ZURIAREN GAINEAN BELTZA

MIKEL GAZTELURRUTIA TRIO, Black on White 
(Errabal Jazz, 2024)

No hay introducción. El disco entra a saco con el tema. La sección rítmica a tope y unos acordes para que el piano presente la melodía. El pianista es Mikel Gaztelurrutia y este ritmo, este derroche de notas y energía es su declaración de intenciones, una necesidad de plasmar todo lo que desborda su creatividad. Sin miedo. Su flamante Black on White es un crisol personal de influencias de jazz europeo y americano. 


Mikel Gaztelurrutia es un pianista nacido en Éibar que se formó en el Conservatorio Superior de Barcelona y posteriormente en piano de jazz en el Taller de Musics. Docente, compositor, arreglista y director, ha creado proyectos como The New Jazz Voices Ensemble, YO! y Brazilian Sextet. Black on White es su tercer disco a trío. Le acompañan en este trío Javier Callén al contrabajo y Aritza Castro a la batería. Javier Callén hace un tour de force en el contrabajo en "Night Hunter" (donde Gaztelurrutia pone un contrapunto sutil con el Rhodes) y tiene un papel protagonista en el hipnótico riff de "Tea in the Sahara" (Sting), donde el piano dota a la melodía original de una belleza sincopada e inesperada. Gaztelurrutia ya adaptó otro tema de Sting en su anterior trabajo The New Jazz Voices Ensamble, donde también versionaba a otro icono pop, Stevie Wonder, y a clásicos como Ellington y Gershwin.


El repertorio del disco es eléctico e imprevisible. Nos encontramos temas como "Moon Flower", y "Doors", composiciones de atmósfera especulativa sobre las que se dibujan apenas melodías bellas y complejas; juegos llenos de color donde se pasa el ritmo de una mano a la otra ("Roadless Travel") y también temas delicados y brillantes como "Nana para un adulto" o el final del álbum, a piano solo, "Parentesi".

Black on White es un disco con una voz muy personal, plagado de influencias pero de una manera sutil, perfecto quienes no habíamos reparado aún en Mikel Gaztelurrutia. 



* Más info: https://hotsak.eus/es/product/black-on-white/

UNA BÚSQUEDA Y UN HALLAZGO

PEDRO MOLINA, À procura (Porta-Jazz, 2024)

 

El contrabajista Pedro Molina es un músico murciano afincado en Oporto, donde se licenció en la ESMAE. Con una percepción personal del jazz como caleidoscopio, mezcla los ritmos negros con el rock, el pop y el free en su disco À procura, grabado el 28 de agosto de 2023 en el Centro de Alto Rendimiento Artístico de Matosinhos (Portugal) como fruto de un proyecto escénico que lleva paseando desde 2022 por los festivales de Loulé, Murcia, Criajazz, Out Jazz, Seixal Jazz o Guimarães Jazz. El cuarteto, premiado en 2023 como ‘Mejor banda’ en el 3º Concurso Internacional de Jazz de la Universidad de Aveiro, está formado por músicos emergentes de la escena portuguesa: Miguel Meirinhos (piano), Filipe Dias (guitarra) y Gonçalo Ribeiro (batería). 

Siete composiciones originales y muy personales donde Pedro Molina explora los caminos del jazz a partir de su propia percepción musical, guiándose por las direcciones que toman los temas con el interplay del cuarteto; composiciones que ha creado, como buen artista, de su observación del arte y del mundo, de los lugares y de las emociones, 

Crea un lenguaje propio, mestizo, donde fusiona sus influencias con sus objetivos, y su música con la personalidad de sus músicos, que se perciben libres en las continuas improvisaciones colectivas, encontramos temas que van de la fusión sin etiquetas a la especulación más libre. En el primer tema ("Reflexiones tardías") ya nos anuncia que, aunque sobrepasando las fronteras, su intención es emocionar. Su delicioso solo al contrabajo, introspectivo, casi poético, que desemboca en un momento intenso con todo el cuarteto, es perfecto. Él lleva la introducción del siguiente tema ("F(...)F"), plagado de solos especulativos (piano, guitarra...). 

Esta es la tónica del disco: la de un músico que ha encontrado su propia voz y, que, como compositor, consigue hacer brillar y poner en valor a un instrumento tan raramente protagonista como es el contrabajo. Además, sabe dar espacio a su cuarteto para improvisar y expresarse, tanto en los temas más rítmicos ("A salto de mata") como en los momentos más libres y disonantes ("Calma") o en los más líricos ("Não Há Nada a Fazer?").

Un disco recomendable y un músico que esperamos ver pronto en directo por España.


UN VIAJE INTERIOR (Y MODAL)

RAMIRO ZAYAS, Parte del viaje (Club del disco, 2024)

Entrar en Parte del viaje es entrar en un mundo de introspección donde las armonías sugieren historias por contar. El autor de este viaje es el compositor y pianista argentino Ramiro Zayas. Su propósito en su segundo álbum es narrar un viaje interior que trata del cambio y de las partes de uno que quedan cuando nos movemos, según cuenta. Y lo hace con siete composiciones originales, muy buenos músicos y mucha improvisación modal. 

Grabado en Basilea (Suiza) y mezclado en Buenos Aires (Argentina), el disco contiene temas compouestos por Zayas entre 2019 y 2022, temas pulidos a lo largo de conciertos y más conciertos por diferentes músicos y formaciones, provocando una evolución lógica, orgánica, hasta que llega el momento de grabar.

"Fiel a esta narrativa en evolución, decidí convocar a amigos nuevos y antiguos que refrescaron y aportaron una nueva visión a los temas, permitiendo la experimentación con diferentes instrumentaciones: Josh Schofield, Sebastian Greschuk, Yossi Itskovich, Joseph Bijon y Michał Skwierczyński", afirma Zayas.
Los músicos que acompañan al pianista en este disco son Isak Ingvarsson (saxo tenor), Lisa Hoppe (bajo) y Leo Gerstner (tbatería); pero, fiel a su objetivo de mostrar el cambio, utiliza a otros músicos según el tema (Josh Schofield al saxo alto, el trompetista Sebastian Greschuk, a la trompeta y fliscorno, el trombonista Yossi Itskovich y los guitarristas Joseph Bijon y Michał Skwierczyński, lo que produce un efecto caleidoscópico en el disco porque el sonido, como el grupo, cambia casi en cada tema. 

Temas hay muy interesantes en el álbum, como el que abre el disco, con su hipnótico riff de contrabajo (Hoppe), que da paso a un tema especulativo con un protagonismo especial del saxo alto y la guitarra, con el piano en segundo plano; el intimista "Winter Tales", también con el contrabajo de protagonista y con su sincopado solo de piano; o la grabación que cierra el disco, que suena como un homenaje a Duke Ellington, con formato de septeto y sinuosas orquestaciones que recuerdan a las suites del Duque (dentro de la modernidad, por supuesto). Pero, de todo el repertorio, habría que destacar el delicado discurso de Zayas al piano en "Circle Song", con sus cambios de ritmo y sus progresiones de acordes jugando con una melodía bellísima apoyándose solo en la sección rítmica (Hoppe y Gerstner) para después dar un paso atrás y acompañar sutilmente el breve solo de Ingvarsson al tenor. El juego vuelve a empezar y el discurso del piano continúa más complejo aún, para dar paso de nuevo al tenor... Algunos aires argentinos se dejan sentir en la melodía, redondeando el tema, que termina con una serena coda.


Ramiro Zayas es un joven compositor y pianista argentino. Dirige el ensemble Collector y forma parte del trío argentino-finlandés Narat. Parte del viaje es su segundo disco como líder tras Rio interior de 2019. Ha grabado este proyecto tras algunos años moviéndose por la escena musical de Berlín, un disco más que recomendable por su manera de utilizar los nuevos lenguajes del jazz sin artificios. 




The Danish connection of JEFF 'TAIN' WATTS

WINTHER | ANDERSSON | WATTS, Waw! 
(Hobby Horse Records, 2024) 

Sobra comentar quién es Jeff 'Tain' Watts. Baterista de Michael Brecker, Conrad Herwig, Stanley Jordan, Alice Coltrane, McCoy Tyner... entre otros muchos; y líder en una decena de discos. Este año lo encontramos grabando con dos músicos daneses, el pianista Carl Winther y el contrabajista Richard Andersson, al que escuchamos hace poco con su trío NOR. La historia de esta grabación se remonta a 2008, cuando Jeff 'Tain' Watts acudió a un workshop en Dinamarca, donde recibió invitaciones para participar en varios proyectos. El resultado de la sinergia surgida entre Winther, Andersson y Watts durante una serie de conciertos en 2023 es este disco grabado en agosto del año pasado en The Village Recording de Copenhague. 

El álbum, titulado Waw! con las iniciales de los tres músicos, comienza a todo gas, con un groove tremendo de bajo y batería y un piano que se lleva todo por delante, improvisando con progresiones fantásticas. Al solo enorme de Winther le sigue un solo de contrabajo delicado pero también a buen tempo, como solía decir Cifu cuando algo llevaba uptempo. El juego final de llamada y respuesta con la batería es una mirada a la tradición que no desentona con el estilo europeo de Winthter al piano en temas tan bellos como "Requien for JW" o en la balada "My Old Flame", tan llena de melancolías.


Winther está brillante llevando la melodía e improvisando en "Manhattan", un tema lleno de energía y vitalidad donde la mano derecha busca notas altas y encuentra un sonido luminoso y rítmicamente adictivo. Anderssson está enorme con su ritmo obstinado y Watts preciso y sutil al mismo tiempo, algo difícil en un batería con tanto poder. Magnífico tema, lleno de tensión, como "Deconstructing Mr X", que también se resuelve de una manera elegante. 

Todos los temas excepto "My Old Flame" (Arthur Johnston) están compuestos por Carl Winther, con una interesante escritura y mucho espacio para la improvisación, lo que hace que haya muchos solos de todos los músicos. 

Un disco recomendable por su sonido que aúna tradición americana y modernismo europeo, por conocer a un pianista tan ágil como Carl Winther, por ofrecernos otra faceta de un bajista tan expresivo como Andersson, con tanto que decir, y por constatar que Jeff 'Tain' Watts sigue tan energético como siempre.




* Más info en la web de Richard Andersson: www.richardandersson.dk

MOMENTO

MOVE, Momentum (Underpool, 2024)

Momento es en física, simplificando mucho, la medida de una masa en movimiento. Momentum es el impulso de cuatro viejos conocidos como son el pianista Iñigo Ruiz de Gordejuela, Alberto Arteta (saxos tenor y soprano), Javier Callén (contrabajo) y Borja Barrueta (batería). Esta es su segunda grabación como cuarteto bajo el nombre de Move (otra vez movimiento). Su propuesta es un jazz moderno ajeno a etiquetas que les permite una gran libertad estética (los temas evolucionan dentro de sí mismos para llegar a puntos insospechados) y con la solvencia que da la experiencia y el interplay de la convivencia. 

El disco, grabado y mezclado por Josué Pascual en los estudios Etxea de Areatza los días 8 y 9 de diciembre de 2023, repasa una serie de temas donde la emoción guía a las estructuras. Temas sin prisas, con melodías sugeridas, ("Choose Your Struggle"), bellas ("Consenso")...

Íñigo Ruiz de Gordejuela, a quien ya escuchamos en otras formaciones también de inspiración lírica, como Urjauzia, tiene algunos solos a los que prestar atención, no tanto por lo espectacular como por la sensibilidad con que los desarrolla. Alberto Arteta, por su parte, sigue demostrando que tiene una voz propia, especialmente en el saxo soprano. Ellos llevan la voz cantante de un cuarteto en el que el ritmo, cambiante, expresivo y protagonista, hace que fluya el jazz con naturalidad ("Yes I Did", compuesto por Callén), pero usando también el ritmo para recrear atmósferas novedosas ("Twilight", "Healing Song") y, en ocasiones, intensas, casi narrativas ("Pirámides"). También hay momentos más clásicos de solo de saxo sobre walking bass ("In Motion", con Callén y Arteta perfectos, y Barrueta y Ruiz dando la réplica), pero no es la norma.

En resumen, un disco moderno, con músicos consolidados en busca de una definición personal de la belleza, ambientes relajados y una gran capacidad para el interplay que hace que las composiciones fluyan con sinceridad. Modernidad y naturalidad en una sola toma.



* Más info: www.underpool.org/releases/momentum/

MADURO DEBUT

SOL JANG TRIO, 19-29 (Unit Records, 2024)

La pianista Sol Jang es uno de esos descubri-mientos musicales que te alegran el día. Su estilo componiendo y tocando mezcla la belleza con el swing, y lo hace con naturalidad y delicadeza. Se mueve por armonías del jazz tradicional con una sonoridad contemporánea, amparada por una sección rítmica muy sólida para crear esos paisajes sonoros tan líricos de su disco de debut, titulado 19-29, resumiendo (musical-mente) una década de su vida, la que va de los 19 a los 29. 

Sol Jang es una pianista surcoreana que muestra una gran habilidad para componer melodías (casi) sensoriales y para improvisar con estilo. Ganó el premio del festival Women In Jazz 2024 y ha sido finalista en competiciones como 7 Jazz Club Competition, Riga Jazz Stages 2019 y Sibiu Jazz Competition 2018. Empezó a tocar el piano a los cinco años y tras pasar un año por la universidad descubrió su amor por el jazz. Estudió en Filadelfia y finalmente se afincó en los Países Bajos, donde completó un máster y ejerce como educadora. Allí formó su trío, con Jort Terwijn al contrabajo y Max Hering en la batería. Han tocado por Europa, Estados Unidos y Corea del Sur. El trío ha recibido el premio de Jazz de la ciudad de Halle (Alemania) por este álbum.

19.29 contiene ocho composiciones originales y dos improvisaciones. Pasando del minimalismo a la tradición con apasionada fluidez, inteligentes progresiones de acordes, mensajes telefónicos y mucha inspiración, el álbum discurre por una narrativa clara, de voz original, donde la pianista cuenta una historia de identidad y cultura, además de pasión por la música.


El álbum comienza con una evocadora "Intro" donde recrea una atmósfera cálida y sensible donde flotan mensajes telefónicos que aportan una clara nostalgia. "Arnhem" es un tema lírico donde toca variaciones sobre una melodía muy bella, a la que apoya y contesta la mano izquierda de una manera perfecta. Terwijn le da la réplica con un solo tenue como una conversación en voz baja. En "Subway in Seoul" la sección rítmica recrea el estrés de la vida agitada de la ciudad con un tempo obstinado mientras Jang juega con progresiones de acordes aportando drama a la narrativa del tema. El disco continúa con distintos enfoques del trío de piano, pasando por juegos de virtuosismo ("Philadelphia") a todo ritmo (qué preciso el dúo Terwijn-Herin), interludios donde improvisa sobre grabaciones de sonido con voz ("a friend", "My Father") y composiciones donde el tiempo parece detenerse ("19 days"), todo interpretado con una solvencia y una gran originalidad. El tema que cierra el disco es una balada tan bella que duele que en ciertos momentos suba de intensidad y tensión...

19-29 es un magnífico disco de presentación. Sol Jang muestra un sonido sorprendentemente maduro para un disco de debut y esperamos que solo sea el comienzo de una gran carrera. Muy recomendable.

 

* Web oficial: soljang.com

* Info del disco: unitrecords.com/backstage/sol-jang-trio

JAZZ MITOLÓGICO

XABI OLKOZ 4et, Eguzkilore (Errabal Jazz, 2024)

No nos cansamos de afirmar que el jazz, que nació de la mezcla de folkores africanos y españoles, ambos importados a la América caribeña y luego a la del norte  (la evolución es mucho más compleja, pero valga el resumen) se fusiona sin complejos con cualquier música tradicional de cualquier parte del mundo (flamenco, klezmer, tango... la lista es interminable). El baterista y compositor Xabi Olkoz lo sabe y juega con esta premisa en su primer trabajo como líder, Eguzkilore, donde "escenifica" historias de la mitología navarra a ritmo de un jazz con elementos de música tradicional, zorcicos y una estructura narrativa.

Xabi Olkoz es un músico navarro nacido en Tafalla que lleva tiempo sobre los escenarios, trabajando a la sombra de músicos de jazz (David Pastor) y pop. En este álbum le acompañan el pianista Bernardo San Martin, el saxofonista Jon Zufiaurre (Iseo & Dodosound, Tafajazz) y el contrabajista Jorge Sánchez (Alana Sweetwater, Jason Kipe). Con estos músicos, Olkoz se inspira en la flor eguzkilore, una planta perenne que se considera protectora del hogar, ya que, según la leyenda, los espíritus malignos no pueden entrar hasta contar el número de sus incontables hojas...

Desde el arranque del primer tema del álbum, con ese piano dramático y misterioso, notamos que estamos ante un disco que cuenta una historia. A lo largo de los 7 temas vamos conociendo a 7 seres mitológicos que, como en todas las leyendas, conformar el mundo. "Gaueko", personificación de los númenes y espíritus malignos nocturnos, es presentado con un tema oscuro, con un discurso especulativo del saxo y los instrumentos rítmicos. "Mari", la diosa protectora, nos llega a través del saxo con una melodía tradicional que se transforma en jazz en el solo de piano. Después aparece "Ilargi", personificación de la luna, que aporta cierta luz en un tema a tempo medio marcado por una batería inquieta, optimista, y momentos líricos como el solo de contrabajo. 



También encontramos temas llenos de energía como "Ekhi", un tema sobre la hija de Mari que creó la luz y el día, lo que se traduce en un tema vertiginoso con la sección rítmica al 100% acompañando a un saxo absolutamente adictivo que deja paso a un solo de piano y, finalmente, a un vibrante solo de batería; jazz en estado puro que es una excepción en este disco lleno de fusiones. "Amalur", la Madre Tierra, cuenta su historia con una melodía de aires latinos, con una percusión juguetona y seductora, un saxo que hace el tema cantable y un solo de piano energético (aunque nos ha seducido más el de "Eguzkilore", con sus cambios de ritmo y su juego durante el solo de batería). Como toda mitología, el disco termina con un final feliz: el mundo tal como lo conocemos, con la vida separada entre día y noche, final narrado por el saxo de Zufiaurre con un discurso de inspiración folk que dialoga con el contrabajo, que tiene un solo lírico, profundo, casi de guitarra, contestado por el piano... para terminar en una explosión rítmica donde la batería lleva al cuarteto a un final festivo.

Resumiendo, Xabi Olkoz ha grabado en su primer trabajo como líder un disco singular, lleno de matices y significados, donde podemos escuchar a un cuarteto de jazz bien armado, composiciones con buenos momentos y musicalmente brillantes. No se puede pedir mejor carta de presentación.





 Más info: https://hotsak.eus/es/artistas/xabi-olkoz-4et/

JAZZ DE IDA Y VUELTA

BRUNA SONORA, Ritual (2022)

Músico, compositor e investigador de caminos poco trillados, Javier Bruna es uno de esos espíritus musicales que nos seducen porque son imposibles de encasillar. Su música está tan llena de referencias y sus trabajos tocan (directa o tangencial-mente) tantas estéticas que el oyente se siente a veces desbordado. No lo escuchábamos desde su Tarareando de 2018, donde ponía cara a cara temas tradicionales españoles con ritmos de jazz, klezmer, bereberes... en un fabuloso cóctel (agitado, no mezclado) que llevó posteriormente a otro terreno en este disco titulado Ritual, grabado en 2021, donde predominan las referencias cubanas... con muchas sorpresas.

Unos acordes a ritmo de reggae dan paso al primer tema del disco. Primera sorpresa: una melodía tradicional navarra tocada con ritmo caribeño, cantada en vascuence y portugués, y con improvisaciones jazzísticas. A partir de aquí, cualquier cosa puede pasar. Y pasa. Javier Bruna vuelve a componer sobre melodías tradicionales llevándolas a un terreno universal donde la improvisación y el swing hacen que todo suene coherente, y lo hace con tal sutileza que el disco suena homogéneo a lo largo de todo el repertorio, a pesar de las fusiones y de lo inesperado.

El tema que más nos ha fascinado es "Ritual", tema que nace de la admiración de Bruna por Manuel de Falla y su Amor brujo, inspiración que llega del mismo modo que a los compositores americanos de jazz, que han buscado siempre referencias en sus musicales y sus bandas sonoras (a falta de unos compositores clásicos autóctonos). Sus arreglos nos llevan a Cuba, a la bossa y al swing; su melodía, al folk español y a principios del siglo XX, con algún pasaje que nos lleva mentalmente a Gershwin...

Pero la mayoría de los temas serían dignos de un análisis detallado. Más anclado en el jazz está "Jamal", aunque no exento de referencias a la música brasileña, entre otras. "El tablao de Cuba" afronta ritmos cubanos con una sección de vientos fantástica y un brillante protagonismo de la flauta. "Las chinitas de Jaén" funde dos temas populares ("Café de Chinitas" y "Las morillas de Jaén") a ritmo de bulería y swing. Y con un potente solo de saxo. "Cero" también tiene un interesante solo de saxo, que aquí tontea con giros flamencos con solvencia y con notas emocionantes. El tema que cierra el disco es "Serendipia Connection", un tema polirrítmico dominado por el sonido big band, un contrabajo poderoso ... y más solos de saxo.

En resumen, Bruna Sonora nos lleva en Ritual a un lado y a otro del Atlántico con la sutileza de un buen solo, mezclando culturas siguiendo la filosofía primigenia del jazz pero con la originalidad de fusionar lo ibérico con lo cubano y que suene (casi) neoyorquino.

Los músicos: Javier Bruna (saxo tenor y flauta), Bea Montero (piano y voz), Victor Bruna (flauta travesera), Carlos Blázquez (clarinete), Juan Ramón Callejas (saxo alto), Jordi Ballarín (saxo barítono), Diego Aragón Antonio García (trompetas), Luis Zenner Nico García (trombones), Gerardo Ramos (contrabajo), Matías López (percusión) y Chuchi Crespo (batería). 

 


* Web: www.javierbruna.com

VIRTUOSISMO Y COLOR

FERNANDO BROX, From Within (Fresh Sound, 2024)

Fernando Brox
pertenece a esa rara especie de flautistas de jazz capaces de armar un discurso sólido y fluido, adictivo. En su cuarto disco como líder, presenta 8 composiciones propias grabadas en el Jazz Campus Reggie 1 Studio de Basilea (Suiza) en noviembre 2023. Con mucha improvisación, interacción continua con la sección rítmica y diálogos con el piano y la guitarra, un álbum tan heterogéneo como sorprendente.


El disco se inicia con "Kuku", un tema intenso, lleno de energía, donde Brox deja claro su estilo heterogéneo cargado de influencias, desde el swing a giros flamencos, perspectiva moderna y largos fraseos de quien tiene mucho que decir. Toda una declaración de intenciones. 

Pero en el disco también encontramos temas meditativos donde se expone a otro tipo de melodías, como "Si no fueras solo un sueño" o "Kalahari", donde la flauta se presta a interesantes juegos con la guitarra. Los aires latinos ("Blue Clouds"), las palmas flamencas ("Satanic Affair") o la rumba que cierra el disco ("Rumba Pa Ti") contribuyen a conformar un caleidoscopio donde parece que Brox quiere darlo todo, no dejar ningún recurso sin usar. Visto en conjunto, el álbum está lleno de improvisaciones, sorpresas, armonías complejas y mucho, mucho color. 




De resto del repertorio nos quedamos con "The Bagpiper", uno de esos temas totales, donde todo el quinteto brilla en solos o en conjunto. Sobresale el protagonismo inicial de la guitarra (Wilfred Wilde), con un discurso sincopado y expresivo, al que sigue un intenso solo de piano (Iannis Obiols) cargado de energía. Mientras la sección rítmica (Nadav Erlich al contrabajo y Iago Fernández en la batería) avanza a todo tren, sin dar descanso, Brox asume su solo, muy colorido, que lleva el tema a un pasaje especulativo y tenso para terminar en una coda perfecta. 




A Fernando Brox (Málaga, 1988) le habíamos escuchado acompañando a músicos muy interesantes (Ernesto Aurignac Enrique Oliver, Julián Sánchez, Juan Galiardo, Javier Galiana. oracio Fumero, Perico Sambeat, Jorge Rossy...). Formado en el Conservatorio de Málaga y en el ESEM Taller de Musics, ha grabado tres discos como líder y ha obtenido premios como el de Mejor Solista (con Daniel Torres Quintet en el Concurso del Portón del Jazz 2017) y Mejor Solista en el concurso internacional Johnny Raducanu (Braila, Rumanía). From Whitin es un paso adelante que afianza su carrera como músico, improvisador y compositor. 




ROMPER EL PROPIO MOLDE

MARCOS PIN TRÍO, A Week Ahead (2024)

Marcos Pin no es solo uno de nuestros guitarristas favoritos sino también un compositor inquieto y nada complaciente que mira siempre más allá, disco a disco. Su versatilidad le permite publicar álbumes de puro hardbop (Broken Artist, de 2016), llenos de fusiones (The Door o You Waited For It, ambos de 2022) o líricos e intimistas como Óstraka (2019), inspirado en un poemario de Luis Valle... pasando por experimentos en discos a dúo, cuartetos con cuatro guitarras o formatos grandes (como los diez músicos de Factor E-Reset), donde sus partituras muestran un mensaje diferente. Esta exuberancia creativa le obliga a veces a firmar con seudónimo (suele ser Marcos Stilton en algunos discos). Pues bien, toda esta versatilidad se amalgama en su nuevo álbum a trío, A Week Ahead, en el que encontramos desde momentos líricos hasta experimentaciones de todo tipo (atonalidad, free, juegos de ritmos inusuales...).

Estas composiciones acompañan la historia de alguien que emprende la difícil tarea de sacar un trabajo creativo semanalmente, dice en las notas del álbum.

Estructurado conceptualmente siguiendo los días de la semana, el álbum comienza con una intro lacónica y e intimista de Marcos, que se apoya en una percusión sutil (Sergio González). Todo sugiere  un discurso único pero el saxo (Pablo Castaño) irrumpe con su propio mensaje y el tema, minimalista, nos traslada a una atmósfera donde el diálogo entre los miembros del trío avanza con tensión contenida. La intervención final de la guitarra, improvisando en las notas más bajas es muy original, y nos devuelve al principio, dando sentido (circular) al tema. 




Con un comienzo tan rompedor (incluso para el siempre inesperado Marcos Pin), el oyente se queda con hambre de saber de qué va el álbum, y se va encontrando con temas líricos, gozosas improvisaciones de sonoridades acústicas ("This New World"), juegos rítmicos donde guitarra y saxo se divierten al unísono (""We Wed Weed" o "Sat 02 32", donde Castaño aprovecha para salirse de los cánones derivando hacia el free más crudo, baladas de gran belleza como "Sunday's Here" con un Castaño delicado en las líneas melódicas o "A Whole Life", que es todo un solo de guitarra técnicamente perfecto, también baladas no exentas de aventura sonora ("She Left On Tuesday"), virtuosismo en solitario ("Jump On It", cargado de blues), libertad, filosofía cambiante, atmósferas desconcertantes con melodías sugeridas pero nunca concluidas... El final minimalista redondea al álbum volviendo al comienzo ("Redial").

Con un diálogo constante entre los tres instrumentos y solos complejos (especialmente en el saxo, que roba protagonismo a la guitarra en este disco), Marcos Pin rompe una vez más su propio molde y desarrolla en A Week Ahed una narrativa experimental que no le habíamos escuchado antes y donde consigue, pese a lo sorprendente, abarcar un espectro de sonoridades que transmiten emociones, en algunos momentos las emociones de un bebop cercano al free jazz pero emociones, que es de lo que el jazz, al fin y al cabo, se trata. 



* Foto. Rafa Pasadas (www.rafapasadas.com)