterista Phil Haynes y su formación Free Country, con la que completa una trilogía que comenzó con un álbum de canciones anteriores a 1900, continuó con un disco de temas de los años '20 y concluye con este homenaje a los músicos  de los '60 que cambiaron la Historia del Rock. 60/69 es absoluta libertad a la hora de grabar y un jazz rock que enlaza con las raíces bluegrass de la Americana music.

Habituales en los escenarios pero inusuales como formación: violonchello, guitarra eléctrica, contrabajo y batería, Free Country es un cuarteto original que está formado, además de Haynes en la batería, por Hank Roberts (violonchelo y voces), Jim Yanda (guitarra) y Drew Gress (contrabajo). Roberts aporta su voz de barítono y el tono lacónico de su manera de interpretar los temas en los que canta.

Mitos del pop y del rock (The Beatles, Jimi Hendrix), del soul (Aretha Franklin, Marvin Gaye) o del jazz (tan dispares como el Louis Armstrong de "What A Wonderful World" y el Coltrane de A Love Supreme) son los autores originales de este repertorio que abarca un CD doble, una reinterpretación de la Historia dominada por la maestría y la versatilidad rítmica de Phil Haynes, capaz de crear múltiples colchones rítmicos en cada tema, un baterista tan versátil como Elvin Jones, experimentador incansable como DeJohnette, y siempre protagonista indiscutible del tema.

Bucknell Archive, 2010

La interacción entre los músicos y esa libertad a la hora de grabar derivan en creatividades como "California Dreaming", que se convierte en una pieza lenta, minimalista, muy free, con aires de América Profunda; "R.e.s.p.e.c.t." es un swingueante tema de soul un groove tenso y un solo de guitarra muy interesante a cargo de Yanda y otro brutal a cargo del cello; la voz de barítono de Roberts pone el tono distintivo a un "Hey Jude" lacónico, muy especulativo, donde el ruido es parte de la libertad (en las cuerdas, en la percusión...). 

A "Hey Jude" le sigue un "Sex Machine" más que cuestionable pero el disco doble tiene más mapas rítmicos que explorar y, cuando llega a Coltrane, el experimento cobra sentido. Incluso el poema recitado viste la piel del free, una oración a cappella que la batería enlaza directamente con un "Resolution" intenso, rítmicamente swing pero dramático, más intenso en el solo de cello que en el de guitarra, menos rudo y más clásico. "Resolution" termina con un solo de bajo que nos envía a "My Favourite Things"

Otro día hablaremos de otro de los proyectos de Haynes, No Fast Food, un trío de free jazz con el que también acaba de lanzar disco.

_________

* Web oficial: www.philhaynes.com

* Web discográfica: www.cornerstorejazz.com

EL ESPÍRITU DE COLTRANE SIGUE VIVO

Chasing Trane (John Scheinfeld, 2016)

Con unas metafóricas imágenes estelares creadas por ordenador, la batería de Rashied Ali y un conato de "Mars" (del álbum Interstellar (Impulse!, 1974) comienza una especie de medley, un breve intento de contagiarnos la nostalgia necesaria para ver este documental sobre John Coltrane. La aparición de este documento no es una revelación ni aporta excesivos nuevos datos sobre la música o la vida de este enorme saxofonista, pero nos recuerda que conviene revisitar a ciertos tótems de vez en cuando para no olvidar que el jazz es un camino y Coltrane una señal de tráfico imprescindible. Por si estas razones no fueran suficientes, aficionados y coleccionistas están de enhorabuena porque acaba de anunciarse la publicación de un disco inédito de Coltrane... 50 años después de su muerte.

Siempre he sostenido que la sombra de Trane ha aportado tanto al jazz como le ha perjudicado. Son muchos los saxofonistas (y no saxofonistas) que han malentendido el mensaje teórico de su música, del que sólo se les quedó grabada la extensión de sus improvisaciones, no el argumento que las motivaba. Me he encontrado en conciertos con tantos músicos que pensaban que hacer solos de 20 minutos era emular a Trane cuando, en realidad, improvisaban con una incoherencia que uno podía preguntarse si realmente habían estudiado música... Pero no hay que ser tan negativo porque, pensando en positivo, el jazz que escuchamos hoy día no sería el mismo sin la revolución coltraniana.

El documental, dirigido y escrito por John Scheinfeld, profundiza en esta revolución. Como todo buen documental, lo hace con abundancia de imágenes, entrevistas y opiniones, de familiares y músicos (Jimmy Heath, Benny Golson, Sonny Rollins, Santana, Kamashi Washington...), como es natural, pero también de escritores, críticos y de saxofonistas (sí) como el ex-presidente Bill Clinton. Y también las del propio Coltrane (en la voz de Denzel Washington). 

Comienza por 1957, cuando el quinteto de Miles Davis representaba lo más nuevo, explorando la influencia de Miles en el un joven Trane recién casado con Naima, que ya tenía una hija, un Coltrane que intentaba ser padre en un mundillo, el del jazz, donde se suponía que las drogas eran el camino hacia la perfección. A pesar del alcohol y las drogas inyectadas, siempre fue muy espiritual, desde niño, ya que era nieto de dos pastores. El documental explora también esta faceta, imprescindible para entender sus motivaciones al componer. Como dice Sonny Rollins en el video, "Coltrane era celestial".

Ese era John Coltrane, el hombre que rezaba con el saxo, el músico que escribió esa oración enorme que es A Love Supreme. En este aspecto, recomiendo también (por interesante y por peculiar) el documental titulado Saint John Coltrane, en el que Alan Yentob, tomando como excusa el 40º aniversario de la edición del disco, explora la relación entre música y religión y su impacto en ciertas comunidades americanas, donde se considera a Trane como un santo, aunque como curiosa-curiosa y más enfática, la historia de La iglesia de John Coltrane, disponible en Youtube. Otra de las facetas imprescindibles para entender su música es la coincidencia de su discografía con el momento en que la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos se convierte en algo real.

Parece que Coltrane no fue un niño prodigio. Tardó en encontrar su camino. El documental recorre sus primeras formaciones (acompañó a  todo tipo de grupos, ganándose la vida y aprendiendo). Pero no fue Dizzy, su primer jefe en una formación con intenciones  quien tuvo más influencia en el desarrollo de su estilo personal, sino Miles. Quizás, más importante que un mentor, fue su capacidad de sacrificio, "espartana", según la descripción de Benny Golson... Pero, en mi opinión, el momento en que descubrió su verdadero camino fue cuando comenzó a componer, es decir, en la época de Giant Steps (Atlantic, 1960), estando aún en el quinteto de Miles.

Como muchos de los mejores músicos de jazz, Coltrane murió joven, a los 40, en 1967, lo que podríamos definir como la cima de su carrera si no fuera porque, en nuestro interior, sabemos que, de haber continuado con nosotros, habrían existido muchas más cimas.

Por último, me gustaría reseñar que el juego de palabras que sugiere el título (suena en inglés como "persiguiendo el tren") queda justificado en la última parte del documental, cuando conocemos a un japonés que lleva cuarenta años coleccionando discos y memorabilia de Coltrane. Dice que, cada año, emplea unos meses de su vida recorriendo el mundo, buscando recuerdos y comprándolos, "persiguiendo a Trane". En el fondo, todo aficionado serio (y también todo músico serio) persigue eso, la sombra de un creador infinito que, cosas del destino, muere joven y es, cincuenta años después de su muerte, más popular que nunca. Hay que ver este documental para entender por qué el espíritu de Coltrane sigue (y debe seguir) vivo en estos días de jazz convulso. 

______________

* Sitio oficial: www.coltranefilm.com

* Para los coleccionistas (y para los coleccionistas perezosos) también se ha editado un CD que supone una recopilación de temas claves de Coltrane.

A LOVE SUPREME, The Complete Masters

Coltrane... ¿definitivo?

Aunque soy un poco mitómano y coleccionista, no me vuelven loco las ediciones "completas" ni, mucho menos, las "definitivas". Creo que cualquier edición que incluya más de dos tomas alternativas de un tema exige un esfuerzo extra al escuchante, una tarea de erudición y catalogación que debería estar reservada de manera exclusiva a investigadores y estudiosos. 

La edición que viene al caso es una recopilación de los masters de A Love Supreme, la obra suprema (perdonen la redundancia) de John Coltrane, una vuelta de tuerca a aquella edición Deluxe que se editó hace una década y que incluía un segundo disco con la obra sonando en directo en un concierto en el Festival de Jazz Mondial de Antibes (Francia) el 26 de julio de 1965.

Coltrane durante la grabación de A Love Supreme 
(foto de Chuck Stewart)

En la presente edición, el concierto aparece en el CD #3 mientras que en el #2 encontramos 11 tomas alternativas divididas en dos partes: la sesión en cuarteto del 9 de diciembre de 1964 (la que apareció en la edición original y, sí, definitiva) y la del 10, donde se intentó dar una nueva dimensión a los temas con la inclusión de los músicos Archie Shepp y Art Davis, una sesión que no llegó al vinilo pero que es la más interesante para el que escuche esta recopilación, porque encontrará las 6 tomas (consecutivas, del 1 al 6) de "Part I: Aknowledgement",  que se pueden escuchar en secuencia, como la banda sonora de una película, la de la creación de una obra maestra, con su inspiración in situ, sus cortes, sus diálogos... Al final, Shepp y Davis se quedaron fuera del disco, al igual que las grabaciones de esta sesión, pero quizás sólo por su inclusión valga la pena escuchar el disco.

Partitura manuscrita Coltrane (National Museum of American History)

A estas alturas, no sabemos si será definitivamente la edición definitiva. Debe haber más tomas (a juzgar por la numeración de las incluidas en el disco) pero merece la pena volver la vista atrás a este momento espiritual de Coltrane que dejó dibujadas en el universo del jazz nuevas líneas por las que se moverían los saxofonistas en las siguientes décadas, no siempre con buenos resultados (hay demasiados clones mal armados del saxofonista espiritual y libre que fue Trane), una suite en cuatro partes que respira la paz interior de un músico que sólo grabó 2 álbumes en 1964 (el otro fue Crescent), la calma antes de la tempestad. Fue una especie de testamento precoz con un claro mensaje religioso. En las notas del álbum, Coltrane lo explica así:

En el año 1967, experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduje a una vida más rica, más llena, más productiva. En ese momento, como gratitud, pedí humildemente que se me concedieran los medios y el privilegio de hacer a los demás felices a través de la música. Siento que esto se me ha concedido a través de Su gracia. ALABEMOS A DIOS.

En definitiva, una edición para acaparadores y para nostálgicos del Jazz con mayúsculas.

 

TELMO FERNANDEZ ORGAN TRIO

The Soul Jazz Beat vol. 1

* Telmo Fernández, guitarrista gallego con acento de blues, nos presenta el primer disco de su Organ Trío, en el que comparte groove con Phil Wilkinson (órgano) y José Luis Gómez (batería), un proyecto titulado, The Soul Jazz Beat Vol. 1 (Freecode, 2015) que incluye diez temazos capaces de devolvernos a esa época gloriosa de la explosión del jazz soul (versiones de Horace Silver, Lou Donaldson...) más alguna composición original. Para ponerse a bailar.

¿Le damos al play?

Las comparaciones son odiosas (dicen) pero hay que comentarlo: ante un trío con órgano y guitarra eléctrica uno espera, indefectiblemente, algún tipo de herencia del tándem Jimmy Smith/Wes Montgomery, pero no es el caso. En primer lugar, porque Telmo Fernández (al que conocimos haciendo dúo con Marcos Pin en Take A Second) es un guitarrista más bluesero que Montgomery, con un toque más agresivo, muy dentro de la tradición sureña y en la estética sonora del blues (más visceral), esa de los viejos guitarristas americanos del Delta (y también del rock serio). En segundo lugar, porque el órgano, en las manos del inglés Phil Wilkinson (Will Bernard, Ernesto Aurignac, Larry Correll) es un elemento de soul, muy negro, muy temperamental, absolutamente fuera del tiempo y de las modas por las que pasó Smith. La mezcla es una especie de fiesta negra con músicos blancos.

Decir soul jazz, por poner una etiqueta, es quedarse corto. En los 10 temas del disco hay reminiscencias de rhythm & blues, hardbop, soul, sonido Philadelphia, blues... y de músicos como Georgie Fame, Rhoda Scott, B.B. King e incluso algún recuerdo a aquellas sicodélicas e inspiradas colaboraciones de McLaughlin y Santana a principios de los 70 (cuando hacían "Afro Blue" y "A Love Supreme"). Inspiración, libertad y virtuosismo son las señas de identidad de este Telmo Fernández Organ Trío featuring Phil Wilkinson, un nombre enorme con el que Telmo Fernández rinde con elegancia parte del protagonismo al teclista. Porque otra de las etiquetas del disco es la elegancia. El órgano, por supuesto, es también un elemento del blues, pero su lament, como lo etiquetan los americanos, siempre mantiene un tono educado, un llanto sin estridencia que el vibrato ensalza en toda su belleza.

Entre los temas del álbum hay pocos standards, aunque sí temas de músicos conocidos, como Lou Donaldson ("Snake Bone"), Horace Silver ("Cool Eyes") o Freddie Roach (recordado aquí en su festivo " Brown Sugar"), además de tres temas originales, el funky "Tooty Booty", compuesto por Fernández y Wilkinson, uno del teclista, absolutamente pegadizo y muy en la línea de Donaldson, titulado "Blues for Someone", y un tema original de Telmo Fernández ("Lennis") que habrán escuchado si han pulsado en el reproductor de más arriba. 

Para gozar en toda su plenitud de las improvisaciones y del ambiente del álbum, aquí les dejamos un tema en directo, grabado en Jazz Filloa: "A Smooth One" (compuesto por  Benny Goodman).

Web oficial: www.reverbnation.com/telmofernandez

 

 

¿IMPROVISA DIOS?

ACORDES Y DESACUERDOS (XVII)

Que los intelectuales están obsesionados con la religión es un hecho. Les encanta introducir el tema en cualquier conversación. No hay nada que quede más "intelectual" que negar la fe de los demás. En la película de Steve Taylor Blue Like Jazz (2012) basada en el best-seller de Donald Miller, un estudiante baptista da un giro a su vida al elegir una universidad en Portland. Como dice el refrán, si eres raro para Portland, no encajarás en ninguna parte. Su nueva personalidad, en un intento por integrarse en la sociedad snob y progresista del campus, pasará por negar continuamente su religiosidad para, al final, descubrir que no es el único que esconde su fe para encajar.

Los elementos disparadores de este cambio de personalidad son dos. El primero, referente a su madre, dejaremos que lo descubran al ver el film. El segundo es el padre (a quien llama "el Vagabundo"), una especie de intelectual sociópata y alejado de los cánones que mira la vida a través del jazz. A continuación hemos "recortado" de la película sus mejores frases, contraponiéndolas como siempre con la opinión que el lector del blog pueda tener. Un poco de Coltrane servirá para ambientar el tema. "A Love Supreme" es el leitmotiv de la película:

I.

DON (al escuchar la música que suena en la caravana de su padre): Bebop. 
EL VAGABUNDO: Has aprendido. 
DON: Sí, cuando no tengo ganas de música escucho jazz.

EL VAGABUNDO: La vida es como el jazz: nunca se resuelve.

II.

¿Escuchas? ¿Oyes eso? (Imita el sonido de los charles) Free jazz. Improvisación. Escribe tu propia historia o esa loca de tu madre lo hará por ti.

III.

¿Sabes qué va bien con el amanecer? "A Love Supreme". John Coltrane. Hace salir el sol.

No hay mucho más jazz en la película pero nos gustaron estas apreciaciones y queríamos compartirlas. Sí hay, por supuesto, una sólida manifestación argumental de estas teorías en un caos creciente con un final bastante honesto. Se puede ver online pinchando aquí o si lo prefieren lean el libro de Miller, sus ensayos sobre su propia fe... o quédense a ver con nosotros este documental sobre la influencia de Coltrane (no sólo en los libros).

OBITUARIO: JOHN COLTRANE

SOULTRANE

genius john, 

resuscitator of the sopranos,

he left on this day,

july 17th

one day before

apolo xi had taken off
two blue trains in ascension
did they meet up there?

genius john
bequeathed us impressions
new improvisations
new combinations
complex meditations
that thrilled us all
my favourite things
his music a love supreme
never equaled

In memoriam John Coltrane (1926-1967)

_______

* Aunque hay un álbum de Coltrane titulado Soultrane (Prestige, 1958), no hay ningún tema con este título en el disco, ni siquiera un tema firmado por el saxofonista. El título viene de un tema que aparecía en un disco de Tadd Dameron de 1956 en el que participó Coltrane y que  el pianista compuso para él.

** La foto es de William Claxton.

ENERO DE 1960

Los pasos del gigante Coltrane

Hace 50 años que se publicó Giant steps (Atlantic, 1960), el primer álbum en el que Coltrane era el autor de todos los temas. Fue grabado en mayo de 1959, cuando aún formaba en las filas del quinteto de Miles Davis y, aunque ya había grabado cinco álbumes en Prestige y Blue Note como líder, en este momento su música apuntaba en otras direcciones. Por un lado, había puesto su oído en Ornette Coleman, de quien dijo que “no tocaba clichés” y, por otro, había puesto el empeño en sus solos. Dondequiera que tocaba con Miles, surgía la polémica por los solos de Coltrane, en los que se olvidaba de melodías y de escalas e improvisaba libremente, inventando sobre la marcha. Esto, unido a su potencial físico, agotaba la paciencia de puristas y de críticos, que comenzaron a atacar su innovación. En palabras de Jimmy Cobb: Miles tenía que obligarlo a parar, porque Coltrane tocaba un solo de una hora y se suponía que estaríamos cuarenta minutos o algo así en el escenario [...] Coltrane respondía: “Me meto en esto y no sé cómo parar.”

Con estas bazas y su mente bullendo de creatividad, Trane decidió largarse y continuar en solitario. En mayo de 1959 grabó las primeras sesiones de Giant steps, que no se editarían hasta enero de 1960. Este álbum fue un descubrimiento para críticos y aficionados por la forma de tocar de Coltrane, sus famosas sábanas de sonido, una técnica que nació en su mente mientras tocaba con Monk y que desarrolló en el grupo de Miles, consistente en una progresión de acordes, arpegios y escalas que se superponen en una rápida sucesión. El álbum se grabó el 4 y el 5 de mayo de 1959 con Tommy Flanagan al piano, Paul Chambers al bajo y Art Taylor en la batería. Más tarde, el 2 de diciembre, con Wynton Kelly al piano y Jimmy Cobb a la batería, se grabó el tema Naima, que se convertiría a la postre en un standard, como otros temas del disco: Giant steps, Mr. P.C. (dedicado a Paul Chambers) o Cousin Mary.

urante su última gira juntos, Miles le había regalado a Coltrane un saxo soprano, y esto cambiaría para siempre la historia de este instrumento y su relación con el jazz cuando en 1961 apareció My favourite things, donde el saxo soprano se convirtió en protagonista. Pero ésta es otra historia que merece ser contada con más detalle. A los años de Atlantic seguiría el fructífero periodo de Impulse!, donde grabó “cositas” como A love supreme, auspiciadas por la empatía de su productor Bob Thiele, que supo comprender su potencial creativo hasta el final, cuando compuso y grabó sus obras más apasionantes.

Coltrane fue un hombre inquieto, audaz. Nunca tuvo miedo a saltar al vacío, pero tampoco temió a la humildad de saber que en la música jamás se llega a la cima, que un instrumento como el tenor siempre guarda nuevos secretos y que la labor interminable de encontrarlos le correspondía a él.

Giant steps: John Coltrane, saxo tenor; Tommy Flanagan, piano; Paul Chambers, bajo; Art Taylor, batería. Grabado el 5 de mayo de 1959, editado por Atlantic en enero de 1960 con el número de catálogo 1311.

________________
Foto: John Coltrane (1960) by Jim Marshall

Mo' better blues

Por fin, una película de jazz hecha por negros.

Tengo que admitir que no conocía la existencia de Mo’ better blues. En realidad, no soy un gran seguidor de Spike Lee: no veía nada suyo desde Jungle fever, pero un jugoso artículo encontrado en el blog de Cine con jazz despertó mis instintos buscadores-consumidores a la busca y captura, porque hasta ahora mi dvd sólo me había mostrado visiones “blancas” del jazz negro, almibaradas las más de las veces, pero pocas desde un punto de vista negro. En una escena, el músico protagonista, Bleek, algo bebido, filosofa sobre esta paradoja, quejándose de que todo el público del club es blanco, de que los negros no acuden a los clubs de jazz a escuchar su música...

En principio, Mo’ better blues parece una biografía, no muy extensa, de un trompetista de ficción, metódico hasta el límite, apasionado con su trabajo y muy serio. Lo que hace con su vida privada es otra cosa: mantiene dos relaciones bastante dispares con una maestra y con una aspirante a cantante. Porque en realidad, Mo’ better blues se trata de esto, de una película sobre el amor, con mayúsculas: Amor. No es una película romántica por más que el montaje (excesivo, a veces de videoclip) en alguna de las primeras escenas nos haga pensar lo contrario, baste decir que el título que Spike Lee pensó en primer lugar para su proyecto fue A love supreme, pero la pianista Alice Coltrane, viuda de quien ya sabemos, impidió que se usara este título para que no diera en pensar que se trataba de un biopic de su marido (no es de extrañar esta suspicacia, dado el morbo que hoy reina en los medios), a pesar de que Bleek toca la trompeta y Trane el saxo. A pesar de ello, un póster del disco A love supreme preside la casa de Bleek, y una frase de Coltrane despide la película:

“Sea lo que sea, está con dios. Dios es misericordioso e indulgente. Su camino es a través del amor, en el que estamos todos. Es verdaderamente, un amor supremo”.

Ese amor supremo es el que mueve de verdad al protagonista, Bleek, el amor a la música. Tiene relaciones con dos mujeres, pero parece que son ellas las que mueven los hilos, mientras él se limita a pensar en su verdadera pasión, su amor supremo, el jazz, nacido del adoctrinamiento musical al que lo somete de pequeño su madre (en este sentido, el final de la película demuestra la estructura cíclica de los errores humanos). He de suponer que Spike, hijo del bajista Wild Lee, aporta tintes autobiográficos a esta escena clave en la que Bleek, de niño, no puede jugar con sus amigos porque está obligado a practicar con la trompeta, deber que de mayor se convertirá en obsesión.

El resultado estético de esta obsesión son dos escenas, una, soberbia, de las pocas en que el director de fotografía se gana la paga (la película no ha soportado bien el paso del tiempo: la fotografía se ve muy de los 90 y no soporta muchos visionados) en la que la cámara gira alrededor del trompetista mientras practica en su casa, y otra en la que compone sentado al piano mientras una de sus novias le recrimina. En ambas, parece que el mundo exterior gira en torno a él sin afectarle, ajeno a todo salvo a la música que pasa por su cabeza.

En cuanto a lo fundamental, a la música, sólo puedo decir que Brandford Marsalis no es mi preferido de la familia y que, si bien Terence Blanchard (que interpreta la trompeta que “hace sonar” el protagonista) está genial, la banda sonora muestra algunas influencias pop de finales de los 80 que no llevan bien el paso del tiempo. Para muestra un botón: el rap titulado Lista de éxitos de la música negra urbana contemporánea comercial para follar, que “canta” Denzel Washington. Pero bueno, si pasamos por alto este tema, la peli se convierte en un muy fiable retrato del jazz afroamericano: clubs, empresarios ambiciosos (muy bueno Turturro), combos que tocan para ganarse el pan, peleas dentro del grupo por el liderazgo, ambición, lealtad, reglas...

Hay otros aspectos fundamentales en la trama y en la textura de la película que merecen la pena: la amistad, personificada en Gigante, que interpreta Spike Lee, un personaje de perdedor clásico que hemos visto en mil películas; la familia, las relaciones con las mujeres, la interesada pasión por el jazz de los empresarios, todos ellos distintos aspectos del amor que se sostienen unos sobre otros con la fragilidad de la vida misma, como descubre el propio Bleek cuando todo su mundo se desmorona.

Es una pena que el título original no se haya podido utilizar (¡suena tan mal en castellano: “El blues del más mejor”!).

El quinteto real:
Terence Blanchard, trompeta
Branford Marsalis, saxo
Kenny Kirkland, piano
Robert Hurst, bajo
Jeff "Tain" Watts, batería