JASON MILES, PASADO Y PRESENTE

JASON MILES, Cosmopolitan Remastered (2025)
JASON MILES' The Lisbon Electric 4tet (2025)

Hoy escuchamos dos álbumes del teclista, compositor, arreglista, productor y ganador del Grammy Jason Miles. El nombre, poco conocido en España, solo sonará a quienes le recuerden de sus trabajos con Miles Davis, contratado por Marcus Miller, quien quería que sonaran sintetizadores en Tutu. Recordemos que Jason también trabajó en Music for Siesta y en la obra crucial Amandla. Su voz resultará familiar a quienes hayan escuchado estos discos. Miles Davis dijo de él que era un genio, y eso le ha permitido trabajar con músicos de todos los géneros, como Michael Jackson, Aretha Franklin, Chaka Khan, Grover Washington Jr, The Crusaders o Sting (con quien ganó un Grammy como productor).

Pensemos en cómo era la música en 1979. Los sintetizadores se han hecho populares y el jazz absorbe todos los elementos que fluyen alrededor. Un visionario Jason Miles armado con un sintetitzador Prophet V reúne en los estudios Vanguard de Nueva York a un grupo de músicos jóvenes y con ganas de comerse el mundo: el saxofonista tenor Michael Brecker (30 años), el saxo alto, soprano y flautista Gerry Niewood (26), el bajista Marcus Miller (19), el brasileño Ricardo Silveira a la guitarra, y el baterista Jeff Williams (29), además de la vocalista Clarice Taylor y los percusionistas Armen Halburian y Henry Castelanos, y Badal Roy, en la tabla. La grabación se llamó Cosmopolitan y resultó una compleja (pero fácil de escuchar) amalgama de músicas del mundo, jazz, funk... un proyecto que nunca vio la luz hasta que, al mudarse a Portugal, 46 años después, Miles encontró las cintas DAT de aquellas sesiones y decidió remasterizarlas y publicarlas.

En el álbum podemos encontrar ritmos irresistibles y un groove que suena al jazz de los 80, con unos sonidos eléctricos que entran en perfecta simbiosis con el funk de Miller y las intervenciones de Brecker y Niewood en los vientos. Las percusiones, festivas y excitantes, sostienen la improvisación de los solistas, donde destaca, cómo no, Jason Miles en su primer papel como líder, con discursos que van del funk a lo espiritual. 

Pero Miles no está retirado. Su banda The Lisbon Electric 4tet es una prueba patente de que su creatividad continúa. Su estilo ha evolucionado hacia el virtuosismo y la calma de quien ha encontrado el camino. Formado por músicos portugueses (Tiago Oliveira a la guitarra, Yami Aloelela al bajo y Vicky Marques en la percusión), su cuarteto sigue esa línea eléctrica, funky y, al mismo tiempo, lírica de la que hablábamos hace dos años cuando reseñamos su Miles to Miles Live (Ropeadope, 2023), un álbum donde recreaba las atmósferas de los discos en los que trabajó con Miles Davis. 

Su cuarteto eléctrico tiene una fusión excitante de ritmos sobre los que brillan los dos solistas, el sintetizador experimentado de Jason Miles, absolutamente funky en algunos temas, y la guitarra de Oliveira, que no se queda atrás cuando se trata de improvisar. Largos solos, hipnóticos, bailables, estimulantes, son la nota más atrayente del cuarteto. 

Jason Miles sigue grabando y se le puede ver en festivales, lo cual es una buena señal. Cuando un músico sobrevive cinco décadas haciendo lo que le inspira, es que vale la pena escucharle. 

* Más info: www.jasonmilesmusic.com

OBSTÁCULOS

PEDRO NEVES, Hindrances (Carimbo Porta Jazz, 2022)

La referencia al budismo en el nuevo disco (el cuarto como líder) del pianista portugués Pedro Neves nos lleva a los cinco obstáculos mentales (pañca nīvaraṇāni en dialecto pali) que impiden la meditación y, por consiguiente, la iluminación. El oyente occidental (y no budista) debe desprenderse de cualquier obstáculo mental para abrirse a este Hindrance, un álbum de jazz moderno sin etiquetas (aunque hayamos oído llamar a Neves "el Meldhau portugués") que se acerca por momentos al concierto de piano en música culta o de cámara y a las experiencias similares de músicos anteriores como Bill Evans, Keith Jarret o el citado Meldhau.

Desde los primeros compases, el oyente percibe una capacidad y una intención que se mueven hacia nuevos sonidos, extrayendo del piano melodías complejas, estructuras cambiantes y, por momentos, conmovedoras (en "Pictures I Would Like To Show You", por ejemplo, un tema que luego sube de tempo como reacción a una intro meditativa y hermosa y juega con ritmos e instrumentos de una manera rabiosamente peculiar) y otros momentos llenos de swing (desde una perspectiva actual) como en "Developmento of Behavior" o "Two Miles of Walking", composición esta que hace referencia al concepto del álbum, que está planteado como el recorrido de ascensión de una montaña, de ahí la portada y de ahí el tema que cierra y que se titula "See you at the Peak", una composición que refleja la calma conseguida. La paz es el éxito.

A pesar de la montaña rusa estilística y emocional del disco, Neves mantiene siempre un lenguaje impecable, limpio, delicado, emocionante en los acordes, buscando la interacción con el oyente, sugiriendo una comunicación a nivel de sentimientos, y consiguiendo un lirismo maduro, sincero, nada artificial. 

A Pedro Neves le hemos podido escuchar en España en el cuarteto de Lucía Martínez. Como líder, Hindrances supone el cuarto disco a trío de este pianista de Oporto tras Murmuration (2019), del que solo cambia el baterista, ahora José Marrucho, un músico versátil que se adapta a la perfección a las composiciones cambiantes de Neves. En el contrabajo volvemos a escuchar a Miguel Ángelo, con el que el pianista mantiene un interplay constante y rico basado en una larga experiencia conjunta. El resultado es un disco moderno, atrevido, pero que mantiene en todo momento los valores que aportan la lírica del piano, la emoción y la improvisación. Muy recomendable.

 

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* Web: pedro-neves.pt

JAZZ COMO EXPRESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS

DESIDÉRIO LÁZARO, Moving (Sintoma Records, 2018)

Después del fantástico Subtractive Colors de 2015, con su enfoque original y aquella formación en sexteto tan singular, el saxofonista portugués Desidério Lázaro vuelve al cuarteto para presentar un álbum de temas propios que se mueven en el territorio del jazz contemporáneo con guiños mestizos al jazz-rock, un catálogo de composiciones muy libres (ocho en total) que apelan a lo visceral como fuente de inspiración.

Porque Moving es un disco de sentimientos, cambiante, ciclotímico podríamos decir si no fuera porque todos los sentimientos son válidos y su expresión lo que justifica el arte en todas sus manifestaciones. A nuestra pregunta, Desidério Lázaro justifica el título así: "Moving podria traducirse de varias maneras: moving de moviéndose para otra parte (emocional o física) moving de comovedor, moving porque mi hijo (a quien dediqué el álbum) me hace mover aunque yo le ayude a moverse también (simbiosis)".

Tanto los títulos como el enfoque jazzístico de cada tema ilustran situaciones espirituales, gozosas o conflictivas, reflejo de contingencias vitales que encuentran su correspondencia en la música: "Burned Conscience" es un ejercicio casi místico de jazz moderno, mientras que "Moving" es pura energía, ritmo desatado, jazz-rock o rock progresivo según el punto de vista, que utiliza la distorsión y lo atonal como forma de expresión, con un Joāo Firmino espectacular. Según las notas del autor, Moving es "un disco sobre viajes, una mezcla ecléctica de géneros musicales, y logros emocionales".

Foto: João de Barros

Es inútil el arte que no conmueve y, en el mismo sentido, el que no nace a su vez de un sentimiento. Lázaro admite: "No escribo música solamente como ejercicio, creo que la música sin relación emocional no es tan rica. Por lo menos para mis oídos".

Pero los sentimientos pueden esconderse en el interior ("Introspective") como una balada moderna, con un saxo lacónico, casi lírico, o hablar de valor ("Courage") con ecos de jazz europeo, blues y free de una manera tan teatral que inspira más terror que valor. "Lullaby" nos recuerda que el disco está dedicado al hijo del músico, Mário. Es una balada que comienza con unas notas dispersas de la guitarra y unos balbuceos infantiles para desembocar en (quizás) el tema más jazzístico del álbum, una balada a tempo medio donde el saxo canta y que, según avanza, se convierte casi en un himno. Otra balada que habla de dolor ("Hidden Pain"), dedicada a su padre, habla de dolor con una delicadeza absoluta, con un contrabajo que habla en voz baja (Francisco Brito) y un conmovedor Lázaro al saxo. "Memories of a Forgotten Past" vuelve al rock con una guitarra que entabla un interesante pero breve diálogo con el saxo. La conclusión del disco, "Reconciliation" retoma el aire místico e introspectivo de los primeros temas, con un saxo muy rockero, que me trae a la memoria buenos momentos con buenos discos de rock progresivo de aquellos olvidados 70... Con la sólida base rítmica de Firmino en la guitarra eléctrica, Desidério Lázaro se expresa enérgico pero melódico. Joel Silva en la batería da mayor dimensión rockera a la fusión. Un breve interludio entre tanto ritmo permite a Brito volver a hacer un solo elocuente. El final es tan eléctrico que escapa a las calificaciones. Hay que escucharlo.

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* Web; https://sintomarecordsmusic.bandcamp.com/album/moving

CICERO LEE

Those Who Stay (2015)

El contrabajista portugués Cícero Lee presenta en Those Who Stay un jazz moderno, introspectivo, en la frecuencia baja del contrabajo, un jazz oscuro que comienza hablando de la muerte: el primer tema ("Vigilias") está dedicado al poeta luso Al Berto (“es siempre una mentira existir / fuera de aquello que está en el fondo de mí”), que falleció prematuramente a los 49 años.Como señala Lee en las notas del disco, somos lo que nos queda de los que se fueron. Los que se quedan.

Dos años después de su álbum de debut titulado "Ventos" (Sintoma Records, 2013), Cícero Lee ha decidido grabar esta vez con el bajo acústico, con el que se muestra más expresivo, más lírico y más intenso, muy elegante, sin protagonismos, con un espíritu de jazz europeo que sólo traiciona su internacionalidad cuando el acordeón nos hace relacionar su música con Portugal. Quizás sofisticación y expresividad sean los términos más adecuados para definir el disco, cuyas melodías se prestan a ensoñaciones a medida que los músicos desarrollan las ideas de las composiciones. Sólo algún tema aislado nos ofrece una perspectiva distinta, como la agresiva "We Shall Prevail" o "Brooklyn", dos temazos con un toque de hardbop no exento de oscuridad (especialmente cuando escuchamos en "Brooklyn" ese solo en las cuerdas, que se mueve entre el funky y el blues).

El disco suena en formato de trío, con Carlos García al piano y José Salgueiro en la percusión, a los que se unen (según el tema) el saxofonista Desidério Lázaro, viejo conocido del blog, que aporta un toque sofisticado a las improvisaciones ("Brooklyn", "Ten Miles from the Sky"), y otras luminarias del joven jazz portugués. El que más nos brilla es João Frade. El inteligente uso del acordeón de Frade en algunos temas proporciona una dimensión espiritual a las composiciones, un sonido que trasciende lo armónico para ponernos a caballo entre lo cinematográfico y lo geográfico (uno piensa en ciertos barrios de Lisboa cuando lo escucha), con ese vibrato siempre misterioso y legendario del acordeón. Tiago Olivera pone con su guitarra los temas en la frontera de la fusión con el rock y crea un ambiente muy inspirador e intenso ("Ten Miles from the Sky", "Those Who Stay"). De alguna manera, es Carlos García quien ejerce de voz cantante en casi todos los temas (con la excepción de alguno donde interviene el saxo), con mucha personalidad.

El disco termina con una adaptación de la bellísima melodía tradicional portuguesa "Dorme Meu Menino", que es casi una canción que cantan las cuerdas del contrabajo a dúo con el piano (Carlos García la ha adaptado), una melodía introspectiva, brillante y, a la vez, sombría. Como el álbum.

Les dejo con un video espectacular, jazz para ballet. Suena "Those Who Stay" con una delicada coreografía de Helena Vascon que hace justicia a la música de Cícero Lee:

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* Web oficial: cicerolee.com

 

SAMUEL LERCHER TRIO

Una grata sorpresa

Cuando pasan las décadas y (casi) todos los pianistas de jazz siguen formando tríos con el vano y presuntuoso objetivo de imitar a Bill Evans, sorprende (y mucho) encontrar de vez en cuando un pianista con ideas frescas. El francés afincado en Portugal Samuel Lercher nos presenta en Epilogue (Sintoma Records, 2015) un jazz moderno e inquieto, cargado de influencias que van del cine americano a Michel Legrand pasando por el blues y la música clásica europea del siglo XX. Sí, en algún rasgo se le nota que es hijo musical de Bill Evans, pero es un hijo rebelde y creativo. El próximo fin de semana lo podremos escuchar en directo en Huelva dentro de la programación del ciclo Mazagón Jazz. 

Grabado en Lisboa en diciembre de 2014 y lanzado en febrero 2015, el álbum de debut de Samuel Lercher se soporta sobre una acertada sección rítmica (André Rosinha al contrabajo y Marcelo Araújo en la batería) y siete composiciones originales que comienzan de una manera original con "Épilogue" y terminan con un tema llamado "Variações sobre a Dança Breve nº 1 de Fernando Lopes-Graça". La citada danza no es más que una excusa para especular de una manera rítmica y armónica con la música del compositor portugués y traerlo al terreno del jazz y la improvisación. Entre medias, otros cinco temas originales con mucho derroche de recursos y un sonido muy moderno. En Youtube se les puede escuchar también haciendo standards.

En definitiva, el álbum muestra una disposición hacia la intelectualización de la esencia del jazz, aparentemente alejada de los clichés pero tocando casi todas las vertientes. Es cierto que para reconocer este enorme trabajo es exigible una cierta erudición en el oyente, pero el resultado es un jazz muy asequible y fácil de escuchar.

Les dejamos con uno de los temas del álbum ("Les Yeux Noirs"), en el que se puede apreciar la calidad de la sección rítmica y la personalidad del disco: 

Otra nueva sorpresa ha sido encontrar en Youtube este video en el que Lercher mezcla la música de los clásicos minstrels que influenciaron el nacimiento del jazz con Debussy, quien, por cierto, fue contemporáneo de este evento:

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* Web oficial: http://www.samuellercher.com

** Para escuchar y descargar el disco (Sintoma Records): 

http://sintomarecords.wix.com/sintomarec#!samuel-lercher/cenh

DESIDÉRIO LÁZARO

Síntesis sustractiva

Subtractive Colors (Sintoma Records, 2015) es el cuarto álbum del saxofonista lisboeta Desidério Lázaro, una interesante y original propuesta que descubrimos hace unas semanas y que nos tiene fascinados. ¿Cómo definir este proyecto? El planteamiento es muy original, basado en el hardbop pero con momentos de carácter experimental que, sin ser atonales, buscan otros puntos de vista (música de cine, clásica, ambient) para dar cabida a la capacidad de Lázaro como compositor, aparentemente inacabable. 

El otro elemento sorprendente y original que nos presenta el disco es el combo, un sexteto inédito, formado por 2 saxos, 1 clarinete, batería y 2 bajos. Han leído bien. De por sí, la acumulación de instrumentos de viento no es original; ya estaba en las brass bands de Nueva Orleans, pero el uso de dos bajos supone un desafío a la hora de arreglar los temas. El sexteto está formado por el propio Desidério Lázaro (saxo soprano y tenor), João Capinha (flauta, saxo alto y  tenor), Paulo Gaspar (clarinete soprano y bajo), Mário Franco (contrabajo), João Hasselberg (bajo eléctrico y contrabajo), Luís Candeias (batería) más Carolina Varela y João Neves (voces en "Subtractive Colors").

El álbum comienza con una intro y una pequeña suite en tres movimientos titulada "LLA": música descriptiva, programática, con un planteamiento de música clásica (contemporánea) y momentos orientados hacia un post bop bastante primitivo. A partir de ahí, el álbum se vuelve auténticamente jazzístico, con temas muy bop como "Absence of White" o "Corruption", que es una auténtica montaña rusa. Otros temas, como "Little Bug's Riot" se asoman a un post bop con una percusión que se acerca excitantemente al jazz-rock. "Silent Homage" y "The Moment Just Before" son piezas experimentales en los que música clásica y jazz se rozan aquí y allá con gran sensibilidad y ningún complejo. El último tema del álbum, "Subtractive Colors", aunque divertido, es una sorpresa funky con voces que no encaja muy bien con la solidez argumental del resto del disco. Si obviamos esta última boutade, nos queda una obra original y única que debería poner a Desidério Lázaro en el punto de mira de los críticos y de los aficionados de mente abierta.

Explicado a través de la teoría de mezclas de pintura, el jazz de Desidério Lázaro es el resultado de las influencias que su música absorbe y de las influencias que refleja; también de la impresión que recibe el espectador. En definitiva, esta síntesis sustractiva de colores conforma un disco sólido y muy personal que el mismo Desidério Lázaro nos presenta en el siguiente vídeo, en el que explica los conceptos del álbum:

* Web: https://desideriolazaro.wordpress.com

** El álbum se puede escuchar y descargar gratis (se agradecen donaciones) en la web de Sintoma Records:

http://sintomarecords.wix.com/sintomarec#!desidrio-subtractive-colors/c15rv

GIO YÁÑEZ, Zero Point Energy

Debut original y de alto nivel

Cuando un músico presenta un disco de debut con la originalidad y la solidez de Zero Point Energy (Free Code, 2014) no podemos hacer otra cosa más que quitarnos el sombrero. El guitarrista ponferradino Gio Yáñez nos ha sorprendido con este disco grabado en una sola sesión en los estudios Adega de Oporto, ciudad donde se conocieron los músicos que conforman este combo mientras estudiaban en la ESMAE, la Escola Superior de Música, Artes e Espectáculo, lugar habitual de convivencia de músicos y profesores tanto portugueses como gallegos. 

La formación es un septeto hispano-luso al que se suma en algunos temas la cantante Clara Buser. Los músicos que acompañan a Gio Yáñez son: el español Marcel Pascual (vibráfono) y los portugueses Wilson Correia (piano), José Soares (saxo alto), Luis Miguel (saxo tenor), Filipe Louro (contrabajo) y Miguel Sampaio (batería).

 

Los siete temas del álbum, compuestos por el propio Gio Yáñez, muestran un jazz contemporáneo fácil de escuchar y aparentemente sencillo en su estructura pero una escucha más profunda revela tantas influencias y recursos (bop, post-bop, jazz-rock, avant-garde... se pueden escuchar en sutiles referencias) que podríamos afirmar que el mérito del disco está en el equilibrio, en haber creado una obra compleja y, a la vez, fácil de escuchar.

Los temas más bop nos recuerdan a los últimos trabajos de Christian McBride, especialmente el sonido de People Music y las aportaciones vocales en The Good Feeling. Valga la comparación a pesar de que se  trata de enfoques diferentes del jazz. El arranque del álbum es un espectacular tema ("Soma e siga") que nos remite a los tiempos de Wes Montgomery, Kenny Burrell... (salvando las distancias, uno mira siempre atrás hacia sus favoritos), muy bop, para después entrar en terrenos más adultos y musicalmente comprometidos. La guitarra de Yáñez conduce con maestría y fluidez todos los temas, algo poco usual en músicos tan jóvenes, en especial cuando se trata de jazz contemporáneo y de temas originales. Vale la pena la escucha. 

Por último, nos gustaría destacar dos factores más del disco. El primero, la singular aportación del barcelonés Marcel Pascual en el vibráfono. Tiene el toque justo, clásico, el que uno espera escuchar. Cada vez que interviene en alguno de los temas, el nivel sube. El segundo factor destacable es la original participación de la cantante Clara Buser. Su expresiva voz está llena de matices y aquí nos trae recuerdos del sonido de ciertas vocalistas de finales de los 80. Sorprendentemente, las letras que Yáñez ha elegido para los temas están basadas en poemas de La tierra baldía de T.S. Eliot ("The Burial of the Dead", "Datta, Dayadhvam, Damyata [a.k.a. What the Thunder Said]", "The Fire Sermon"...). Resulta excitante comprobar cómo el espíritu de Eliot se ha integrado en la voz de Buser y en la música del septeto sin dejar de sonar a jazz.

En el siguiente video pueden escuchar al combo en directo en Porta Jazz interpretando "Datta, Dayadhvam, Damyata", basado en el poema "What the thunder said". Hay un interesante solo de guitarra que merece ser escuchado (y observado). Que lo disfruten.

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* El disco se puede escuchar y comprar en Bandcamp:  

http://giozeropointenergy.bandcamp.com/releases

** Para leer online el poema de T.S. Eliot: www.bartleby.com/201/1.html

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