El contrabajista Baldo Martínez, único entre los únicos de este país, continúa la senda que él mismo creó antes incluso de llegar a Projecto Miño o Folkore Imaginario (con Carlos Actis) para fusionar el sentir melódico del folk con la libertad sin límites del jazz contemporáneo. No habíamos escuchado nada más concluyente en este terreno hasta que apareció Baldo. Y esta Música imaginaria es la continuación lógica y sublime de este camino, un disco que se presentó el pasado 5 de julio en el Festival de Jazz de Vitoria con Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Juan Saiz (flauta, saxo tenor y soprano), Joao Barradas (acordeón), Andrés Coll (vibráfono y marimba) y Lucía Martínez (batería, objetos sonoros y voz).
A lo largo del repertorio de Música imaginaria asoman sonidos de Galicia como un leitmotiv juguetón que aparece y desaparece mientras el sexteto despliega ante nuestros oídos diferentes estéticas sin abandonar la vanguardia, un camino que encuentra por momentos la Gran Belleza en esos sonidos y estructuras libres, y para el oyente atento, esta Música imaginaria contiene momentos de una inspiración sublime. Baste poner, por ejemplo, "A través del muro", con ese groove del contrabajo llevando el tema mientras Saiz al tenor y Sánchez a la trompeta juegan al unísono como si fueran un grupo de hardbop (lo sugiere la estructura del tema también) pero destilando exquisiteces en la atonalidad. El solo de Saiz es brutal y justifica por sí solo su presencia (aunque es un habitual cuando Baldo toca a trío). Julián Sánchez no se queda atrás. No todo es especulación. El disco está lleno de puro espectáculo (jazzístico).
Foto: Elvira Megías
De todos los momentos de este repertorio imaginario, me quedaría con el solo de Baldo en "Gaia", lírico y casi cantable, evocador, tocado con esa sutileza en los dedos tan difícil en un instrumento como este. El tema también tiene un gran trabajo de Lucía Martínez (como en todo el álbum) buscando sonoridades cambiantes en la percusión (no hablamos exclusivamente de su solo). Es una delicia escucharla en cualquier entorno que la escuches. Juan Saiz, por su parte, tiene un solo en la flauta tremendo, intenso, veloz, virtuoso. Momentos así, de puro ritmo y ruido ("Todos fuera"), donde cada músico lleva al límite la tímbrica de su instrumento; momentos dulces y oníricos con las mazas de Andrés Coll y el acordeón de Joao Barradas; momentos líricos de Baldo con el arco en la mano... convierten este disco tan contemporáneo y rompedor en algo conmovedor.
La sensación final de la escucha del disco es la de que el ferrolano Baldo Martínez ha vuelto a conquistar con éxito terrenos inexplorados. El disco en su conjunto es un brainstorming brutal para cualquier aficionado al jazz, pero confiamos en cruzarnos con Baldo y sus músicos en algún festival para poder catar todo esto en directo.
ALBERTO VILAS, Once cancións e unha danza (AMG, 2023)
Cada nuevo disco del pianista Alberto Vilases un regalo para los oídos más exigentes. En este nuevo proyecto, titulado Once cancións e unha danza, busca en la tradición de su tierra, Galicia, para sublimar recuerdos y raíces en una serie de melodías de una belleza enorme, temas donde se funden folkore y jazz con una naturalidad abrumadora. Vilas es gallego y es jazzista, y ambas facetas conviven con una elegancia suprema. Como dice en la nota de prensa, parte de canciones que ya existen para buscar una nueva forma de creación.
Nos cuenta Alberto Vilas: "No es una obra de recopilación de música popular, como había hecho Bartók y otros en su momento, sino un trabajo de buscar dentro de mí. [...] Llevo muchos años escuchándolas y cantándolas. Lo que hice ahora fue soltarlas, pero salieron mezcladas con todas mis experiencias e influencias acumuladas a lo largo de mi vida, con nuevas formas y nuevos colores."
Alberto Vilas es un hombre de jazz, por lo que elementos de la gramática del jazz salen a la superficie aquí y allá aportando esa novedad que convierte a estas composiciones basadas en viejas (y bellamente nostálgicas) melodías en algo nuevo e inspirador, tanto que a veces es difícil descifrar la canción de la que partió...
Destacaría el precioso final de "Catro vellos mariñeiros"; la sensibilidad con que interpreta "La Portela", con sus cambios de ritmo; la "Danza das espadas" con sus notas altas y ese delicioso contraste de la mano izquierda; la delicadeza de ese tempo lento en "Ven bailar Carmiña" o la forma en que el piano canta en "Collín toxos e flores"... porque, en el fondo, todas son canciones (y una danza).
La naturalidad con que suenan los temas es soberbia. Se percibe que Vilas siente los temas. Los desarrolla con una belleza fresca, como recién salida de la inspiración, lo cual no es sino trabajo de compositor: se inspira en temas populares pero no los versiona sino que los recrea de una manera sofisticada y imaginativa. Y ahí se nota la pericia del compositor e improvisador que demostró Vilas en sus anteriores discos.
No es jazz pero hay jazz en Once cancións e unha danza. No es un disco de jazz pero es un disco de Alberto Vilas, y eso es mucho. Si pensábamos que no podía superar su premiado Naialma, aquí está la constatación de que ha podido. Quizás este sea su álbum más personal.
El disco anterior del saxofonista Xose Miguélez apuntaba hacia un bebop moderno donde aún existía el riesgo, con melodías donde huía de la autocomplacencia y buscaba siempre sonidos que rompieran con un posible estado de confort. En Contradictio, el proyecto sigue siendo el mismo, con nuevos sonidos, alguna vuelta de tuerca y un nuevo cuarteto (esta vez sin guitarrista) donde destaca el pianista Jean-Michel Pilc, a quien habíamos escuchado integrado en el jazz hispano enel disco de María Toro. El francés, nacionalizado americano, es un contrapunto perfecto a los fraseos y las líneas melódicas del tenor gallego y, junto con la sección rítmica formada por Carlos Barretto al contrabajo y Marcos Cavaleiro a la batería, contribuye a que este disco suene de una manera redonda, llena de groove y, por momentos, sorprendente, lleno de contradicciones que, escritas e interpretadas como están, suenan tan lógicas como lo que esperamos del jazz. lo conocido y la sorpresa.
Publicado por el sello americano Origin, Contradictio podría pasar por un disco de jazz contemporáneo de algún músico neoyorquino. La voz de Xose Miguélez tiene esa cualidad de los fraseos clásicos, que suenan limpios y elocuentes sin buscar la perfección, la estética por la estética. Formado en ESMAE (Oporto) y con un máster en jazz en la Guildhall School of Music (Londres), Miguélez mira al jazz con una perspectiva donde no hay fronteras ni modas, buscando una voz personal que ya comienza a ser reconocible y que afianza en su segundo disco. No hablamos solo de los standards, por supuesto, que hay varios en el disco. Su forma de componer y arreglar es la misma, a caballo entre tradición y ruptura. Y, como ejemplo más rompedor, el álbum incluye dos versiones nuevas de "Ontology", el tema que daba título y abría su primer álbum. Aquí, sin guitarrista, suena más depurada, más intensa en su quietud. Además, el álbum termina con una versión a dúo del mismo tema, donde busca la esencia más íntima de la composición original y donde el diálogo entre saxo y piano es realmente poético.
Este mismo código es utiliza también en "Someday My Monk Will Come", otro dúo pero con un espíritu muy diferente, donde el swing fluye entre el saxo y las teclas en un continuo contrapunto, frases que se enredan con frases, en un toma y daca continuo, complejo y bello a la vez. Lo más fascinante de un disco que, sin embargo, apasiona como cuarteto. Muy recomendable.
Hoy escuchamos dos discos con raíces, el EP Selegna de la cantante gallega Angeles Dorrio y el primer álbum de la formación vasca Gaur. En ambos se mezcla de manera sutil el jazz con raíces folk y la tradición local con otras influencias de música negra, ritmos sincopados y otras globalizaciones.
ANGELES DORRIO, Selegna (2021)
Con rabia rockera y arreglos jazzísticos, la vocalista gallega Ángeles Dorrio ataca "Terra de Muller", un tema reivindicativo y potente que abre Selegna, un EP de cuatro canciones que acaba de publicar. Habitual de los escenarios gallegos, no se ha prodigado mucho en grabaciones: su primer disco es de 2013 (Ten Soul) pero en este mini álbum sigue demostrando que Galicia es tierra de mujeres (mención especial a Carmen Rey, a quien aquí escuchamos en los teclados) y también es una tierra donde el jazz sigue creciendo imparable en los últimos tiempos.
Además de ese "Terra de Muller", donde destaca Pablo Añón en vibrantes solos de flauta, Angeles derrocha recursos en un breve pero heterogéneo repertorio que incluye un tema dedicado a Rosa Parks ("Parks"), que es una balada de complejas armonias vocales. Más soul y más interesante vocalmente, si cabe, es "Don't Need", que juega con los cambios de ritmos y los coros de una manera muy estimulante.
El EP incluye dos temas en gallego, uno en inglés y otro en castellano, "La Perla", canción que ha sido bolero, habanera y cuya letra, de origen controvertido, es una joya. Aunque breve, sirve para devolvernos la voz de Angeles Dorrio (ojalá LP pronto) y recordarnos que Galicia es tierra de mujeres, no solo de amables bruixas y malvadas meigas, como se cree.
NOA LUR, ANDER GARCÍA, DAVID SANCHO, DAVID FERNÁNDEZ, Gaur (Errabal Jazz, 2021)
El sello Errabal Jazz sigue lanzando títulos que enlazan la tradición vasca con el jazz. Si hace unos meses hablábamos de folklore vasco a ritmo de latin jazz escuchando el disco Iri Barrenetik del grupo Aldapeko Basque Latin Jazz, hoy nos centramos en Gaur, un cuarteto de jazz vocal formado por la cantante y compositora Noa Lur, a la que seguimos hace tiempo por su gran capacidad para explorar nuevos caminos y nuevos públicos (como el infantil);el también bilbaíno Ander García(Luis Verde, Hernán Hock, Sebastián Chames), que es contrabajista, arreglista y director musical del proyecto; el pianista madrileño David Sancho (al que hemos escuchado junto a Antonio Lizana) y el baterista aragonés David Fernández (Bob Sands Big Band, Bobby Martínez Latin Band).
Gaur (en vascuence "hoy") suena a juego de palabras (prueben con García y Lur) y resulta un más que interesante juego de mestizaje. Sin caer en la tentación de pasar estos temas (algunos populares, otros de nueva composición y algunas versiones) por los ritmos conocidos o cualquiera de las estéticas del jazz, nos encontramos a cuatro músicos con la maestría necesaria para reinstrumentar lo escuchado y darle un valor añadido, no únicamente en los solos sino en la dificultad de aportarle una nueva dimensión sin desvirtuar su esencia.
Quizás donde más se perciba el origen jazzístico de los músicos es en los solos, y me gustaría destacar esta parte porque merecen la pena ser escuchados. David Sancho tiene momentos gloriosos en el piano. María Toro, que aparece como invitada en "Aitite ta Amama" tiene una confrontación brutal con el piano. También el violín de Maureen Choi en "Badakit", un tema que aparecía en el álbum de Noa Lur de 2013.
Mezcla de folk, pop, jazz increíble y pasión, Gaur es sin duda un proyecto único, aunque quizás a los que no conocemos la tradición vasca se nos escapen muchos detalles. En todo caso, escucharlo sin conocimiento aporta también la emoción de la música hecha con el alma.
21 años y 7 discos avalan la carrera de Sumrrá. Ahora, tras su inspirador 6mulleres (Clermont Music, 2018), Manuel Gutiérrez, Xacobe Martinez Antelo y L.A.R. Legido nos traen una colección de temas de inspiración existencialista, cuyos motivos musicales especulan acerca del sentido de la vida. Siete visiones, como dice el título, que sirven de pretexto para profundizar en su búsqueda continua de nuevas rítmicas y armonías.
Con ese sonido que los americanos llaman power trio, complejo y fresco al mismo tiempo, podemos escuchar en 7 visiòns temas con la fuerza de "Ra", abriendo el álbum, más expresivos pero igualmente intensos como "Periferia universal", meditativos como "O espazo interior" o "As forzas gravitatorias", dando siempre un poco más de lo que esperamos en unos músicos como Sumrrá.
Mi prefrido, un tema que expresa a la perfección la modernidad dentro del jazz, "Asuán Alexandría 7 graos". Un ritmo clásico (el walking bass arrollador de Martínez Antelo, el ritmo sincopado de la batería y el piano acompañando) sirve para que Gutiérrez deconstruya en el piano la melodía, sublimándola a un estado gaseoso donde escuchamos las notas justas, ni más ni menos, como hacía Bird con el saxo alto, para conseguir así una tensión que hace crecer el tema de una manera impresionante.
La elección por parte de Legido de objetos en la percusión convierte el ruido en parte de la musica. Algunos de estos elementos son tan singulares como cadenas y juguetes de cuerda. Esta alienación de la música en sí entronca con el mensaje de confusión social de la que "hablan" sus visións.
Les dejo con este vídeo de "Sapiens Sapiens" donde un cuarto miembro inesperado marca el ritmo del tema, con un desarrollo vertiginoso donde destaca el obstinato de Gutiérrez con la mano izquierda, que aporta una tensión casi dramática al tema y que resuelve con solos consecutivos y brillantes.
Poner a este disco la etiqueta de free jazz es quedarse corto. La Orquestra Galega de Liberación es un combo de gran formato creado por el siempre inquieto Xacobe Martínez Antelo no sabemos si para este concierto grabado en Santiago de Compostela o con algún afán de continuidad. Lo que sí es cierto es que la grabación es irrepetible, 10 temazos grabados en directo, basados en la improvisación y, como dice la contraportada del disco, compuesto a tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigidas, asegurando que no había nada pactado de antemano ni aprendido ni compuesto; en resumen, la esencia de la improvisación en el jazz, con músicos que solo cuentan con su inventiva, su experiencia y sus oídos para conectar con el resto.
Frente a un disco así, uno se pregunta: ¿Queda espacio para las vanguardias en el panorama actual? ¿Qué vanguardias caben tras las vanguardias? Lo cierto es que el concepto de rupturismo estético necesita un statu quo que romper. En otras artes como la pintura o la escultura prácticamente se ha roto con todo pero en el jazz, la revolución constante es la base fundamental que lo mantiene vivo. En este sentido, basta comenzar a escuchar conciertos/discos como éste para percibir por qué el jazz es excitante.
Dentro de todo este esquema de no-temas, el disco contiene 10 cortes llenos de momentos. Paisajes sonoros inusitados, inquietantes, excitantes, desconcertantes, todo un despligue de recursos que van de lo atonal a lo simplemente rítmico, que exploran las tímbricas de una orquesta tan dispar, con combo de jazz más cuerda más voces... Un desafío que pone de manifiesto la conexión entre los distintos artistas. Nada de lo que hayan escuchado antes se parece a esto y, sin embargo, tiene una conexión latente con mucho del jazz que se ha hecho en los últimos 50 años, de los setenta para acá. Con ese mismo espíritu, Xacobe Martínez Antelo ha bautizado el ensemble como Orquestra Galega de Liberación, inspirándose quizás en otro bajista (Charlie Haden) que debutó como líder con su Liberation Music Orchestra en 1969 (publicado por Impulse! en 1970).
Grabado el 12 de septiembre de 2020 en el Teatro Principal de Santiago de Compostela, dentro del Festival Plataforma, el ensemble incluye 16 músicos que vienen campos tan distintos como la música clásica, el jazz, la vanguardia y la performance, todos ellos afincados en Galicia: Xacobe Martínez Antelo(contrabajo y dirección), Max Gómez(batería), LAR Legido(batería), Javier "Gdjazz" Pereiro(trompeta), Olivier Cano (saxofón alto), Xosé Miguélez(saxofón tenor), Diego Alonso (saxofón tenor), Rosolino Marinello(clarinete bajo), Rubén Fernández(voz), Faia Díaz (voz), Antonio Bravo(guitarra), Manuel Cebrián (guitarra), Elena Vázquez (violín), María José Pámpano (viola), Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo). Casi nada.
Como buen músico, el pianista Alberto Vilas sigue ese camino de la investigación y la invención constante. Le conocimos con su quinteto de Esperianza y Crónica cromática, que redujo a cuarteto en Ubuntu (2016) y ahora se minimiza en un álbum en solitario, siguiendo la tradición de grandes pensadores del jazz como McCoy Tyner, Alan Broadbent o Bill Evans, con el que comparte esa lírica que toma elementos tanto de la música clásica como del jazz para buscar la expresión.
El título, Naialma, es un juego de palabras: nai (madre) y alma (alma) o, na ialma (en el alma). Las dos posibilidades del bonito calambur expresan lo que contiene el disco: autobiografía musicada a partir de los sentimientos. Este relato vital viene en el libro-disco acompañado por las fotografías de Pancho Salmerón y los textos de Santiago Barciela, que hace un repaso muy poético de la vida del pianista. Pero la verdadera autobiografía está en la composición.
Alberto Vilas es un pianista inquieto, que ha aprendido de la música clásica, del jazz, del rock e incluso de tango. Esta sensibilidad tan abierta se transmite a través de la serenidad con que sus dedos progresan por el teclado. Entre esos "pájaros" que nacen de su piano, como dice el texto de Barciela, surgen acordes clásicos con aires de improvisación para expresar por qué cosas "Daría un mundo"; el entusiasmo en el tempo contenido y, a la vez, inquieto de "Ángel" (dedicado al pintor Ángel Barros); la cálida "Nana para Aylan", con su larga intro y su expresionismo, buscando siempre el silencio; esa canción lacónica pero que desprende un brillo de ilusión en su 3/4 que es "Valsa da esperança"; esa belleza, tan evansiana, de "No reverso do universo"... o ese rotundo final, con la pasión que pone la mano izquierda para subrayar el trabajo de esa melodía rota que esboza apenas su contraria, redondeando (incluso en el título) el recorrido de un disco sublime y único.
Según el pianista, en el disco no hay ningún corte ni edición. Fue grabado en directo, cada tema de una sola toma y sin post-producción. Cinco años de trabajo que son el resumen de toda una vida (musical y también, intuyo, real).
Es, categóricamente, un trabajo brutal, visceral, enfocado desde la sensibilidad y la delicadeza, lo cual no es tarea fácil, unas composiciones que hablan con poesía y que revuelven sentimientos de una manera tremenda sin hacer ruido. Sencillamente, magnífico.
Los guitarristas Kely García y Rubén Reinaldo se han metido en el estudio para grabar este disco cuyo título, Acuarel, presenta un álbum conceptual en el que el agua sirve de leitmotiv para unos temas que fluyen sin prisas, como un arroyo tranquilo, como una conversación entre los dos guitarristas, sin ningún otro instrumento que interfiera en este diálogo amable entre dos guitarraslleno de lírica, pausa, paz, ideal para escuchar en estos momentos llenos de tensión y malas noticias que estamos viviendo en 2020.
Reinaldo y García utilizan dos clásicas Gibson (ES-335 y ES-165), grabadas, según declaran, "con microfonía de alta sensibilidad directa a los amplificadores con una delicada Reverb Plate que enfatiza el bonito efecto "agua" que queríamos conseguir en el álbum". Esto permite apreciar las dinámicas naturales de las guitarras, sin ningún filtro. El álbum fue grabado "a la antigua usanza", en tomas directas sin cortes ni remezclas, en los estudios Galicia Música de Vigo. El proceso de grabación llevó 6 meses en los que ambos guitarristas pudieron expresarse sin prisas y con total libertad en temas largos, fluidos, sin corsés estilísticos. Todo esto se nota en la escucha.
El agua es el leitmotiv de este disco conceptual
Ambos guitarristas son también compositores y docentes, dato que justifica la continua creatividad que derrocha el álbum dentro de su (aparente) calma, de esa serenidad en la que fluye y donde parece que no pasa nada, pero que aporta detalles armónicos, líricos y rítmicos nuevos en cada escucha. Los dos se alternan de una manera natural como solista o acompañante, o fundiendo sus voces. Los fraseos de Reinaldo y García son limpios, precisos, de escuela pero colmados de expresividad, como una extensa improvisación que se desarrollara (como en las novelas epistolares) en un periodo tan dilatado como los seis meses que ha ocupado la construcción de este disco. Sobra decir que las composiciones son todas originales.
Ocho temas que se mueven en tiempos lentos que van desde los aires descriptivos, de reminiscencias cinematográficas, de "Manchica" hasta los guiños sureños, casi cantables, en el tema final ("Beiramar Blues") pasando por el sabor a bossa de "5 A.M." o los momentos meditativos de "Acuarel", la balada que da título al disco. Jazz sin estruendos, susurrante, lleno de paz, ideal para escuchar en momentos como estos, difíciles.
Si Noar no es el proyecto más extraño que hemos escuchado en el blog, sí se acerca a lo más original. No hablamos propiamente de jazz, sino de una propuesta de rock transfronterizo apoyada en la improvisación donde no hay límites. En esencia, es un dúo de voz y guitarra, pero en sus temas se cruzan riffs, instrumentos electrónicos, improvisaciones vocales, ruido, canciones, sonidos étnicos, cajón flamenco... creando ambientes inspiradores en unas ocasiones, inquietantes en otros.
Sus autores son dos vigueses formados en Barcelona que comparten un punto de vista musical donde priman la improvisación y la fusión. Iago Marta es un guitarrista gallego establecido en Barcelona, donde se formó en jazz en el Conservatori del Liceu. Además de jazz, ha compuesto música para poesía, teatro y cortometrajes, trayectoria que muestra su capacidad para crear estos paisajes sonoros tan originales y, al mismo tiempo, tan expresivos. Además de la guitarra, en el disco se ocupa de loops y efectos. Rubén Fernández es un experimentado improvisador que ha grabado con numerosos combos de la escena catalana y ahora se dedica a la docencia. Ha sido profesor del Taller de Músics y en la Escola Estudo de Santiago de Compostela.
Ambos músicos combinan minimalismo, letras llenas de existencialismo, influencias folklóricas... todo ello en unos temas con estructuras muy libres, donde la música y la voz fluyen y se expanden de una manera orgánica, permitiendo una libertad y una expresividad acordes con la filosofía del dúo.
El álbum (o videodisco como lo definen) se grabó en vivo en el auditorio de Goián, en septiembre de 2019. Está lleno de una originalidad más cercana al rock progresivo o al folk que al jazz, pero llena de improvisación e ideas.
Aprecien, por ejemplo, la extraña y oscura delicadeza de este "Horizonte de sucesos".
En su ya abundante discografía, el guitarrista gallego David Regueiro ha dejado patente su amor por el jazz manouche. Su nuevo disco, Areal, continúa esa senda gypsy pero ahonda en aspectos inéditos de Regueiro como compositor; en particular, en su faceta más introspectiva, con unos temas donde sus punteos se desaceleran para mostrar un lirismo emocionante, un intimismo patente a pesar de que todo el grupo es, en esencia, sección rítmica.
El tema que abre el álbum ("Samoreau Jam") es un recordatorio de quién es David Regueiro, uno de los más interesantes exponentes del swing manouche en la Península, como hemos escuchado en sus discos anteriores, pero también es un homenaje a Samoreau, el lugar donde se celebra un festival de jazz en el que gentes de todo el mundo se reúnen en un camping (¿dónde si no?) para homenajear a Django Reinhardt.
Ese espíritu de Django está presente en Areal en todos los tiempos posibles, medios, altos y lentos, en un gran despliegue de imaginación (dicho sea para los que piensan que el jazz manouche es siempre lo mismo) gracias a la solvencia del trío de cuerdas: Iago Reigosa en la guitarra acústica y el versátil Juyma Estévez al contrabajo. El clarinetista lituano afincado en Vigo Sarunas Pupelis se une al trío en dos temas ("Iago's Cat" y "Shiny Strings") aportando esa fluidez que hace tan seductor este estilo. Otra colaboración notable es la del violinista Ismael Cabaleiro en el tema que cierra el disco ("Laberinto"), una composición de tono melancólico y aires étnicos que resulta casi cinematográfica (Regueiro también ha compuesto alguna banda sonora).
Pero donde más patente queda ese lirismo del que hablamos es en composiciones como "Areal", donde Regueiro arranca de las cuerdas melodías etéreas y nostálgicas con aires de blues y americana, y una intención narrativa evidente y subyugante, o en el tema "Bolero desesperado", donde el trío aborda este estilo tan peculiar con una delicadeza inusual y la capacidad para derivarlo sutilmente hacia el estilo gypsy sin que deje de ser un bolero.
Un disco espléndido en su crisol de influencias que aporta nuevas miradas al jazz manouche, un disco que resulta espléndido en su sencillez, fascinante en su brevedad, apenas 36 minutos de álbum en 9 composiciones, y que resulta muy, muy recomendable.
En la misma línea de su anterior See Ahead (Free Code, 2016), el contrabajista y compositor gallego Alfonso Calvo nos trae una nueva colección de temas originales con un sonido calmado, limpio, muy cool y placentero de escuchar, seis enormes composiciones con las que Calvo sorprende y, al mismo tiempo, consigue que suenen familiares al oído del aficionado.
Su septeto está formado por Pablo Castanho (saxo alto y soprano), Diego Alonso (tenor), Xabier "GdJazz" Pereiro (trompeta y fliscorno), Luis Miranda (trombón), Iago Mourinho(piano) y Miguel Cabana (batería) y cuenta también con invitados como Ton Risco(vibráfono y melódica), Pablo Pascual (clarinete bajo) y Paola Kianda (pandeiro), todo un despliegue para sacar partido a unos arreglos que complacerán tanto a los oídos modernos como a los más apegados a la tradición, donde Calvo encuentra referencias claras para hacer un jazz sin prisas, deleitándose en las dinámicas y, sobre todo, en el sonido de los metales y maderas.
En algunos temas donde el septeto se amplia (con Risco, Pascual y compañía) aumenta la "paleta" de colores del combo y Calvo consigue nuevas atmósferas, más brillantes ("Mary-Go-Round", por ejemplo), sin buscar la espectacularidad: no hay vibratos gratuitos ni grandes unísonos ni abuso de la sección rítmica, por ejemplo, pero sí un uso constante del ritmo como elemento fundamental y, lo que es mejor, mucho espacio para los solistas.
Sin ánimo de comparar, hay momentos que nos recuerdan a dos referencias personales: por un lado, los arreglos de Calvo me traen a la mente las aportaciones de Gil Evans al jazz de Miles Davis, por sus arreglos brillantes, que buscan una pureza dentro de la complejidad de empastar la diferente tímbrica de todos los instrumentos; por otro lado, y por citar otra referencia que nos viene a los oídos, la manera de sacar partido a los arreglos de Maynard Ferguson con su big band, sin la espectacularidad explosiva del trompetista pero con un resultado igual de excitante.
Monday Mood es el segundo disco como líder de Alfonso Calvo, quien, sin embargo, ha participado en un buen número de formaciones (No Name Quartet, Marcos Pin, Aló Django, Valentín Caamaño Trío, Marcos Teira Trío...), combos en los que siempre hay músicos en común, algo que propicia un interplay orgánico, natural, con esa complicidad de los directos que funciona tan bien y que hace este disco muy recomendable. Lo mejor: dentro de unos años, hagan una escucha a ciegas (antes lo llamaban "blindfold tests") y nadie sabrá decirles a qué época pertenece este álbum. Y esta atemporalidad le augura una larga vida.
Al guitarrista Marcos Pin le va lo complicado. Como líder, compositor o arreglista, lleva años sorprendiéndonos con sus grabaciones para tenteto (o decateto, es decir combo de jazz con 10 músicos) como Barbanza(2012), discos con solo dos instrumentos como en los volúmenes de su serie Duology(2013 y 2015)o un combo formado por ¡cuatro guitarristas! (Triangle and Squarede 2018)... y ahora, vuelve envuelto en una formación aun más insólita en Óstraka, una suite para guitarra de jazz, contrabajo y cuarteto de cuerda compuesta y arreglada por Malcolm Stilton (1).
Nuevamente, nos encontramos con esa simbiosis mágica que genera la relación entre jazz y poesía, porque Óstraka está inspirada en un poemario del mismo nombre publicado este año por Luis Valle, humanista, escritor y artista plástico lugués que ha publicado cerca de treinta libros y que, con este poemario, indaga en la esencia del olvido. El título, que significa ostra, remite al ostracismo, castigo que se imponía en la antigua Grecia y que consistía en el destierro. El castigo se llamaba así porque el nombre del desterrado se grababa en una ostra de cerámica.
En lo temático, Óstraka busca ese aire nostálgico y doloroso del que hablan los poemas, ese olvido involuntario (o no). Lo encuentra en pasajes líricos o tensos, en notas largas conseguidas con el arco, en el tempo que se detiene, en algunos pasajes, de una manera inesperada. En lo formal, el lenguaje fragmentado y rítmico de la poesía es traducible al jazz, como hemos visto en otras ocasiones. Toda poesía se busca a sí misma, el poeta se exige un ritmo y una estructura que dé significado a cada uno de los versos, a cada una de las palabras. Esta es la misma esencia del jazz, la búsqueda continua, la investigación en cada nota, y en las cuerdas Marcos, como Luis, indaga en cada pasaje del álbum de una manera precisa, quizás intuitiva, pero precisa. Investigación y hallazgo. Poesía en los dos casos.
El resultado es, más que sorprendente, embriagador. El juego del jazz, cuando hablan guitarra o contrabajo con la respuesta del cuarteto de cuerda resulta original y excitante, un contraste poco habitual, un bellísimo experimento a caballo entre el jazz contemporáneo más sofisticado y un acercamiento peculiar a la Third Stream, una obra sólida que se compone de momentos, un ejercicio complicado donde se conjugan dos lenguajes tan distintos como la cuerda con arco y la síncopa del jazz, estableciendo una conversación inaudita entre cuerdas pulsadas y frotadas.
El discurso más habitual es el de la guitarra solista, con melodías en tempi lentos, cargados de nostalgia, con el acompañamiento del cuarteto de cuerda, pero, en ocasiones, los papeles se invierten y el violín (Nicolay Velikov) despliega un swing insólito ("Ceo de Beduíno") o se convierte en protagonista ("So Escoito A Choiva"). Del Marcos Pin más swingueante y bop está "Mendigo de Luz", un tema uptempo con hipnóticos cambios de ritmo, solo de contrabajo incluido. Y el contrabajo (Juan Cañada) es precisamente protagonista en el tema que cierra la suite ("O Letreiro de Limiar"), desde la introducción hasta la melodía, que arrastra de una manera mágica acompañado por las cuerdas, que establecen en algunos momentos un diálogo de pizzicato que es una delicia.
Los músicos del álbum son: Marcos Pin, guitarra; Juan Cañada, contrabajo; Nikolay Velikov, violín; Kiyoko Ohashi, violín; Timur Sadykov, viola; Carme Tubío, cello. La portada, con esos personajes casi narrativos, es una fotografía de Rafa Pasadas y está diseñada por Rocío Alén.
(1) Como en su anterior Triangle and Square, Marcos Pin usa el seudónimo de Malcolm Stilton como compositor.
Uno de esos fenómenos que ocurren en el jazz de vez en cuando es que publique un primer disco como líder un músico con una experiencia tan dilatada que merecería toda una serie de artículos. El contrabajista Pablo Sanmamed es uno de estos casos. Ha participado en 67 discos dentro de grupos de jazz (y rock) y ha tocado en innumerables festivales. Lo reseñamos hace unos años con aquella formación de jazz electrónico y experimental que se llamó 3 Azoteas (Audia, 2011). Ha compuesto música para cine y ha ganado varios premios con su banda sonora para la película Crebinsky (Enrique Otero, 2011), que protagonizaron Luis Tosar y Miguel de Lira. También ha escrito música para danza y teatro, lo que explica lo detalladamente descriptivas que son las melodías que compone. Pero no hay mejor carta de presentación que un disco. El suyo se llama 16/4.
En 16/4, además de su experiencia como contrabajista, podemos apreciar su capacidad como compositor versátil y comprometido con una búsqueda de raíces en la que confluyen las reglas del jazz (síncopa, improvisación, solos) con las armonías de la música folk gallega y en algún momento europeas (como en el caso de "Rapsódia Damasquinada" o más nítidamente en "Duas mulheres", que utiliza la estructura de una danza tradicional rumana llamada dum horo). Esta contradicción entre música negra y otras músicas de raíz forma parte de la esencia del jazz, por lo que pienso que (como el caso del jazz flamenco) debería existir ya una etiqueta para esos músicos gallegos que combinan con tanto acierto sus ritmos tradicionales con el jazz moderno (Abe Rábade, Pablo Castanho, Baldo Martínez...). El jazz de Pablo Sanmamed está lleno de swing, sutiles cambios de ritmo y una visión intelectual y original a la altura. Llamémosle, de momento, jazz moderno de raíz.
Con una formación de trío de piano (con Iago Mourinho al piano y Bruno Couceiro en la batería) donde, evidentemente, todos los instrumentos son de ritmo, Sanmamed lo hace más complicado todavía enredándose en aventuras como el 5/8 del tema que da título al álbum o forzando a los músicos a velocidades que requieren no solo de virtuosismo sino de una fortaleza mental capaz de improvisar a gran velocidad ("De BCG a SCQ").
El disco es redondo. Comienza con una deconstrucción muy lírica (y adaptada al estilo personal de Sanmamed que hemos descrito) del estándar "You Don't Know What Love Is" para luego mostrarnos un abanico de ideas que se mueven entre temas muy rítmicos y otros más introspectivos donde escuchamos a un contrabajo directo, expresivo y con un amplio abanico de ideas, que da cohesión al conjunto con una solidez envidiable, y un piano, ese gran protagonista del trío para el que se han escrito temas fabulosos como "Setembro", que es un vals, jazz al estilo francés según el libreto del disco, o "16/4", donde el piano soporta toda la carga del tema con un eclecticismo que incorpora elementos de música clásica, tradicional y jazz, y con ese solo de Sanmamed...
Aparte del trío, destaca la intervención del saxofonista alto Pablo Añón en la bellísima "L.H.", donde le dan la réplica con una fluidez casi poética Xose Luis Miranda al trombón y Iago Mourinho al piano. Este tema fue escrito para cuarteto de cuerda para una banda sonora y aquí suena como quinteto de jazz (piano, saxo, trombón, bajo y batería). Pero curiosamente, sí hay un cuarteto de cuerda en el último tema del disco, que no está compuesto por Sanmamed sino por Mourinho.
Porque el álbum termina como empezó, con un tema ajeno, esta vez compuesto por Iago Mourinho titulado "Dujmey tinQu" (sí, el título está en klingon), una balada que contiene un delicado solo de contrabajo que pone un final lírico e introspectivo al disco.
Riesgo es el título del capítulo que la serie Jazz de Ken Burns dedica al bebop y, aunque el bebop ha dejado de ser una novedad, el jazz sigue avanzando y siguen apareciendo buenos músicos capaces de arriesgar, de darlo todo por encontrar ese (eterno) nuevo camino que es la arriesgada esencia del jazz. En el disco del saxofonista Xose Miguélez sólo hay un tema que se podría clasificar como bebop, pero se aprecia su gusto por el riesgo en la manera en que busca la atonalidad y la manera de romper las normas, una estética tan difusa como la portada del álbum pero que ofrece buenos resultados a la escucha. El álbum se titula Ontology.
Comencemos diciendo que el disco ha sido publicado en Estados Unidos por Origin Records, y que fue premiado en mayo en los Premios Martín Códax en la categoría de Jazz y Músicas Improvisadas. Pero, para escuchar este disco, hay que empezar por el final: el último corte del disco, una balada gallega interpretada por la tía-abuela de Miguélez y recogida por la etno-musicóloga suiza Dorothé Schubart hace 40 años. Un juego de 4 notas de esta balada, por increíble que parezca, es la melodía en la que se basan los otros nueve temas del disco. Curiosamente, la idea no surgió de Miguélez sino de otro de los músicos del disco, el también tenor Matt Otto. El título del álbum, Ontology, está en relación con esa búsqueda metafísica de las relaciones entre el ser y el mundo y, por supuesto, con su pasado, búsqueda que tiene su continuación en el segundo tema, de título elocuente ("Chasing Myself")...
De este modo, la melodía tradicional heredada por Xose Miguélez, se convierte en un jazz moderno y vanguardista, de raíz clásica pero buscando lo nuevo, lo personal, el riesgo en la atonalidad y el inconformismo, esa continua lucha del jazz contra las normas. La antigua balada gallega suena a una mezcla de Dexter Gordon y los nuevos estilos de Nueva York ("Sweet Delia"), a bebop ("Missed Call"), a avant-garde que se transmuta en jazz fusión con el solo de guitarra de Storm Nilson ("Under The Big Tree") o, como en el caso de "Chasing Myself", a mainstream distorsionado, con ese contraste entre el toque clásico del vibráfono y el sonido electrónico del EWI, un diálogo que rompe contra un solo de saxo clásico y potente en el que se impone la personalidad de Miguélez.
En resumen, estéticas bien diferentes que sirven para apreciar la capacidad de Xose Miguélez para expresarse dentro del jazz con muchas voces y una sola personalidad. Como compositor, se nota que quiere expresar todas y cada una de sus inquietudes como músico y, como músico, se percibe una experiencia profunda y con capacidad para ir siempre más allá.
Les dejo con el vídeo de "Sweet Delia", una balada clásica que, en los arreglos, arriesga buscando un sonido no tan limpio, no tan clásico. Noten que el estéreo de la grabación coloca a Miguélez y a su invitado, el tenor Matt Otto, separados, uno en cada canal del estéreo (o en cada auricular, si lo prefieren), pasándose la melodía con una delicadeza difícil de lograr en el tenor y jugando a contestarse aquí y allá; y noten también que la estética de las imágenes es muy noir (a pesar de ser en color), con esa melancolía de la música que arrastra un lejano sentimiento de blues y que es tan inherente a la noche.
El álbum fue grabado en los estudios Roof Top Media de Kansas City, MO, entre los días 11 y 13 de agosto de 2018. Los músicos del disco son: Xose Miguélez (saxo tenor), Storm Nilson (guitarra), Ben Leifer (contrabajo y bajo eléctrico), John Kizilarmut (batería y, sorprendentemente, también cajón flamenco), Peter Schlamb (vibráfono) y Matt Otto (saxo tenor, EWI y productor).
JUYMA ESTÉVEZ TRÍO, Viento del Norte (Freecode, 2018)
Alejado del tono lírico y especulativo de su anterior álbum, el contra-bajista Juyma Estévez presenta en su segundo álbum como líder 9 temas diseñados desde el ritmo, donde el contrabajo lleva no sólo el protagonismo sino también muchas líneas melódicas, saltando las barreras impuestas a un instrumento utilizado tradicionalmente sólo como acompañante. Ya no es el contrabajo sereno de Océanos de porcelana pero sigue siendo un gran creador de ambientes, un líder, puro ritmo.
Juyma Estévez nació en Galicia, en Bueu. Estudió en el Conservatorio Profesional de Pontevedra y en el Seminario Permanente de Jazz de la misma ciudad, donde recibe clases de Paco Charlín y Abe Rábade, dos pilares fundamentales del jazz ibérico que han surgido también de Galicia, de donde nunca dejan de llegarnos noticias de jazz. Después de recibir clases magistrales de, entre otros, Miguel Zenón y Brandford Marsalis, termina sus estudios en Musikene (con profesores como Gonzalo Tejada, Joaquín Chacón, Bob Sands, Chris Kase, Perico Sambeat, Frances Capella, Miguel Blanco, Andrej Olejnizack o Javier Juanco, entre otros. Como sidemen lo hemos escuchado en el trío de Valentín Caamaño y en el Swingtet de David Regueiro, que lo acompaña en este nuevo trabajo.
Desde la potencia y un concepto muy básico del inicio ("O baile dos vampiros") y la fusión de "Chamada o combate" notamos una energía estudiada, dirigida. El brutal "Entre tahúres" es un ejercicio casi gimnástico de ritmo y compenetración, con un contrabajo protagonista en cada compás, dialogando con la batería (Noli Torres) pero siempre mandando, puro swing que se suaviza con el solo de David Regueiro, pero un swing que no cae en el camino ya escrito sino que busca una vuelta de tuerca a las posibilidades del trío de guitarra apoyándose sobremanera en el contrabajo. "Blues for Brown" es otro tipo de vuelta de tuerca: un homenaje a la manera de swginguear de Ray Brown con una composición original de Juyma Estévez, que tiene un solo atemporal. Si, como decíamos, en Océanos de porcelana, el mar inspiraba a Estévez un disco lírico y casi contemplativo, aquí el viento lo lleva por caminos ondulantes y elevados, llenos de ritmo cambiante pero siempre seductor, pero es en el tema que da título al disco ("Viento del Norte") donde el trío vuelve al tempo lento con un tema donde, paradójicamente, la voz de la guitarra y el impresionante trabajo de la percusión adquieren mayor protagonismo para crear una ensoñación inolvidable.
La segunda parte del disco sigue la misma tónica, con temas fabulosamente rítmicos, pegadizos ("Faino ti!") y una versión (la única versión del disco) del "Like My Booga?" compuesto por Regueiro que aparecía en aquel álbum lleno de fusiones que se llamó Roots. Aquí es un tema muy potente con un gran trabajo rítmico y donde Regueiro saca tantas voces de su guitarra que resulta adictivo. El final del álbum es otro tema lento ("Nostalgia") donde se exploran otros campos sonoros más sosegados, en los que tanto la guitarra como el contrabajo (en su faceta más cantabile) buscan una calma bella y poética, casi lírica, con sonidos que van de la balada al rock progresivo con improvisaciones de gran fuerza.
En resumen, un disco recomendable, especialmente para quienes, como yo, disfrutan con el sonido crudo del contrabajo. Si les quedan ganas de más, en la web de Juyma Estévez hay vídeos y se pueden escuchar (y ver) sus otros proyectos y en Bandcamp escuchar jam sessions con otros músicos de la escena gallega.
Con la economía sonora propia del trío de saxo, el prolífico contrabajista gallego Xacobe Martínez Antelo presenta su nuevo trabajo titulado Capturas, una colección de 8 temas a trío inspirados en la realidad que nos rodea, esas realidades cotidianas que, según expresa la nota de prensa, "nos atacan, nos acompañan o que forman parte de nuestro contexto vital". Un disco para disfrutar compás a compás. Xosé Miguélez al saxo tenor y Max Gómez a la batería completan el trío.
Desde el arranque del álbum, con ese "A política lingüistica de Alberte", percibimos dos premisas: la primera, que los títulos ilustran no sólo la inspiración sino también una preocupación directa por la realidad social de una manera casi periodística, fotográfica, testimonial... hecha música, y esto lo hace con un estilo directo y apasionado sin artificios; la segunda, que el contrabajo es el motor del trío, muy por encima, incluso, que la batería, con una digitación poderosa que empuja a las composiciones y que engancha al oyente, en distintos ritmos y en distintas inspiraciones estéticas según el tema, pero siempre presente. El juego del ritmo, desde los grooves más jazzísticos a los más oníricos (onírico como en "O cube de fans do último cadáver") resulta en todo momento hipnótico, porque arrastra al oyente sin posibilidad de escape.
Creador inquieto, el compostelano Martínez Antelo es uno de esos músicos esenciales en el panorama peninsular. Mientras sigue activo con Sumrrá tras casi dos décadas de jazz especulativo e inspirador, mantiene otros proyectos como Martelo o sus actividades docentes y de divulgación (como su proyecto de improvisación dirigida y soundpainting) o este trío, con el que debutó en 2009 y donde sigue dando vueltas de tuerca a su visión personal del jazz contemporáneo.
En resumen, un músico en constante evolución, Xacobe Martínez Antelo, que siempre tiene algo que decir y que presenta en Capturas un álbum interesante de escuchar, que hace pensar, jazz contemporáneo con ideas y con un gran interplay entre los músicos.
Pueden escucharlo aquí en "Planeta Teo", un tema recuperado de una década atrás (lo tocó con A Tribu) y que está incluido en el nuevo álbum. La grabación es de hace un año y en ella pueden disfrutar de XMA con otro look pero con los mismos músicos.
