ROMPER EL PROPIO MOLDE

MARCOS PIN TRÍO, A Week Ahead (2024)

Marcos Pin no es solo uno de nuestros guitarristas favoritos sino también un compositor inquieto y nada complaciente que mira siempre más allá, disco a disco. Su versatilidad le permite publicar álbumes de puro hardbop (Broken Artist, de 2016), llenos de fusiones (The Door o You Waited For It, ambos de 2022) o líricos e intimistas como Óstraka (2019), inspirado en un poemario de Luis Valle... pasando por experimentos en discos a dúo, cuartetos con cuatro guitarras o formatos grandes (como los diez músicos de Factor E-Reset), donde sus partituras muestran un mensaje diferente. Esta exuberancia creativa le obliga a veces a firmar con seudónimo (suele ser Marcos Stilton en algunos discos). Pues bien, toda esta versatilidad se amalgama en su nuevo álbum a trío, A Week Ahead, en el que encontramos desde momentos líricos hasta experimentaciones de todo tipo (atonalidad, free, juegos de ritmos inusuales...).

Estas composiciones acompañan la historia de alguien que emprende la difícil tarea de sacar un trabajo creativo semanalmente, dice en las notas del álbum.

Estructurado conceptualmente siguiendo los días de la semana, el álbum comienza con una intro lacónica y e intimista de Marcos, que se apoya en una percusión sutil (Sergio González). Todo sugiere  un discurso único pero el saxo (Pablo Castaño) irrumpe con su propio mensaje y el tema, minimalista, nos traslada a una atmósfera donde el diálogo entre los miembros del trío avanza con tensión contenida. La intervención final de la guitarra, improvisando en las notas más bajas es muy original, y nos devuelve al principio, dando sentido (circular) al tema. 

Con un comienzo tan rompedor (incluso para el siempre inesperado Marcos Pin), el oyente se queda con hambre de saber de qué va el álbum, y se va encontrando con temas líricos, gozosas improvisaciones de sonoridades acústicas ("This New World"), juegos rítmicos donde guitarra y saxo se divierten al unísono (""We Wed Weed" o "Sat 02 32", donde Castaño aprovecha para salirse de los cánones derivando hacia el free más crudo, baladas de gran belleza como "Sunday's Here" con un Castaño delicado en las líneas melódicas o "A Whole Life", que es todo un solo de guitarra técnicamente perfecto, también baladas no exentas de aventura sonora ("She Left On Tuesday"), virtuosismo en solitario ("Jump On It", cargado de blues), libertad, filosofía cambiante, atmósferas desconcertantes con melodías sugeridas pero nunca concluidas... El final minimalista redondea al álbum volviendo al comienzo ("Redial").

Con un diálogo constante entre los tres instrumentos y solos complejos (especialmente en el saxo, que roba protagonismo a la guitarra en este disco), Marcos Pin rompe una vez más su propio molde y desarrolla en A Week Ahed una narrativa experimental que no le habíamos escuchado antes y donde consigue, pese a lo sorprendente, abarcar un espectro de sonoridades que transmiten emociones, en algunos momentos las emociones de un bebop cercano al free jazz pero emociones, que es de lo que el jazz, al fin y al cabo, se trata. 

* Foto. Rafa Pasadas (www.rafapasadas.com)

* Más info: marcospin.bandcamp.com

NO SOLO JAZZ MODERNO

MARCOS PIN QUINTET, The Door (Spin Pin Mood, 2022)

El guitarrista gallego Marcos Pin sigue componiendo y grabando a un ritmo impensable. A su extrema productividad hay que sumar sus nada despreciables dotes de inspiración. En lo que llevamos de 2022 ha publicado un álbum de standards a dúo con el saxofonista José Nine; un disco a trío (You Waited For it) en el que hace un jazz energético y que se aproxima por momentos al pop y al rock; una grabación muy íntima a dúo con el contrabajista Juan Cañada (4 New Reasons); y algunas cosas más a las que dedicaremos tiempo cuando sea posible. Nos centramos hoy en la escucha de este The Door, grabado a quinteto con Pablo Castaño al saxo, el trombonista Bruno Valle, el contrabajista Juan Cañada y el baterista Dani Domínguez, porque está lleno de melodías sugestivas y una atmósfera de serenidad donde el jazz y el blues flotan para deleite de los músicos y los que tenemos la suerte de escucharlos.

Desde "Awedde", que abre el álbum, esta serenidad es patente. No es una balada sino un tema con un ritmo contenido, muy cool, donde van presentándose los músicos sin prisas. El tema anuncia también que vamos a escuchar algunos de los solos más interesantes que hemos oído últimamente a Marcos Pin. En "A Pronoid", por ejemplo, encontramos un blues tocado con mucha sutileza, casi en voz baja, donde esperamos un solo de guitarra bluesero y, sin embargo, encontramos a un guitarrista que aprovecha este momento para especular con un lirismo y una introspección inesperados. Solo la coda nos recuerda que todo lo que escuchamos viene de una raíz concreta.

Quiero destacar el sonido tan brillante del álbum, cálido y muy abierto, que permite paladear a cada músico en cada tema. Hay uno en particular ("On a Blue Whim"), que funciona como un clásico de hardbop, con solos sucesivos (Castaño, Pin, Cañada, Valle) y que fluye con hipnótica nitidez. 

Los temas están compuestos por Marcos Pin. Dentro de todo este hardbop desacelerado y elegantemente expuesto, hay alguna balada ("Requiem For My Dream"), más lenta, melancólica, con espacio para buenos solos (especialmente el de Bruno Valle) y un "fin de fiesta" lleno de energía ("Waltz for Paco") pero, en general, se escuchan tiempos medios y mucho espacio para los solistas, diálogos, introspección y una modernidad que no huye de las influencias (West Coast, cool, el soul jazz menos apabullante...) porque no solo de jazz moderno vive el hombre.

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* Todos los discos de Marcos Pin: marcospin.bandcamp.com

HARDBOP MODERNO

MARCOS PIN, New One (2020)

En la línea de su excitante Broken Artist (FreeCode, 2016), este New One nos trae una nueva descarga de harbdop moderno en un sexteto liderado por el guitarrista Marcos Pin, incombustible e inquieto como siempre. Desde que presentó su primer trío en Directions (2006), va siempre subiendo el listón a razón de casi un disco por año. De hecho, este es su segundo álbum de 2020, ya que en su What But How fue lanzado en marzo.

Aquí volvemos a escuchar el sonido de Broken Artist, muy cuidado, con armonías placenteras para el oído y el alma, un sonido en esencia hardbop que derrocha arreglos inteligentes, sutileza y espacio para los seis músicos, un trabajo de conjunto que da sentido al sexteto porque permite chorus brillantes y buenas dosis de individualidad, ya que hay espacio para todos, en los temas: son largos y se desarrollan con esa lógica matemática de la música bien escrita.

Foto: Rafa Pasadas (fuente: Facebook)

Un ejemplo de lo que es el estilo de Marcos Pin es "Rita's Eyes", un tema que comienza con una sordina muy cool y que tiene un distendido solo de guitarra que es toda una historia, lleno de elocuencia y con una profunda carga lírica. El solo de saxo, al que pertenece por derecho la segunda parte del tema, continúa con esta línea aportando capas y matices a lo ya expresado por la guitarra. Claro que si uno busca un virtuosismo más espectacular, debe escuchar la velocidad con la que se expresa Pin en "Mountain View", por ejemplo. "Rafa'S Shot" es un tema cálido, a un tempo medio, donde uno solo espera una calidez ambiental sin pretensiones, pero que sorprende por el solo de Marcos, lleno de expresividad y erudición.

No me extenderé. El disco está lleno de momentos para disfrutar con una escucha atenta y llevando el ritmo con el pie. New One persevera en esa vena clásica de Marcos Pin, consolidando su faceta de compositor capaz de escribir temas nuevos que suenan a clásicos y, al mismo tiempo, va más allá. Contiene ese jazz lleno de ideas que suena bien y que eleva las endorfinas del aficionado al jazz.Un paso más en la discografía de un guitarrista (y un compositor) que ya es imprescindible en el panorama actual, 

Me gusta, sobre todo, de New One los solos (abundantes), el derroche de arreglos, especialmente los juegos rítmicos, el elegante uso de la sordina (Javier Pereiro), el compañerismo de los vientos, con sus unísonos (tan hardbop), el brillo constante del piano (tanto acompañando como en los solos) y, sobre todo, esas intervenciones de la guitarra que aportan siempre frescura a los combos, con su sonido que suena natural, como a directo. Disfrútenlo en estos vídeos con ese lujoso sexteto que incluye a Javier Pereiro "GDJazz" (trompeta y fliscorno), Pablo Castaño (saxo alto), Yago Vázquez (piano), Alfonso Calvo (contrabajo) y Miguel Cabana (batería).

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* Web: www.marcospin.com

* Pueden encontrar su discografía en Bandcamp: marcospin.bandcamp.com

UN SEPTETO ATEMPORAL

ALFONSO CALVO SEPTET, Monday Mood 

(Tiny Moon Records, 2019) 

En la misma línea de su anterior See Ahead (Free Code, 2016), el contrabajista y compositor gallego Alfonso Calvo nos trae una nueva colección de temas originales con un sonido calmado, limpio, muy cool y placentero de escuchar, seis enormes composiciones con las que Calvo sorprende y, al mismo tiempo, consigue que suenen familiares al oído del aficionado.


Su septeto está formado por Pablo Castanho (saxo alto y soprano), Diego Alonso (tenor), Xabier "GdJazz" Pereiro (trompeta y fliscorno), Luis Miranda (trombón), Iago Mourinho (piano) y Miguel Cabana (batería) y cuenta también con invitados como Ton Risco (vibráfono y melódica), Pablo Pascual (clarinete bajo) y Paola Kianda (pandeiro), todo un despliegue para sacar partido a unos arreglos que complacerán tanto a los oídos modernos como a los más apegados a la tradición, donde Calvo encuentra referencias claras para hacer un jazz sin prisas, deleitándose en las dinámicas y, sobre todo, en el sonido de los metales y maderas. 

En algunos temas donde el septeto se amplia (con Risco, Pascual y compañía) aumenta la "paleta" de colores del combo y Calvo consigue nuevas atmósferas, más brillantes ("Mary-Go-Round", por ejemplo), sin buscar la espectacularidad: no hay vibratos gratuitos ni grandes unísonos ni abuso de la sección rítmica, por ejemplo, pero sí un uso constante del ritmo como elemento fundamental y, lo que es mejor, mucho espacio para los solistas. 

Sin ánimo de comparar, hay momentos que nos recuerdan a dos referencias personales: por un lado, los arreglos de Calvo me traen a la mente las aportaciones de Gil Evans al jazz de Miles Davis, por sus arreglos brillantes, que buscan una pureza dentro de la complejidad de empastar la diferente tímbrica de todos los instrumentos; por otro lado, y por citar otra referencia que nos viene a los oídos, la manera de sacar partido a los arreglos de Maynard Ferguson con su big band, sin la espectacularidad explosiva del trompetista pero con un resultado igual de excitante.

Monday Mood es el segundo disco como líder de Alfonso Calvo, quien, sin embargo, ha participado en un buen número de formaciones (No Name Quartet, Marcos Pin, Aló Django, Valentín Caamaño Trío, Marcos Teira Trío...), combos en los que siempre hay músicos en común, algo que propicia un interplay orgánico, natural, con esa complicidad de los directos que funciona tan bien y que hace este disco muy recomendable. Lo mejor: dentro de unos años, hagan una escucha a ciegas (antes lo llamaban "blindfold tests") y nadie sabrá decirles a qué época pertenece este álbum. Y esta atemporalidad le augura una larga vida. 

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* Web oficial: www.alfonsocalvo.com

UN CÍRCULO DE ENERGÍA

Arévalo Jazz Fusion Quintet, El círculo del Pájaro (2018)

Nueve años ha tardado el baterista uruguayo afincado en Galicia Carlos Arévalo en presentarnos un nuevo álbum como líder desde aquella enorme formación que era la Urugalega All Stars Band, una suerte de enorme jam session donde el jazz gallego se reunió en torno a la batería de Arévalo. Ahora recoge en este El círculo del Pájaro (ese es su apodo) seis temas intensos donde la percusión pero, sobre todo, la energía es la protagonista. 

Con una formación de viejos conocidos de la escena jazzística gallega (Leo Giannetto a la guitarra, Pablo Castaño al saxo alto, Ale Casquero en los teclados y Diego Pérez al bajo), Arévalo despliega una serie de composiciones que fusionan soul jazz, jazz rock, rock sinfónico, funky, armonías hindúes y algún guiño al folk gallego.

A diferencia de otras músicas y "músicas", la mayoría de los discos de jazz se graban "en directo", es decir, con todos los músicos tocando al mismo tiempo en el mismo espacio. Lo que suele ocurrir con menos frecuencia es que se haga con público presente. La grabación de El Círculo del Pájaro, realizada en los estudios Casa de Tolos con una treintena de personas en el público, es algo poco usual pero la presencia del público parece dotar de una energía distinta a la grabación, donde el soul es intenso y la sinergia del directo empuja a los músicos. Esta dificultad añadida quizás sea lo que da título de la introducción ("Overtura de Tolos-Toma 777"), un tema que comienza conteniendo la energía con una intro muy de rock sinfónico y que estalla con un estribillo muy soul, hardbop fusionado con la energía del jazz rock. 

Con la inteligente idea de dotar al público de auriculares para que reciban todas las pistas de la grabación, curiosamente (se aprecia en el vídeo, que está disponible en la plataforma Tolemias TV) los músicos también están dispuestos en círculo, algo que da nombre al álbum pero que también sirve para una mejor interplay. La comunicación es esencial en el jazz. Como decía Marsalis en uno de sus libros, el jazz es un arte que obliga a escuchar al otro. 

Detrás de su impresionante batería Eagle Joe Bass de color verde, Carlos Arévalo es un baterista todoterreno que ha tocado con grupos de jazz (Noroeste, Leo Giannetto's Jazz Project) y de rock (Cucharada, Karma, Laser) a lo largo de su dilatada carrera. Tiene una energía contagiosa cuando domina el ritmo, arrastra e incluso cuando contiene el tempo con maestría. Es un placer escuchar cómo maneja los platos con las baquetas con la misma delicadeza que si fueran escobillas. Su sentido del funk es ciertamente contagioso, pero también resulta muy interesante en blues poderosos como "Blues to Cool" (un tema que alterna conceptos modernos de jazz y la tradición del blues) o experimentos de fusión con músicas del mundo como "Takitithá", donde realiza una potentísima intro valiéndose de percusión hindú que, acompañada de la voz, resulta un concepto puramente jazzístico. El tema, funky y juguetón, incorpora armonías folklóricas de acento gallego en una fusión apoteósica con un Carlos Arévalo camaleónico y en la cresta de la ola. 

Mención aparte merecen los solos del álbum. El mejor tema del disco es, sin duda, "Caminantes", un tema con un groove tremendo donde los solos se suceden en un crescendo fabuloso, comenzando por el de Leo Giannetto, realmente intenso. Le sigue un solo frenético de Diego Pérez al bajo, una intervención llena de soul de Ale Casquero al órgano y un potente y último solo del polivalente Pablo Castaño.

Un disco intenso, sin post-producción, afirman, para disfrutar en directo, aunque sea vía streaming.

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* Foto: Chema Ríos.

A-LA-LÁA LAND

PABLO CASTAÑO QUARTET, A-la-láa (aCentral Folque, 2018)

En su primer disco como líder tras más de 20 como sideman, el saxofonista gallego Pablo Castaño presenta una colección de temas originales inspirados en los cantos tradicionales del norte de Galicia, influencias que pueden pasar desapercibidas para los que no conocemos estas músicas ancestrales ni sus patrones rítmicos o armónicos porque consigue integrarlos completamente en el esquema jazzístico. Sólo los dos temas donde aparece la cantante Ugia Pedreira delatan al profano el origen conceptual de los temas. Influencias. Pablo Castaño ha escrito en A-la-láa un gran blues a la tierra gallega.

Dentro de la rica tradición musical de Galicia, el alalá es un canto montañés a cappella al que se supone un origen ancestral, quizás en el gregoriano. El alalá suele tener un estribillo onomatopéyico, del tipo "a-la-lá" o "a-la-lei", un canto libre que enlaza de manera paralela con la filosofía del jazz y más directamente con el sentimiento lastimero del blues. Ese punto en común con el jazz lo explica muy bien este artículo en el blog de los Asociación Amigos de la Gaita Gallega en Extremadura: "El alalá es arrítmico, por lo que, aunque han sido muchas las recopilaciones de alalás en los diversos cancioneros, lo cierto es que recogen la versión de esa persona en ese mismo momento".

Con este enfoque, Pablo Castaño construye una decena de temas que van desde el blues pasando por el hardbop, cool jazz, blues... hasta baladas intimistas.

Tanto las composiciones del guitarrista Marcos Pin, que ha escrito una suite en tres movimientos titulada Dia de Seitura especialmente para este disco, como las de Castaño han utilizado como base para sus composiciones en clave de jazz los documentos recopilados por folkloristas (el disco incluye información muy concreta sobre el tema), aunque también hay algún estándar; por ejemplo, "Shiny Stockings" de Frank Foster se mezcla con el "Alalá do Pindo", recogido por Casto Sampedro en 1892, para construir un contrafact delicioso, una balada desnuda (piano y saxo) y con mucho swing en la que el pianista Yago Vázquez establece un diálogo lleno de buenas frases con el saxo de Castaño, mostrando ambos una gran riqueza expresiva. "Castaño in Brown" es un caso aparte, un tema para cuarteto inspirado en el bop cálido de Clifford Brown.

El cuarteto lo completan el contrabajista argentino Demian Cabaud y el baterista Iago Fernández.

Mención aparte en este maridaje merece la cantautora Ugía Pedreira, ahora directora del Centro Galego de Música Popular, cuya intervención pone el punto claramente folk en los temas "Alalá do vento" y "Alalá da estrela e da lúa". Su voz aporta una dimensión altamente emocional que enlaza, como decíamos más arriba, con la misma esencia del blues, dos músicas que pueden considerarse himnos de la tristeza, lamentos anclados a una dimensión racial, profunda.

Para los profanos, los temas del álbum de Pablo Castaño pasarán por temas originales de jazz; para los musicólogos, supone una maravillosa vuelta de tuerca al concepto mestizo del jazz y también a la música tradicional, un nuevo ejemplo de la siempre proactiva e interesante escena jazzística de Galicia, la Tierra de los Alalás (disculpen el título fácil de este artículo) que merece la pena escuchar. 

Les dejo otro ejemplo para que juzguen por sí mismos. Que lo disfruten.

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* Web: www.folque.com

ALFONSO CALVO SEPTET

Al ritmo de las olas

Dos saxos, trompeta y trombón, sección rítmica con piano. El septeto siempre me ha parecido una big band en tamaño reducido, con todas las posibilidades de su expresividad y la comodidad de tener más espacio para los solos. El contrabajista Alfonso Calvo nos trae en Sea Ahead (Free Code Jazz Records, 2016) un septeto brillante y sin estridencias, en la línea del hardbop pero con intenciones narrativas sosegadas e interesantes.

El disco abre con un brillante y aparentemente introspectivo tema (titulado igual que el álbum) que fluye alrededor de la rítmica expresividad del vibráfono (Ton Risco, que suma aquí como octeto), un tema en el que ya se aprecian las armonías hardbop que dan sentido al septeto y que contiene unas líneas de saxo probablemente no improvisadas, pero muy agresivas, una manifestación de que las melodías son efectivas, pegadizas, pero no complacientes.

Alfonso Calvo es un contrabajista de Santiago de Compostela (no para de llegar buen jazz desde Galicia), alumno de, entre otros, Kin García y Xacobe Martínez, que terminó sus estudios en el Conservatorio Superior de Santiago, Master por la Esmuc... y que demuestra un estilo sobrio y delicado, elegante, muy de escuela, donde sólo se echa en falta (por poner alguna falta a este disco brillante) cierta rudeza o rebeldía propia del bop. Pero esto, como sabemos todos, se aprecia mejor en el directo que en el esmero del estudio, por lo que espero tener la oportunidad de escucharles en vivo, recomendación que les extiendo a ustedes (aunque sea en Youtube).

Las composiciones tienen esta cualidad. Están muy bien arregladas y, como dije antes, el septeto permite más espacio para los solistas que una big band, donde, por ejemplo, es menos habitual escuchar un solo de trombón. Aquí escuchamos uno muy expresivo en "The Stolen Key", a cargo de Bruno Valle, que responde al chorus tras el solo de piano (el infalible Iago Mouriño) con energía contenida y cierta lírica, para poner el clímax que conduce al final del tema.

También la elegancia de los saxos es soberbia. Al Pablo Castaño, (alto) y a Xose Lois Miguélez los habíamos escuchado en otras formaciones (Marcos Pin, Factor E-Reset, Organic Collective), y aquí demuestran un tema tras otro que funcionan muy bien juntos. Suenan muy complementados con la trompeta (Rubén Salvador, también en la flauta en algunos temas).

En la base rítmica, además de la pericia de Naíma Acuña, está el propio Alfonso Calvo, dirigiendo al combo sin pretensiones de protagonismo (salvo la delicada introducción de contrabajo de "En dous pasos"), porque, en el fondo, como compositor lleva la batuta y como bajista lleva el ritmo. 

El álbum termina con un evocador "Come Spring" donde el ritmo se vuelve decadente por momentos, anunciando el final, pero con unas armonías bellísimas que dejan buen sabor de boca.

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* El álbum está en Bandcamp: https://alfonsocalvo.bandcamp.com/album/sea-ahead

** Web: alfonsocalvomendez.wixsite.com/alfonsocalvo/info

*** Foto: Rafa Pasadas. 

Descubre los relatos de JAZZ de Félix Amador en

RAFA FERNÁNDEZ QUINTETO

(Freecode Jazz Records, 2013)

Las etiquetas son, a menudo, engañosas. Por eso, si decimos que el de Rafa Fernández es el disco de un guitarrista faltaríamos de alguna manera a la verdad. Este noiés, compositor y educador, lidera un álbum de quinteto en el que cada elemento tiene un peso específico: todos los temas están diseñados como una conversación constante entre saxo y guitarra, con algunas excepciones en las que el piano eléctrico roba cierto "protagonismo". Si, por otro lado, pusiéramos al álbum la etiqueta de hardbop, pecaríamos de imprecisos porque las composiciones de Rafa Fernández son herederas de muchas otras tradiciones. Quizás acertáramos al hablar de un hardbop moderno y evolucionado, pasado por el tamiz del lirismo, con la inspiración de un encuentro imaginario entre Bill Evans y Kenny Burrell, pero son sólo intentos vanos de definir lo indefinible: el jazz.

En el piano eléctrico Rhodes está Álex Salgueiro, muy eficaz y contenido, tanto en los solos como en el acompañamiento. La base rítmica son Max Gómez (Factor E-Reset) en la batería y el omnipresente y siempre rítmicamente sólido Xacobe Martínez Antelo. En el saxo alto, enérgico en los temas más clásicos ("Tanoninos"), delicado en las baladas ("Oniap") y bluesy en "Coscos e cimóns", está Pablo Castaño. El quinto miembro, como un sideman más, cediendo protagonismo a los otros músicos, es Rafa Fernández, profesor en Musikartis y discípulo de Marcos Pin, Greg Ruggiero y Paco Charlín entre otros, compositor de todos los temas, un músico al que hay que añadir a nuestra lista de guitarristas gallegos. 

El lirismo denota cierto cariz sentimental en el primer disco que graba a su nombre, cariz que aparece rotulado en los títulos de los temas, que hacen referencia a lugares cercanos ("Rio Mao", "Cospeito") o a personas cercanas ("Tio Oli", "Uxia", "Paquiño"). Pero nuestro tema favorito es "Rio Mao", donde la guitarra asume por fin su liderazgo y se imbuye del espíritu de sus antepasadas: en "Rio Mao" podemos escuchar en fraseos que son como de cuentagotas destellos lejanos de la elegancia de la guitarra de Kenny Burrell y rítmicas que podrían venir de Wes Montgomery, lo que, a su vez, implica cierta herencia de Charlie Christian... todo ello comprimido en un tema de corte moderno y absolutamente adictivo.

Otro de los temas que no nos gustaría dejar de destacar es la hipnotizante balada "Uxia", donde saxo alto, piano y guitarra, sucesivamente, arrastran al oyente a un universo íntimo de ritmo contenido y un abanico de sonoridades indescriptibles. 

Por resumir, diremos que el primer disco de Rafa Fernández Quinteto suena como nos gustaría que sonaran todos los discos de jazz modernos, sin excentricidades ni experimentos, sólidos y fáciles de escuchar, con buenos músicos y composiciones inspiradas, eso que Cortázar definía como "temas que se iban abriendo y multiplican do como un follaje de árbol".

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* Freecode Jazz Records: www.freecodejazzrecords.com