UN SENTIMIENTO MANOUCHE

DAVID REGUEIRO TRÍO, Areal (2020)

En su ya abundante discografía, el guitarrista gallego David Regueiro ha dejado patente su amor por el jazz manouche. Su nuevo disco, Areal, continúa esa senda gypsy pero ahonda en aspectos inéditos de Regueiro como compositor; en particular, en su faceta más introspectiva, con unos temas donde sus punteos se desaceleran para mostrar un lirismo emocionante, un intimismo patente a pesar de que todo el grupo es, en esencia, sección rítmica.

El tema que abre el álbum ("Samoreau Jam") es un recordatorio de quién es David Regueiro, uno de los más interesantes exponentes del swing manouche en la Península, como hemos escuchado en sus discos anteriores, pero también es un homenaje a Samoreau, el lugar donde se celebra un festival de jazz en el que gentes de todo el mundo se reúnen en un camping (¿dónde si no?) para homenajear a Django Reinhardt.


Ese espíritu de Django está presente en Areal en todos los tiempos posibles, medios, altos y lentos, en un gran despliegue de imaginación (dicho sea para los que piensan que el jazz manouche es siempre lo mismo) gracias a la solvencia del trío de cuerdas: Iago Reigosa en la guitarra acústica y el versátil Juyma Estévez al contrabajo. El clarinetista lituano afincado en Vigo Sarunas Pupelis se une al trío en dos temas ("Iago's Cat" y "Shiny Strings") aportando esa fluidez que hace tan seductor este estilo. Otra colaboración notable es la del violinista Ismael Cabaleiro en el tema que cierra el disco ("Laberinto"), una composición de tono melancólico y aires étnicos que resulta casi cinematográfica (Regueiro también ha compuesto alguna banda sonora). 


Pero donde más patente queda ese lirismo del que hablamos es en composiciones como "Areal", donde Regueiro arranca de las cuerdas melodías etéreas y nostálgicas con aires de blues y americana, y una intención narrativa evidente y subyugante, o en el tema "Bolero desesperado", donde el trío aborda este estilo tan peculiar con una delicadeza inusual y la capacidad para derivarlo sutilmente hacia el estilo gypsy sin que deje de ser un bolero.

Un disco espléndido en su crisol de influencias que aporta nuevas miradas al jazz manouche, un disco que resulta espléndido en su sencillez, fascinante en su brevedad, apenas 36 minutos de álbum en 9 composiciones, y que resulta muy, muy recomendable.


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* Web oficial: davidregueiro.com

1000 TEMAS DE JAZZ VOCAL

EL PODCAST DE LUIS ESCALANTE

Nuestro colaborador Luis Escalante es un gran divulgador del jazz. Creador del longevo programa de radio La odisea de la música afroamericana, es autor también de dos libros de investigación sobre los orígenes y el desarrollo del jazz, así como de las músicas que le dieron origen y las que nacieron a partir de él.

Durante 100 podcasts, nos ha deleitado con temas de jazz vocal de muy distinto carácter, desplegando todo el posible abanico de esta vertiente del jazz con cantantes muy diferentes, con canciones de todas las épocas y, lo que es más importante, con una locución enciclopédica que hacer muy interesante cada escucha, incluso para los aficionados más entendidos.

Damas, damitas y algún vagabundo (porque sí, los cantantes masculinos en el jazz son menos) hemos podido escuchar 1.000 canciones, a razón de diez cada programa más un tema instrumental de cierre. Cree (creemos) que así el mundo del jazz vocal queda reflejado y explicado de una manera amplia y concisa a la vez.

El último episodio está dedicado íntegramente al jazz vocal hecho en España. Los episodios anteriores se pueden escuchar en este enlace. Ahí están los 1.000 para escucharlos una y otra vez con los comentarios de Luis. Pero ahora disfruten del programa número 100.

En este episodio:
01 - Love for sale - Elia Fleta & Tete Montoliú Trío
02 - Rosa Morena - Carme Canela
03 - Georgia on my mind - Pablo Sarasate Big Band con Amaya Arboniés
04 - He's funny that way - Andrea Motis
05 - Que reste-t-il de nos amours - Paloma Berganza
06 - The Lady is a trump - Gran Canaria Big Band con Laura Simó
07 - All the things you are - Ainara Ortega
08 - I'm old fashioned - Ester Andujar
09 - Laura - Celia Mur
10 - Quisiera ser - El Dúo Dinámico
11 - Speak low - Tete Montoliú

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BIG BANDS & CLUBS

ENRIC PEIDRO SWINGTET, Live at Jazzazza 
(Snibor Records, 2019)

Si hay un jazz que se escuchaba hace 90 años y se sigue escuchando ahora es el swing, con sus riffs pegadizos, sus vientos poderosos o blandos pero siempre fluidos, sus solos bien engranados en el conjunto... Y si hay alguien que sigue abanderando el swing en el territorio nacional (y exportándolo cada vez que hay ocasión) ese es Enric Peidro. En su grabación más reciente (Live at Jazzazza) nos regala un puñado de temas deliciosos, brillantes, complacientes, amparado en esa mini big band (es un octeto) de la que ya hemos hablado en otras ocasiones y que él llama con justicia Swingtet

De alguna manera, este álbum es la prueba de fuego del Swingtet, un disco en directo después de tres álbumes en estudio, una demostración grabada en vivo, a sangre y sin segundas tomas, en la que mostrar todo su potencial. El desafío no es poco: un repertorio de grandes bandas como las de Duke Ellington, Don Byas, Lester Young, Benny Carter, Count Basie, Fats Waller... tocadas con alma y sinceridad por unos músicos sin complejos de modernidad que son capaces de dotar de alma este jazz atemporal, el jazz del que se ha alimentado el jazz (directa o indirectamente) en las décadas posteriores.


En cuanto a los músicos, como no podía ser de otra forma, actúan con solos bien colocados para que brillen y hagan brillar el poderío de la orquesta completa. Un ejemplo perfecto de cómo se hace un tema de swing podría ser el acelerado "The King" (Count Basie, con arreglos de Peidro), en el que la sección rítmica marca un tempo alto y donde se suceden estos solos, comenzando por el tenor, que marca la pauta para después dejar espacio para la trompeta (Paul Evans). El guitarrista Glenn Crytzer aquí tiene una buena ocasión de hacer un solo frenético, un ejercicio de digitación y velocidad que continúa (como si de una carrera de relevos se tratara) con el solo de saxo alto (Simon Taylor) y el del trombón (Pedro Ortuño). El piano (Richard Busiakiewicz) pone el punto culminante de la serie con un solo muy sincopado, lleno de energía, que rompe con el diálogo final: un juego de llamada y respuesta entre la batería (Simone Zaniol) y la banda, con una fugaz y efectiva intervención del contrabajo (Andrés Lizón). Un gran tema que justifica la filosofía del disco.

Live at Jazzazza es también un homenaje a unos emprendedores que fundaron un club de jazz en Murcia y que, después de 15 años, han consolidado un proyecto de local con música en vivo que es de los más activos de España (si exceptuamos, claro, Madrid y Barcelona). En Jazzazza Jazz Club han tocado músicos de la talla de Mark Turner, Jason Palmer, Greg Osby, Jorge Pardo, Perico Sambeat, Scott Hamilton... No es poco para una ciudad tan pequeña como Algezares, en Murcia, que es tierra de artistas. No hay duda de que detrás de esta intensa programación hay un enorme trabajo de gestión y una buena dosis de amor por el jazz.  De alguna manera, Live at Jazzazza consolida esta labor con su nombre en la portada, siguiendo la tradición de los grandes clubs americanos.

Les dejo al Enric Peidro Swingtet versionando a la Don Byas Orchestra, con un tema que titulado "You Can't Make Up My Mind (1944 Stomp)", compuesto por Byas y aquí con arreglos de Diego Barberá.




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* Enric Peidro: www.enricpeidro.com

* Jazzazza Jazz Club: www.jazzazza.com

ARTE ROBADO

JASON PALMER, The Concert: 12 Musings for Isabella 
(Giant Step Arts, 2020)

Según cuenta el trompetista Jason Palmer en el libreto de su último álbum, durante su estancia en el Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston, asistió a un concierto del Thelonious Monk Institute en el museo Isabella Stewart Gardner. De aquel concierto han pasado 20 años y guarda un recuerdo muy particular: una serie de cuadros de los que el museo solo mostraba sus marcos vacíos. Detrás de esto había una historia, la de un robo que era, además, un atentado contra el arte. Dos ladrones habían entrado en 1990 en el museo disfrazados de policías y habían sustraído 13 obras de arte de Degas, Vermeer, Rembrandt... Cuando surgió la oportunidad de grabar este disco, Palmer puso sobre el atril doce composiciones, doce reflexiones (como reza el título) inspiradas en esas obras, su belleza, sus historias... Así, Palmer "devuelve" las obras robadas al lugar donde deben estar, en la mente del espectador, donde sus melodías y sus armonías crean imágenes concretas y perdurables.

Jason Palmer sigue avanzando de una manera prolífica por la senda innovadora y personal que abrió en 2008 con Songbook, publicado por la española Ayva Music. De su penúltimo trabajo (Rhyme and Reason) hablamos aquí hace unos meses y aún seguimos escuchándolo. En este nuevo episodio de su discografía, nos presenta un concierto en doble CD con doce temas que ahondan en su propio estilo. Su bop del siglo XXI se sostiene en esta ocasión con sus composiciones y con un equipo impecable: Mart Turner (saxofón tenor), Joel Ross (vibráfono), Edward Perez (bajo) y Kendrick Scott (batería), un quinteto típico de hardbop, con trompeta y saxo, y con vibráfono en lugar de piano, un instrumento que aporta una base rítmica o melódica (según el momento) movediza, aportando un punto salvaje a esa manera de Palmer de reinterpretar el hardbop.

Foto: Jimmy Katz
The Concert: 12 Musings for Isabella se grabó en vivo, en el Hotel InterContinental Barclay de Nueva York en dos sesiones en mayo de 2019 y sale a la venta este 18 de marzo. Como en su disco anterior, los temas tienen una extensión considerable, entre 8 y 15 minutos cada uno, sobrepasando los 10 minutos 8 de ellos, temas enormes donde los solos fluyen sin prisas. Esta laxitud aparentemente anticomercial deja mucho, mucho espacio a los músicos para sus improvisaciones y añade un extra de libertad a su jazz.

En su blog, el mismo Palmer nos explica cómo traslada esa inspiración a la partitura. Nos explica, por ejemplo, como una de las obras robadas (un gu chino con forma de campana o trompeta) le llevó a crear una melodía que buscaba lo folklórico, lo rancio, en la escala pentatónica de la trompeta para darle un aire melódico chino. O como quiso plasmar el río en la pintura Paisaje con obelisco de Flinck con una introducción fluida y una coda con rubato. La simetría en el rostro de Rembrandt en uno de sus autorretratos, llevó a Palmer a "Miyako", un tema de Wayne Shorter simétricamente armónico, en el que se inspiró para escribir un contrafacto ("Self Portrait (Rembrandt)"). Tres jinetes de Degas le dio la idea para un ritmo de 6/4 con una melodía dividida en frases de 3 compases (uno por cada jinete). O como la pintura de Rembrandt Una mujer y un hombre de negro le sugirió una melodía solo con las notas de la teclas negras del piano. Curiosidades de la inspiración. Interesante lo escuchen como lo escuchen.

No es una banda sonora, no es música descriptiva, pero la desbordante imaginación de Jason Palmer como compositor y de todo el equipo a la hora de improvisar, ofrecen motivos musicales suficientemente elocuentes para entender (o imaginar) la historia detrás de cada pintura. Lo recomendable, por supuesto, es escuchar la música al tiempo que contemplan las otras obras de arte, las robadas.


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* Jason Palmer: www.jasonpalmermusic.com

* Más sobre las obras robadas aquí:
   https://www.wbur.org/lastseen/2018/09/15/program-for-an-artistic-soiree

* Giant Steps Arts: www.giantsteparts.org     
[Giant Steps Arts es una fundación creada por el fotógrafo Jimmy Katz y su mujer Dena, una organización sin ánimo de lucro destinada a promover el nuevo jazz. No venden discos, afirman al explicar su filosofía, sino que ofrecen a los músicos facilidades para grabar sin limitaciones ni de espacio ni de creatividad (los discos que hemos escuchado eran todos dobles) y facilitan al músico una buena cantidad de CD's para su promoción.]

MINAR LAS ESTRUCTURAS MUSICALES

DR. BOBÔ, Dr. Bobô (Karonte, 2019)

Dr. Bobô es un proyecto del flautista Juan Saiz, un proyecto inconformista que escapa a todas las etiquetas posibles y que muestra, como explica Antonio Casares en las notas del álbum, "una voluntad inalienable, casi mística, de minar -y airear con la frescura de su propuesta- las anquilosadas estructuras musicales que nos fosilizan espiritualmente". Con 8 temas originales (todos de Saiz excepto uno de Terán), han plasmado estas ideas con contundencia, desde una estética rock abierta a la improvisación.

Tras dos discos como líder (Pindio en cuarteto y The Sound of Caves en solitario), el cántabro Juan Saiz (habitual de Iva Bittovà, Baldo Martínez, David Mengual, Marco Mezquida...) reúne esta formación a trío con Pedro Terán (Tu Es Petrus) en las percusiones y el brasileño Antony da Cruz al bajo eléctrico. La suma de estos tres músicos genera una potente fusión, mucha energía improvisando y ambientes inesperados.

Quizás el enfoque rítmico sea el más rompedor, el aspecto más inconformista del álbum (pero no el único), con un gran derroche de energía creativa capaz de pasar de la potencia a la sutileza de manera lógica, mientras que, en el papel solista, Saiz muestra en la flauta una capacidad inagotable para sorprender, con fraseos elocuentes, improvisaciones cambiantes y recursos arriesgados. Como uno de los instrumentos más antiguos que se conocen, de la flauta emergen sonoridades de pasados árabes ("Bebé"), flamencos, balcánicos... que rompen con cualquier expectativa de jazz o fusión, pero que enlazan con tantas influencias que resultan familiares (escuchen ese otro proyecto que es Nu2 con Baldo Martínez).

Foto: Bernardo Mato
Ajenos a las ataduras de las etiquetas, como decía más arriba, fluyen a través de estos sonidos con la libertad de unir música académica, improvisación, jazz o sonidos étnicos con solvencia. Incluso hay un momento free: el tema "No me dejéis solo", donde ruido, improvisación libre y atonalidad son los protagonistas, un falso experimento que nos acerca al Juan Saiz de o Arctor, el álbum de improvisación libre que Saiz grabó con el percusionista Samuel Hall para el sello de free jazz Alina Records.

Un disco de esos donde los músicos lo dan todo, cuya abundancia de referencias y recursos puede apabullar al oyente en una primera escucha, pero que apetece poner una y otra vez (quizás por su corta duración, apenas 34 minutos) y donde siempre se puede descubrir algo nuevo en cada nueva escucha. ¿No es esto lo que más nos asombra del jazz?


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* Web: www.drbobo.es

UN BRINDIS POR LOS MAESTROS DEL TENOR

THE RAY GELATO-ENRIC PEIDRO QUINTET, 
With All Due Respect (Snibor Records, 2019)


Siempre que hablamos de Enric Peidro hablamos de ese jazz honesto, lleno de swing, de inspiración clásica y de fraseos perfectos, ese jazz que nos hace sonreír y nos provoca la felicidad que solo la música puede provocar. En su nuevo trabajo With All Due Respect (subitulado A Toast to the Tenor Masters) hace un brindis por los colosos del saxofón tenor (Ben Webster, Coleman Hawkins, Don Byas...) y lo hace acompañado de otro grande de nuestra época, el británico Ray Gelato.

Jazz con fundamento. Así se podría definir este álbum protagonizado por Gelato y Peidro, dos maestros del tenor que rinden homenaje a los mejores momentos de la Historia del Jazz con un gozoso repertorio de diez temas tocados con un espíritu reaccionario: la modernidad está aquí en la perfección, en desarrollar un sonido brillante, con arreglos fluidos y espectaculares, con estribillos al unísono... Es divertido y suena muy cool. Don Byas (presente aquí en su composición "Slammin' Around") se pasó del saxo alto al tenor cuando se trasladó a la Costa Oeste, y es cierto que la excitante languidez del West Coast Jazz y del Cool suena más adecuada en registros bajos como el tenor o el barítono (el mejor ejemplo, Mulligan).



La sección rítmica, encabezada por Richard Busiakiewicz al piano, es el interlocutor perfecto para los dos tenores. Andrés Lizón en el contrabajo y Simone Zaniol en la batería completan el quinteto.

Del repertorio habría mucho que decir, pero señalaremos que esos grandes del tenor están representados aquí en buen número. Hay temas de Illinois Jacquet, Charlie VenturaEddie 'Lockjaw' Davis... El disco comienza con "Walter Jug", un tema resultado de la colaboración entre Frank Wess y Gene Ammons, lo que muestra que no es nuevo este tipo de discos con dos tenores.  Wess y Coleman Hawkins también grabaron juntos, si mal no recuerdo, así como King Curtis y Sam Taylor en It's Party Time With King Curtis (Tru-Sound, 1962), Ben Webster y Coleman Hawkins en Encounters (Verve, 1959), y también juntos Sonny Rollins y Coltrane en el inigualable Tenor Madness (Prestige, 1956). Qué gran época para los tenores ¡y para el jazz! Es de agradecer que Gelato y Peidro sigan manteniendo esta tradición de tocar a dúo y de hacer buen jazz.

With All Due Respect (A Toast to The Tenor Masters) es eso, un brindis, un gran brindis por el jazz que no debe morir, un brindis que hay que hacer, como Gelato y Peidro en las fotos del álbum, con copa y puro.


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* Ray Gelato: www.raygelato.com

* Enric Peidro: www.enricpeidro.com

SLOW JAM

LUIS CASADO TRÍO, Tiempo Presente (Blue Asteroid, 2019)

En su disco de debut como líder, el guitarrista Luis Casado presenta una colección de temas propios con un estilo moderno, donde muestra sus influencias (soul jazz, rock, funk...) desde una perspectiva intimista. El contrabajista Joan Masana y el baterista Manu Pinzón se suman para construir con Casado un trío que suena orgánico, sincero, ya que los arreglos están firmados por los tres músicos, algo tan natural como el jazz mismo.

Grabado en enero del año pasado en los estudios Mikima Records de Sevilla, el álbum contiene ocho temas donde predominan los tiempos lentos y donde las improvisaciones (especialmente las de Casado) son, por lo general tranquilas y complacientes, con un resultado casi poético, rítmicamente líricas. Escuchándolas me vino a la mente el término quiet storm, acuñado en las radios de Estados Unidos en los 70, en programas nocturnos en los que artistas de soul, R&B y jazz organizaban tranquilas jam sessions que llegaban a durar hasta cuatro horas.


Formado en la guitarra clásica en su Córdoba natal, Casado entró en el jazz en Sevilla, a través de la música de los grandes (Miles, Rollins, Benson...) y bajo la influencia de su profesor Fran Mazuelos. Después de años de experimentaciones y escenarios con formaciones como Luis Casado Quartet, su dúo dedicado a los boleros con el cantante y saxofonista Guillermo Fernández o su dúo guitarra/guitarra con Miguelo Delgado, se mete en el estudio en enero de 2019 para grabar a trío en este Tiempo Presente, donde, con influencias de Wes Montgomery, George Benson y guitarras más contemporáneas como Pat Metheny, podemos conocer el lenguaje propio de Luis Casado como compositor y como guitarrista.

Luis Casado ofrece todo el tiempo un aire de sobrio improvisador, tanto en las baladas ("Solitude Under No Moon", "Volver") como en los temas más rítmicos ("En el Sótano") y su fraseo es calmado y elegante incluso con aires de funk o blues ("Historia"). Sin entrar a analizar tema por tema, Tiempo Presente es uno de esos discos que recomendarías a quienes quieran escuchar guitarra de jazz con ideas y sin estridencias. Y deja ganas de más.





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* Web oficial: es.luiscasadomusic.com

HOT JAZZ CALLEJERO

BARBA DIXIE BAND, Original Jazz (2016)

Seguimos persiguiendo y constatando la delicia de encontrar jazz por las calles de Madrid. ¿Han quedado atrás aquellas prohibiciones y aquellas restricciones impuestas por anteriores ayuntamientos? No. Pero lo cierto es que no hay mañana que pasee por el rastro y no tenga que dejarme arrastrar por la dirección que marcan unos compases de hot jazz. Hace unos domingos me encontré con la Barba Dixie Band, tocando bajo el gélido sol de enero en la calle Embajadores.

A los que no somos músicos nos cuesta entender que los instrumentos (especialmente los de madera y metal) no suenan siempre igual. Las condiciones de frío o calor influyen en el timbre por una simple cuestión de física: la expansión o contracción debido a la temperatura. Por eso, se agradece encontrarlos haciendo el esfuerzo en medio de la calle, alegrando a los transeúntes y vendiendo sus CD's, especialmente cuando se les puede ver también en clubs como Clamores, con más comodidad.


Me hice con su disco (soy un fetichista de lo tangible... Lo digital se me escapa de las manos aún) para poder revivir en la soledad de mi estudio lo que en la calle helada sonaba tan hot. El sonido del álbum, un disco con 8 standards, suena tan cálido y tan vital como el directo. Sí, pensarán, el disco debe estar grabado en directo, como se deben grabar los discos de jazz en estudio, pero el sonido es tan "auténtico" que conmueve. 

Con temas clásicos como "New Orleans" o "Charleston" y el melancólico final de "Do You Know What It Means to Miss New Orleans", el álbum fue grabado en La Casa Naranja en noviembre de 2016 y es una estupenda carta de presentación para un combo como éste. En el disco aparecen Mario Siles (banjo y voz), Anxo Martínez (corneta), Yazu (trombón), Stefano Giordani (contrabajo, sustituido aquel domingo de rastro por la tuba de Víctor Correa, de quien hablamos hace unas semanas a propósito de In Lak ' Ech, Hala Ken), y Andres Freites (tabla de lavar).

Es un combo que funciona con la complicidad de una fiesta entre amigos, sonidos clásicos hasta la raíz que flotan con la vitalidad de lo nuevo y la calidez de la música sin complejos, música con intención lúdica pero con una base seria y bien construida. La tuba ofrece, quizás, una sensación rítmica más tradicional que el bajo, pero la diferencia no es discutible; la washboard nos lleva a otros tiempos donde lo sencillo sonaba grande; y la corneta, bueno, la corneta es Nueva Orleáns...

De propina, este "Corrine, Corrina" que no está en el disco.

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* Info: http://www.producciones1920.com/?fw-portfolio=barba-dixie

NICK FINZER Y SU VIAJE DEL HÉROE

NICK FINZER, Cast of Characters (Outside in Music, 2020)

No puedo evitar deshacerme en elogios cada vez que me llega un disco del neoyorquino Nick Finzer, trombonista, compositor y educador que posee un don único para manejar melodía y armonía hacia un jazz narrativo y elocuente. Su nuevo disco Cast of Characters es un álbum conceptual en el que explora etapas vitales a través de los personajes que marcan el crecimiento personal, algo así como El Viaje del Héroe en versión jazz.

Basándose en los estudios del filósofo Joseph Campbell en los años 40 sobre el monomito, el guionista y asesor  de Hollywood Christopher Vogler plasmó en un libro de culto la estructura del Viaje del Héroe, según la cual toda historia (real o ficticia) se estructura en una serie de etapas y personajes que hay que recorrer o conocer. Siguiendo esta teoría, el disco de Nick Finzer está compartimentado en 14 temas repartidos en pequeñas "suites" inspiradas libremente por el concepto de que nosotros (y la vida) somos más que la suma de las influencias de los personajes que nos vamos encontrando: "A Sorcerer (Is A Mith)", "Brutus", etc. 

Así, cada parte del álbum refiere a uno de esos personajes que nos han influido en la vida (positivamente o no pero influido) y lo hace a través de una experiencia sonora original y viva, donde el jazz adquiere carácter de banda sonora, narrando de alguna manera este tipo de influencias. A menudo, cada tema lleva una intro que aporta un punto de partida "cinematográfico" a la exposición del tema principal, que normalmente corresponde a un personaje ("The Guru", "A Duke", "Venus", "The Weatherman"...) mientras que el viaje en sí está contado a través de temas secundarios y con títulos más explícitos ("Patience, Patience", "Evolution of the Perspective"...). 


Con un sentido ellingtoniano de la composición, Finzer escribe con un objetivo pero dejando espacio a los solistas, algo que se nota y se agradece. Su swing con el trombón de varas es limpio y elocuente, unísonos como los de "A Duke" nos recuerdan a la época dorada del bebop sin buscar el estruendo ni los fuegos artificiales; las intrigantes intros nos llevan a temas rítmicos y energéticos que suenan a hardbop ("Evolution of Perspective") o a baladas con un trasfondo neoclásico y elegante ("You'll Never Know The Alternative"). Y jugando con la atonalidad, el acercamiento a las fórmulas de la música incidental y ese toque de cine del que hablaba, nos invita a caminar a través de su "autobiografía" con un jazz que, especulativo unas veces y narrativo otras, no deja nunca de ser bop.

Y eso es precisamente lo que nos gusta de Nick Finzer: haga lo que haga, suena a bop. El equipo del que se ha rodeado contribuye también a esto. Además de Finzer al trombón, están Lucas Pino en el saxo tenor y el clarinete bajo, Alex Wintz a la guitarra, Glenn Zaleski al piano, Dave Baron en el contrabajo y Jimmy McBride en la batería. 

Un disco para escuchar despacio y disfrutar a fondo. Más que recomendarlo, recomiendo seguir la carrera de este joven trombonista y su viaje. Vale la pena.


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* Web oficial: www.nickfinzermusic.com

BLUES, POR FAVOR

BLUET, Look At Me (2019)

No solo de jazz vive el hombre, y a veces apetece un poco de blues, esa esencia amarga de la que se alimenta el jazz desde su raíz. No soy de aplicar etiquetas y el blues es un estilo (o sentimiento) que ha evolucionado durante el siglo XX como el mercado, en muchas direcciones. La música que nos ofrece el dúo Bluet es una fusión honesta entre el blues, el rock y el soul en el sentido más asequible de estos términos, blues para todos los públicos y con un sonido limpio y elegante.

Bluet (juego de palabras entre blues duet) es una formación de Castellón compuesta por Nuria Pallarés (voz) y Joaquín Pinilla (guitarra). Fogueados en los escenarios y en las versiones de jazz y blues en formato de dúo puro y duro, se percibe la esencia que estos sonidos negros han dejado en la voz de Nuria (que puede sonar muy sureña en "Niña  brava" y con toques de rock suave en "The Way", por poner ejemplos alejados entre sí) y en la guitarra de Joaquín (en cuyos dedos el blues gana más cuanto más lento es el tempo). Ambos, en conjunto, aportan una elegancia sobria y equilibrada al sonido de los standards que aparecen en el álbum. 

Pero aquí aparecen acompañados por una banda, buena elección porque en un disco es más difícil transmitir la energía del directo y el oyente en casa suele exigir otro tipo de sonido. Por eso, algunos temas han sido grabados en sesiones en directo en el estudio con la complicidad de una buena cantidad de músicos en distintas formaciones: Vicent Colonques en el Rhodes y el Hammond, José Galindo a la armónica, Simon Taylor al saxo, Héctor Tirado en guitarra eléctrica y acústica, José Luis Bertomeu 'Bertus' al contrabajo y bajo eléctrico, Diego Barberá al contrabajo (solo misterioso y breve en "Tell Me Why") y bajo eléctrico, Jesús Gimeno y Tico Porcar en la batería, y los coros de Bárbara Breva, Helena Pallarés, Laura Redon y Carlos Vidal. Con todo este potencial, el dúo consigue convertirse en una banda potente de rhythm & blues con momentos de soul contenido y rock urbano.

Foto: Paula Salas (Facebook)
Mención especial merece el tema que cierra (formalmente) el disco, una versión desgarrada de "Ain't No Sunshine (When She's Gone)" de Bill Whiters cuya energía hace honor a la letra, un tema que crece a partir del solo de Joaquín Pinilla y que alcanza (casi) las cuotas eléctricas de una Janis Joplin contenida (si fuera posible una Joplin en los tiempos que corren).  

Y he dicho que cierra formalmente el disco porque hay un tema extra oculto al final que es una versión del "Don't Cry Baby" que cantaba Bessie Smith y que aquí, con el acompañamiento de la guitarra, suena más en el estilo de Madeleine Peyroux pasado por la voz personal de Nuria Pallarés. Después de oír la banda al completo, es un buen final, respetando al final el formato original de dúo, es decir, recuperando de algún modo lo que es la esencia de Bluet.

Les dejo con una versión muy bluesy de "I Put A Spell On You" (Jay Hawkins).


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* En Facebook: https://www.facebook.com/bluetband/