SOBRE SEAN LEVITT Y EL BEBOP ESPIRITUAL

Sean Levitt: Retrato de una memoria (Israel Pérez 2017)

El guitarrista norteamericano Sean Levitt pasó la última etapa de su vida; en Barcelona, para ser más concretos, y se podría decir que sin él no se entendería la escena jazzística barcelonesa de los 90. Para algunos, seguirá siendo un desconocido y por ello el cineasta Israel Pérez ha realizado un documental que analiza de manera breve pero muy interesante su figura. Yo descubrí a Levitt en un programa de Jazz entre amigos y luego escuché hablar de él en una charla con el guitarrista Antonio Esperón, que tuvo la oportunidad de tocar con Levitt en Barcelona. Hoy, su escasa discografía es muy difícil de encontrar. El documental, por suerte, recupera pequeños fragmentos en vídeo en los que podemos ver y escuchar su maestría.

Sean Levitt era bebop, uno de esos guitarristas cuyo cerebro contiene toda la Historia del Jazz y, al mismo tiempo, son improvisadores natos. Los que le escucharon en directo afirman que era un Coltrane de la guitarra: se encerraba en sí mismo en el centro del escenario y tocaba solos interminables donde nunca se repetía...

Como buen documental, contiene testimonios de músicos y otras gentes del jazz que le conocieron. Especialmente interesante es el del guitarrista Joan Sanmartí, que describe aspectos del Levitt músico. Levitt estuvo también relacionado con el Taller de Musics, donde dio clases, pero no de una manera programada sino aleatoria, como funcionan las mentes de los genios. Este espíritu caótico enlaza también con su manera de ser, con esa manera de ser que, en tantas ocasiones, liga el talento con la autodestrucción.

El documental se puede ver completo (no es muy largo) en Youtube, y lo he insertado aquí por si les apetece disfrutarlo y conocer a Sean Levitt.


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* Más info del proyecto en Facebook: www.facebook.com/Sean-Levitt-Documentary-Project-140802249408376/

* Sean Levitt en Spotify: https://open.spotify.com/artist/576K9inlfHwST57kkgEMfn?si=DfzGFublSTq-ZEd-Ka9VXg

* Este es el programa de Jazz entre amigos en el que apareció: http://cifujazz.org/horace-parlan-sean-levitt-en-jazz-entre-amigos-nuevo-programa/

TRADICIÓN E INVENCIÓN

LAFAYETTE GILCHRIST, Dark Matter 
(Lafayette Gilchrist Music, 2019)

Los discos de piano solo ofrecen, al mismo tiempo, un desafío para el músico y una oportunidad para el oyente de escuchar hasta dónde es capaz de llegar el pianista. Escuchando el nuevo trabajo de Lafayette Gilchrist titulado Dark Matter, comprobamos no solo las habilidades físicas e intelectuales del músico (velocidad, versatilidad, fuerza) sino que se nos muestra como un libro abierto: toda su experiencia en proyectos anteriores (The New Volcanoes, Inside Out o David Murray), toda su personalidad y toda su erudición están ahí. Podríamos incluso decir que resume de una manera eficaz (en un viaje que dura 11 temas) no solo las diferentes estéticas de la Historia del Jazz sino de todas las músicas negras. Y, sin embargo, su manos parecen improvisar, moviéndose como olas de un compás al siguiente, de una manera fresca y viva. Una delicia.

Lafayette Gilchrist
Hay músicos (y pianistas en particular) capaces de mostrar un gran virtuosismo a una gran velocidad. Gilchrist tiene, además, una capacidad expresiva que llena los temas. Y no sólo en las blue notes. Sus progresiones de acordes son una maravilla para estudiarse a fondo... junto con su capacidad para improvisar. Su tradicionalismo, por llamar de algún modo a su erudición, no es sumisa sino que usa la tradición a favor de una inventiva fluida y vívida, ese estilo por el que es conocido. Su sonido, vale la pena decirlo, ilustra escenas de series de David Simon como The Wire Tremé. En 2018 ganó el prestigioso Baker Artist Award.

El primer tema ("For The Go-Go") está inspirado en ese estilo musical llamado Go Go que nació en los años 60 y se desarrolló solo hasta finales de los 70 en la zona de Washington D.C., por lo que se considera un estilo local, una rama del funk que se mueve en una curiosa mezcla de rhythm and blues y hip hop de la vieja escuela, una fórmula perfecta para improvisar, que es lo que hace Gilchrist en este tema de presentación con una elocuencia y una expresividad fantásticas, convirtiendo estos 6 minutos en todo un viaje estilístico.



Este es el segundo álbum a piano solo de Gilchrist, tras The View from Here (2014). La inspiración del álbum, que da título al disco, es la materia oscura vista como un elemento físico que une las distintas partes del Universo. Con este peregrino planteamiento, el pianista realiza once ejecuciones que resultan adictivas y únicas, más cuando leemos en la nota de prensa que el disco fue grabado en vivo el 18 de septiembre de 2016 en el teatro Wright de la Universidad de Baltimore para una pequeña y afortunada concurrencia.

Su forma de tocar se mueve en ideas, desde pensamientos íntimos ("Child's Play") hasta gritos de protesta (siempre sin estridencias, como "Spontaneous Combustion" o "Blues for Our Marches to End"), desarrollándose en movimientos circulares que van y vienen con fluidez, expresándose a dos manos con elocuencia, algo que hemos escuchado a pocos pianistas actuales en este estilo (Lluís Coloma podría entrar dentro de este rango) y que nos trae a la mente recuerdos del inimitable Professor Longhair.

Y, al final, uno siente que ha escuchado tanta erudición que es como si hubiera hecho un repaso a la Historia del Jazz y, sin embargo, Gilchrist sigue admitiendo que él viene de la cultura del hip-hop... Lo cierto es que Lafayette Gilchrist tiene una voz propia y única en el jazz, una voz que merece la pena ser escuchada.


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* Web oficial: www.lafayettegilchristmusic.com

* Las fotografías son de la página web de Lafayette Gilchrist.

RIESGO

XOSE MIGUÉLEZ, Ontology (Origin, 2019)

Riesgo es el título del capítulo que la serie Jazz de Ken Burns dedica al bebop y, aunque el bebop ha dejado de ser una novedad, el jazz sigue avanzando y siguen apareciendo buenos músicos capaces de arriesgar, de darlo todo por encontrar ese (eterno) nuevo camino que es la arriesgada esencia del jazz. En el disco del saxofonista Xose Miguélez sólo hay un tema que se podría clasificar como bebop, pero se aprecia su gusto por el riesgo en la manera en que busca la atonalidad y la manera de romper las normas, una estética tan difusa como la portada del álbum pero que ofrece buenos resultados a la escucha. El álbum se titula Ontology.

Comencemos diciendo que el disco ha sido publicado en Estados Unidos por Origin Records, y que fue premiado en mayo en los Premios Martín Códax en la categoría de Jazz y Músicas Improvisadas. Pero, para escuchar este disco, hay que empezar por el final: el último corte del disco, una balada gallega interpretada por la tía-abuela de Miguélez y recogida por la etno-musicóloga suiza Dorothé Schubart hace 40 años. Un juego de 4 notas de esta balada, por increíble que parezca, es la melodía en la que se basan los otros nueve temas del disco. Curiosamente, la idea no surgió de Miguélez sino de otro de los músicos del disco, el también tenor Matt Otto. El título del álbum, Ontology, está en relación con esa búsqueda metafísica de las relaciones entre el ser y el mundo y, por supuesto, con su pasado, búsqueda que tiene su continuación en el segundo tema, de título elocuente ("Chasing Myself")...

De este modo, la melodía tradicional heredada por Xose Miguélez, se convierte en un jazz moderno y vanguardista, de raíz clásica pero buscando lo nuevo, lo personal, el riesgo en la atonalidad y el inconformismo, esa continua lucha del jazz contra las normas. La antigua balada gallega suena a una mezcla de Dexter Gordon y los nuevos estilos de Nueva York ("Sweet Delia"), a bebop ("Missed Call"), a avant-garde que se transmuta en jazz fusión con el solo de guitarra de Storm Nilson ("Under The Big Tree") o, como en el caso de "Chasing Myself", a mainstream distorsionado, con ese contraste entre el toque clásico del vibráfono y el sonido electrónico del EWI, un diálogo que rompe contra un solo de saxo clásico y potente en el que se impone la personalidad de Miguélez.

En resumen, estéticas bien diferentes que sirven para apreciar la capacidad de Xose Miguélez para expresarse dentro del jazz con muchas voces y una sola personalidad. Como compositor, se nota que quiere expresar todas y cada una de sus inquietudes como músico y, como músico, se percibe una experiencia profunda y con capacidad para ir siempre más allá. 

Les dejo con el vídeo de "Sweet Delia", una balada clásica que, en los arreglos, arriesga buscando un sonido no tan limpio, no tan clásico. Noten que el estéreo de la grabación coloca a Miguélez y a su invitado, el tenor Matt Otto, separados, uno en cada canal del estéreo (o en cada auricular, si lo prefieren), pasándose la melodía con una delicadeza difícil de lograr en el tenor y jugando a contestarse aquí y allá; y noten también que la estética de las imágenes es muy noir (a pesar de ser en color), con esa melancolía de la música que arrastra un lejano sentimiento de blues y que es tan inherente a la noche. 


El álbum fue grabado en los estudios Roof Top Media de Kansas City, MO, entre los días 11 y 13 de agosto de 2018. Los músicos del disco son: Xose Miguélez (saxo tenor), Storm Nilson (guitarra), Ben Leifer (contrabajo y bajo eléctrico), John Kizilarmut (batería y, sorprendentemente, también cajón flamenco), Peter Schlamb (vibráfono) y Matt Otto (saxo tenor, EWI y productor). 

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* Web oficial: www.xosemiguelez.com

UN GRAN DÍA EN MADRID

...y una gran fotografía para la Historia

Recordando la mítica fotografía de Art Kane titulada A Great Day In Harlem, de la que hablamos en una ocasión a propósito de su documental, la revista La noche en vivo, referente para quienes quieran oír música como se debe oír (en vivo) reunió, con la colaboración de las salas de jazz de Madrid, a 160 artistas de los que dan vida a los escenarios de la capital para una fotografía que era ya histórica antes de que se abriera el obturador.  

El encargado de inmortalizar el momento fue Juanlu Vela, noctámbulo cazador de imágenes que ha capturado lo mejor y más extenso del sonido de la noche madrileña con sus fotografías, un ojo que sabe captar esa esencia del momento, esa esencia que da valor al directo y a las sensaciones, los sentimientos, la música. En este caso, jazz y, con la filosofía de documentar el presente del jazz en Madrid, La noche en vivo reunió a 160 músicos que, si bien no son todos los que deberían, sí son todos los que están, muchos de ellos llegados de provincias o del extranjero, que han encontrado la inspiración para hacer jazz en Madrid. La fotografía, en todo caso, es no sólo histórica sino enciclopédica. 

Y, como en la fotografía de Kane, se eligieron unas escaleras, las del patio de Centro Conde Duque, y una fecha, el 25 de abril de 2019. En el centro, como no podía ser de otra forma, el gran Pedro Iturralde, precursor no sólo del jazz flamenco sino de tantos aspectos que podríamos decir que el jazz en España no sería el mismo sin él. No quiero destacar a nadie más porque todos son imprescindibles en la escena madrileña. Y si no me creen, vayan a escuchar música una noche al Bogui o a la Sala Barco o a Clamores, al Galileo Galilei, al Café Berlín, al Despertar, El Intruso, El Junco, Marula, el Moe... y disfruten de lo diverso y cosmopolita de los escenarios de jazz madrileños.

A la fotografía sólo le falta una cosa: la presencia del inolvidable trompetista Jerry González.


Para mayor detalle, usen los enlaces que hay más abajo. Estos son los nombres: 

Nirankar Khalsa - Irene Albar -José Manuel Torrego -Susana Ruiz - Fernando Sangüesa -María Dávila - Bobby Martinez -Josemi Garzón - Jorge Moreno - Natalia Dicenta - Celia Vergara - Alex Otheguy - Jayme Marques - Pablo Gutierrez Calvo - Leandro Cersosimo - Pedro Iturralde - María Toro - John O'Brien - Bob Sands - Natalia Alaminos - Roberto Rey - Pedro Ruy-Blas - Roberto Bazán - Andrés Almada “PATO"- Pedro Ojesto - Jorge Pardo - Josemi Carmona - Arturo Lledó - Marcos Collado - Rachel Malka - Arturo Ballesteros - Belén Gómez - Santi Vallejo - Pilar Gual - Idoris Duarte - Nantha Kumar - Almudena Heredero - Aurora Arteaga - Rubén López - Concha Hernández - Marina Ferrer - Thomas Schindowski - Javier Olmedo - Sergio Cabanillas - Christian González Arrieta - Ángel Viejo - Luis Martín - Carlos González "Sir Charles" - Germán Pérez - Montse Merino - Iván Sangüesa - Dick Angstadt - Víctor Merlo - Diego Gutiérrez - Juan Ruiz Cuevas - Juan Robles de la Puente - Javier Estrella - Juanma Cantos - Guillermo Bazzola - Natalia Calderón - Marga Torres - José Manuel Gómez "Gufi" - José Manuel Ruiz “Bandolero" - Blanca Bordas y Boceta - Pablo Sanz - Gabriel Peso - Curro Castillo - Gonzalo Peñalosa - Carlos Ibáñez - Jorge Grimaldos - Jacobo Rivero - Carlos Murillo - MiguelAngel Chastang - Domingo J. Sánchez ­- José Vera - Iñaki Arakistain - SacriDelfino - Mónica Benito - Omar Acosta - Javier Elorrieta - César Merino - Adrián Carrio - Jean-Philippe Guy - Nacho Fernández de Frutos - Luis Hernández - Patricia Villacañas - Desirée Durán - Jorge Cariglino - Jorge Reyes - Dani Niño - Fernando Berruezo - Ramón Gonzalez "El León” - Joaquín Chacón - Paco Rivas - Dani Domínguez - Yuvisney Aguilar - Jorge Fontecha - Lorenzo Azcona - Daniel Juárez - Babel Ruiz - Neil Clarke - Arnaldo Lescay - Ariel Bringuez - José Aguilar - Joserra Zamora - Ángela Cervantes - Yevhen Riechkalov - Lázaro Armenteros - Javier Moreno - Pedro Pablo Rodriguez - Jorge Castañeda - Giancarlo Spirito - Jose Manuel Villacañas - Miguel Ángel López Blázquez - Marie Martin - Sean Clapis - Chris Kase - Sibyl Gonzalez - Roberto Nieva - Luismi Baladrón - Celia Mayo ­- Melisa Fernández - Miguel Castro - Richard Krull - Luis Verde - Paul Stocker - Richie Ferrer - Lucía Rey - José San Martín - Juan Moreno - Alexis Andral - Herminio Marrero - Andrea Zapata Girau - Trinidad Jiménez -Baldo Martínez - Dany Noel - José Miguel López - Hector Oliviera - Georvis Pico - Ernesto Cortijo Ballesteros - Ere Serrano - NormanHogue - Javier Sánchez - Rafa Serrano - Sebastián Chames -  Jim Kashishian - Francisco López “Loque" - Roberto Pacheco - Antonio Domínguez - Mayka Edjole - Walter Geromet - Fernando Sobrino - Ale Fergar - Santi Cañada - Hernán Hock – Llum Ahimsa Brínguez - Juanma Barroso -Ander García - Alejandro Escalera - Dan Rochlis 

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* Mucha más información en lanocheenvivoesjazz.lanocheenvivo.com

* Web de Juanlu Vela: www.juanluvela.com

     
   

EXPLORANDO ATMÓSFERAS (MUSICALES)

PEP MULA QUINTETO, Mula II (Underpool, 2019)

Cuatro años después de su primer disco, el baterista barcelonés Pep Mula regresa con el mismo proyecto, un quinteto heterogéneo y ocho composiciones originales con las que construye pieza a pieza un jazz que acaricia el oído del oyente y parece detenerse en su mente creando imágenes sugestivas que dejan de ser abstractas por ese efecto secundario del arte que hace que la música sea también narrativa.


El quinteto es el mismo que en su primer trabajo y está formado por músicos emergentes y consolidados de la escena barcelonesa: Txema Riera al piano, Jordi Matas a la guitarra, Miguel "Pintxo" Villar al saxo tenor y Marc Cuevas al bajo. Viejos jóvenes conocidos, algunos de ellos con discos grabados a sus nombres.

Explorando el disco nos encontramos con temas muy distintos y que merece la pena escuchar con detenimiento. Paradójicamente, para ser el disco de un percusionista, muchos de los tiempos son lentos. Esto no quiere decir que Mula no nos muestre el abanico de sus posibilidades, como compositor y como baterista, sino que lo hace sin competiciones de velocidad ni de ruido. El resultado es, desde la primera escucha, una propuesta interesante y personal que pide más escuchas. Últimamente (y no tan últimamente) esto suele ser habitual entre los bateristas (escuchen los últimos discos de Carlos López o Xavi Reija sin ir más lejos) y, cuando se trata de jazz contemporáneo, nos gusta.

Villar, Mula,
Matas, Riera y Cuevas
La creación de ambientes sonoros que permitan a los otros músicos explayarse en su virtuosismo o encontrar nuevos caminos parece ser la clave. Escuchamos también temas muy rítmicos pero siempre con el objetivo de la sorpresa y la exploración ("Chop Suey"), donde, en contraste con el ritmo obsesivo de los charles, está permitida la atonalidad y el uso del ruido y los efectos para crear el ambiente deseado. Otros temas (hablamos de "Cardona 47") juegan con ritmos desestructurados, por ejemplo en el fraseo del piano, que mantiene un atípico diálogo con el bajo (con la batería de fondo) y luego con el saxo, una atmósfera oscura y extraña que da paso, a partir de otro diálogo (esta vez entre saxo y guitarra), a un final (casi) festivo. 

Jugando con el ritmo, casi siempre a medio gas, contenido como las emociones, Mula va mostrando en el disco temas y momentos apasionados ("Antàrtida"), intensos como himnos ("Terenci") o felices como "Lodz", donde el ritmo constante, en un obstinato del piano y con el ritmo casi pop de la batería, encuentran el contrapunto en el bajo, mientras que el saxo busca en las notas altas una historia que casi se puede escuchar... Merece la pena mencionar el solo de Jordi Matas, inspirado, buscando complicidad con el ritmo en algunos momentos. 

Resumiendo, un disco inclasificable, fácil de escuchar a pesar de su originalidad, y donde re-descubrimos a un compositor creador atmósferas que se pueden sentir y de mundos que se pueden escuchar.


PURO RITMO

JUYMA ESTÉVEZ TRÍO, Viento del Norte (Freecode, 2018)

Alejado del tono lírico y especulativo de su anterior álbum, el contra-bajista Juyma Estévez presenta en su segundo álbum como líder 9 temas diseñados desde el ritmo, donde el contrabajo lleva no sólo el protagonismo sino también muchas líneas melódicas, saltando las barreras impuestas a un instrumento utilizado tradicionalmente sólo como acompañante. Ya no es el contrabajo sereno de Océanos de porcelana pero sigue siendo un gran creador de ambientes, un líder, puro ritmo.

Juyma Estévez nació en Galicia, en Bueu. Estudió en el Conservatorio Profesional de Pontevedra y en el Seminario Permanente de Jazz de la misma ciudad, donde recibe clases de Paco Charlín y Abe Rábade, dos pilares fundamentales del jazz ibérico que han surgido también de Galicia, de donde nunca dejan de llegarnos noticias de jazz. Después de recibir clases magistrales de, entre otros, Miguel Zenón y Brandford Marsalis, termina sus estudios en Musikene (con profesores como Gonzalo Tejada, Joaquín Chacón, Bob Sands, Chris Kase, Perico Sambeat, Frances Capella, Miguel Blanco, Andrej Olejnizack o Javier Juanco, entre otros. Como sidemen lo hemos escuchado en el trío de Valentín Caamaño y en el Swingtet de David Regueiro, que lo acompaña en este nuevo trabajo. 



Desde la potencia y un concepto muy básico del inicio ("O baile dos vampiros") y la fusión de "Chamada o combate" notamos una energía estudiada, dirigida. El brutal "Entre tahúres" es un ejercicio casi gimnástico de ritmo y compenetración, con un contrabajo protagonista en cada compás, dialogando con la batería (Noli Torres) pero siempre mandando, puro swing que se suaviza con el solo de David Regueiro, pero un swing que no cae en el camino ya escrito sino que busca una vuelta de tuerca a las posibilidades del trío de guitarra apoyándose sobremanera en el contrabajo. "Blues for Brown" es otro tipo de vuelta de tuerca: un homenaje a la manera de swginguear de Ray Brown con una composición original de Juyma Estévez, que tiene un solo atemporal. Si, como decíamos, en Océanos de porcelanael mar inspiraba a Estévez un disco lírico y casi contemplativo, aquí el viento lo lleva por caminos ondulantes y elevados, llenos de ritmo cambiante pero siempre seductor, pero es en el tema que da título al disco ("Viento del Norte") donde el trío vuelve al tempo lento con un tema donde, paradójicamente, la voz de la guitarra y el impresionante trabajo de la percusión adquieren mayor protagonismo para crear una ensoñación inolvidable. 


La segunda parte del disco sigue la misma tónica, con temas fabulosamente rítmicos, pegadizos ("Faino ti!") y una versión (la única versión del disco) del "Like My Booga?" compuesto por Regueiro que aparecía en aquel álbum lleno de fusiones que se llamó Roots. Aquí es un tema muy potente con un gran trabajo rítmico y donde Regueiro saca tantas voces de su guitarra que resulta adictivo. El final del álbum es otro tema lento ("Nostalgia") donde se exploran otros campos sonoros más sosegados, en los que tanto la guitarra como el contrabajo (en su faceta más cantabile) buscan una calma bella y poética, casi lírica, con sonidos que van de la balada al rock progresivo con improvisaciones de gran fuerza.

En resumen, un disco recomendable, especialmente para quienes, como yo, disfrutan con el sonido crudo del contrabajo. Si les quedan ganas de más, en la web de Juyma Estévez hay vídeos y se pueden escuchar (y ver) sus otros proyectos y en Bandcamp escuchar jam sessions con otros músicos de la escena gallega.

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* Web oficial: juymaestevez.wixsite.com/bass

UNA VUELTA DE TUERCA

YOKO MIWA, Keep Talking (Ocean Blue Tear Music, 2019)

El nuevo álbum de la pianista japonesa radicada en Boston Yoko Miwa da muestra de su constante evolución como compositora y como pianista. Sus nuevas composiciones, su excitante reescritura de standards y su búsqueda de nuevos desafíos versionando temas pop, convierten este disco en un catálogo que describe su personalidad y también su poderosa versatilidad.


Acompañada, como en su disco anterior Pathways de 2107, por el contrabajista Will Slater y por su marido, el baterista Scott Goulding, y con la participación puntual de otro contrabajista (otra vez Brad Barrett), esta profesora de Berklee crece con cada disco y en éste, especialmente, da una vuelta de tuerca a más de un tema clásico y a más de una teoría. Vamos a escuchar todos los temas como merece un buen disco de jazz.

El álbum comienza con un tema original titulado "Keep Talkin'" que nos arrastra con un groove contagioso que suena a boogaloo y cuyos destellos funk son realmente divertidos. Un comienzo inesperado donde ya el trío derrocha compenetración en los cambios de ritmo y donde, como siempre, se percibe el poderoso swing de Miwa. 


El segundo tema es el clásico de Monk "In Walked Bud", que comienza con una presentación muy original: con el contrabajo tomando el protagonismo en el reconocible riff monkiano y llevando el peso del tema, con una batería que suena cruda, hot, y ese brillante y sincopado estilo de Miwa por encima, un swing que se convierte en delicadeza en "Secret Rendezvous". Sigue "Sunset Lane", escrito por la pianista y con fuertes influencias de Bill Evans, a quien intenta ser homenaje con un estilo muy lírico, sublimando la melodía hasta lo cerebral sin perder la poesía. A este momento de profunda belleza sigue el tema de Mingus "Boogie Stop Shuffle", donde la pianista realiza una fantástica reinterpretación a las teclas de lo que Mingus escribió para los metales.

En la mitad del álbum escuchamos quizás el experimento más arriesgado. Yoko Miwa versiona dos temas de Lennon & McCartney, "Golden Slumbers" y "You Never Give Me Your Money", ambos fusionados en un solo corte donde el disco parece decaer hasta que llega al solo y reaparece la pianista versátil y ágil, con unos cambios de ritmo de esos que nos gustan a los que nos gusta el jazz. Tras el principio, aparentemente pop (pero con una coloratura muy jazzística) y el solo, el tema deriva en un final con mucho blues, muy intenso. Vale la pena escucharlo.


"Tone Portrait" funciona a tiempo medio, especulativo, muy expresivo en las teclas más bajas. "Casa Pre-fabricada" es un tema que la pianista escuchó en la voz de Maria Rita (hija de Elis Regina, a quien Miwa admira) y del que se enamoró por la belleza de sus líneas caprichosas. Un toque brasileño que aporta, una vez más, datos fiables sobre su versatilidad. En "Conversation" encontramos una nueva versión jazzística de Joni Mitchell, una cantante cada vez más homenajeada por los músicos de jazz. Hay una cierta estética rock adaptada al lenguaje armónico e improvisador del jazz en la grabación, fuerza de gospel y una lírica que proviene del original, fuerzas que se adormecen en el lenguaje sincopado del trío de piano. 

El álbum termina con dos composiciones nuevas. "If You're Blue" suena monkiana desde el primer compás. Además, hay cambios de ritmo cogidos directamente del "Puttin' On The Ritz" de Irving Berlin. Una delicia que confirma, además, lo que siempre afirmamos: que el trío de jazz es la formación perfecta. "Sunshine Follows The Rain" es una balada demasiado lenta para encajar en el disco pero la explicación es que fue grabada durante las sesiones de Pathways en 2017 para una banda sonora. Íntima y conmovedora, el uso de las escobillas por parte de Goulding y del arco en el contrabajo por parte de Brad Barrett consiguen elevar la delicada melodía del piano a un punto que nos deja con ganas de más. 

Un disco muy recomendable, tanto si conocen a Yoko Miwa como si quieren descubrirla y disfrutarla al máximo nivel.

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* Web oficial: www.yokomiwa.com